5 bộ phim hoạt hình hàng đầu năm 2022 năm 2022

Nhất Anh/Người Việt

HOLLYWOOD, California (NV) – Các bộ phim thuộc thể loại hoạt họa không thể thiếu trong kế hoạch làm phim mỗi năm ở Hollywood vì không chỉ đắt khách mà còn tạo ra những tác phẩm tinh thần cho cả người lớn và trẻ em.

Chỉ mới đến nửa năm 2022 thôi nhưng khán giả có dịp tha hồ lựa chọn và cười thả ga với các bộ phim hoạt họa cực kỳ hay ho, hài hước nhưng cũng đem lại nhiều bài học giá trị và ý nghĩa trong cuộc sống, điển hình là năm bộ phim dưới đây.

Turning Red (1 Tháng Ba)

Đầu năm nay, Pixar và Disney ra mắt bộ phim hoạt họa “Turning Red,” khai thác cuộc sống của gia đình gốc Á sinh sống ở Toronto, Canada, với nhiều khía cạnh hài hước và đáng suy ngẫm về tâm lý tuổi teen cũng như mối quan hệ giữa cha mẹ và con cái, đặc biệt là trong gia đình Á Châu.

Cô bé Mei được xem là “con nhà người ta” khi lúc nào cũng học giỏi, siêng năng, vâng lời cha mẹ, biết phụ giúp việc nhà và lúc nào cũng làm theo ý người lớn và luôn sợ sệt về việc sẽ làm của mẹ mình là bà Mai thất vọng.

Tuy nhiên, đến độ tuổi “ẩm ương,” Mei bắt đầu có những chuyển biến tâm lý mới như thần tượng nhóm nhạc nam, hay mơ mộng, thích ca hát và có những rung động đầu đời với bạn khác giới. Điều này khiến bà Ming, mẹ của bé Mei, vô cùng lo lắng. Mei cố gắng giấu kín những cảm xúc của mình để trở thành một người hoàn hảo trong mắt mẹ mình, nhưng mỗi khi cảm xúc dâng trào sẽ khiến Mei biến thành cô gấu trúc đỏ.

Trải qua nhiều câu chuyện vui buồn lẫn lộn xoay quanh bé Mei với gia đình và bạn bè, mối quan hệ giữa bà Ming và bé Mei ngày càng thắm thiết và thấu hiểu nhau hơn, đồng thời còn đem lại nhiều thông điệp ý nghĩa về tình mẫu tử trong cuộc sống.

“Turning Red” hiện vẫn đang chiếu trên trang mạng xem phim trực tuyến Disney +, bắt đầu từ 22 Tháng Ba.

Inu-Oh (28 Tháng Năm)

“Inu-Oh” là một trong số những bộ phim hoạt họa hiếm hoi của các nhà làm phim Nhật được hãng Netflix sản xuất và trình chiếu trên trang mạng xem phim trực tuyến lớn nhất ở Mỹ trong dịp Hè năm nay.

“Inu-Oh” theo chân nhân vật Inu-Oh, là một người có ngoại hình lạ kỳ, biến dị, buộc phải che hết cơ thể, thậm chí là phải dùng mặt nạ để che lại khuôn mặt bị biến dạng xấu xí. Một ngày nọ, Inu-Oh gặp gỡ cậu bé mù Tomona với tài chơi đàn biwa điêu luyện (biwa là một loại đàn truyền thống ở Nhật).

Một người tàn tật với dị dạng xấu xí, một người thì chơi đàn hay nhưng lại bị mù; cả hai kết hợp lại, cùng nhau nương tựa, mua hát cầm ca cho bàn dân thiên hạ để kiếm sống qua ngày. Tài năng ca hát của Inu-Oh và khả năng chơi đàn của Tomona khiến người nghe rung động và dần dần họ trở nên nổi tiếng hơn, cũng từ đó mà tình bạn trở nên khắng khít hơn.

Tuy vậy, thân thế của cả Inu-Oh và Tonoma luôn khiến khán giả tò mò và luôn đặt câu hỏi trong đầu “Vì sao Inu-Oh lại có ngoại hình kỳ dị? Tại sao Tomona bị mù?” Tất cả đều sẽ được giải đáp ở gần cuối phim.

Bộ phim do đạo diễn người Nhật Masaaki Yuasa thực hiện, được công chiếu lần đầu tiên tại Đại Hội Điện Ảnh Venice hồi 9 Tháng Chín, 2021, và ra mắt khán giả trên Netflix hôm 28 Tháng Năm vừa qua.

Minions: The Rise of Gru (1 Tháng Bảy)

Nếu đã lỡ yêu thích các Minions màu vàng lóc chóc và đầy vui nhộn trong các series phim hoạt họa “Despicable Me” thì bạn không nên bỏ qua bộ phim “Minions: The Rise of Gru,” là phần thứ hai tập trung về các Minions và là phần thứ năm của thương hiệu “đẻ ra trứng vàng” của hãng Universal.

Tập phim mới nhất của đạo diễn Kyle Balda sẽ quay về thời điểm lúc Gru, chủ của dàn Minions, còn là cậu học sinh trung học. Khán giả sẽ có dịp tìm hiểu nguồn gốc của Minions và mối quan hệ đặc biệt giữa Gru và các Minions do chính mình tạo ra.

Trước đó, êkíp làm phim từng dự tính ra mắt “Minions: The Rise of Gru” hồi năm 2020 tuy nhiên phải bị hoãn hơn hai năm vì đại dịch COVID-19. Khỏi phải nói, với lịch chiếu mới này, người hâm mộ nóng lòng gặp lại dàn Minions quậy phá và tha hồ được cười thả ga, thư giãn.

Theo dự kiến, phần thứ năm của “Despicable Me” chính thức ra rạp 1 Tháng Bảy tới đây.

The Sea Beast (8 Tháng Bảy)

Không chỉ “mát tay” khi sản xuất các bộ phim người đóng thuộc đủ mọi thể loại, hãng phim Netflix nay còn lấn sân sang cả các tác phẩm hoạt họa và dự án mới nhất của hãng mang tên “The Sea Beast,” dự kiến sẽ chiếu trên trang mạng trực tuyến vào ngày 8 Tháng Bảy tới đây.

“The Sea Beast” thuộc thể loại phiêu lưu sử thi nói về câu chuyện của Jacob Holland, một thợ săn quái vật biển huyền thoại. Cuộc sống của Jacob bị đảo lộn hoàn toàn khi có sự xuất hiện của cô gái Maisie Brumble trên chiếc thuyền của mình khi cô lẻn vào để trốn sự truy đuổi gắt gao của những đòi nợ gia đình cô.

Đây là dự án hoạt họa thứ tư của đạo diễn Chris Williams, sau các tác phẩm được khán giả yêu mến như “Moana,” “Big Hero 6” và “Bolt.” Phim có sự tham gia chuyển âm của các diễn viên Zaris-Angel Hator, Karl Urban, Marianne Jean-Baptiste và Dan Stevens.

DC League of Super-Pets (29 Tháng Bảy)

Không chỉ có Netflix mà DC Comics cũng lấn sân sang lĩnh vực hoạt họa khi cuối cùng cũng cho ra mắt mới mang tên “DC League of Super-Pets,” dự trù ra rạp ngày 29 Tháng Bảy tới đây.

Bộ phim theo chân chú chó Krypto, hay còn gọi là Super-Dog, là một người bạn bốn chân trung thành của Superman, cùng đồng hành với Siêu Nhân trong các cuộc chiến ở thành phố Metropolis.

Tuy nhiên, trong một lần làm nhiệm vụ giải cứu người, Superman không may bị bắt cóc, buộc Krypto phải tìm cách cứu chủ của mình. Chú chó Krypto cùng với những người bạn bốn chân khác, bao gồm chú chó Ace, cô lợn con PB, cô rùa Merton và chú sóc Chip, hình thành một biệt đội thú vật với sức mạnh phi thường.

Đảm nhận vai trò chuyển âm cho chú chó Krypto chính là tài tử Dwayne Johnson. Ngoài ra, phim còn tập hợp các dàn diễn viên chuyển âm nổi tiếng như Kevin Hart, Vanessa Bayer, Natasha Lyonne và đặc biệt là tài tử Keanu Reeves thực hiện chuyển âm cho vai cameo Người Dơi trong phim. (Nhất Anh) [qd]

—–
Liên lạc tác giả: [email protected]

40 bộ phim hoạt hình hay nhất từ ​​trước đến nay

Từ các địa danh Pixar đến anime và chuyển động dừng cyberpunk-những bộ phim không hoạt động hàng đầu của chúng tôi và các toons mọi thời đại

Thật điên rồ khi nghĩ rằng, vào thế kỷ, kể từ khi Winsor McCay và Fantasmagorie người Pháp lần đầu tiên thực hiện các bản vẽ di chuyển trên màn hình một hình thức giải trí phổ biến, hoạt hình đã cho chúng ta mọi thứ từ chuột Steamboat, và những con cáo chuyển động của Sly-Motion đến, Chà, bạn đặt tên cho nó: một người lùn hát, thanh thiếu niên tâm linh Nhật Bản, mèo hông phản đối, crooning người Pháp, satyrs và ác quỷ cổ điển, robot tiết kiệm nhân loại, gia đình siêu anh hùng, địa hình cảm xúc của bộ não trẻ trung và là một người đáng yêu, đáng yêu, đáng yêu, Sinh vật không thể phân loại được gọi là Totoro. Những gì đã từng được coi là một sự phân tâm điện ảnh cho trẻ em đã nở rộ thành một phương tiện có khả năng sinh sản và cộng hưởng cảm xúc một cách sáng tạo như bất kỳ bộ phim hành động trực tiếp nào nhắm vào đám đông 18 trở lên (hoặc, trong trường hợp của một stunner như anomalisa, một Thay thế cho các bộ phim dành cho người lớn của người lớn có người lớn thực sự). think that, in the century-plus since Winsor McCay and the French Fantasmagorie first made moving drawings on a screen a form of popular entertainment, animation has given us everything from steamboat-steering mice and sly stop-motion foxes to, well, you name it: a septet of singing dwarves, psychic Japanese teens, counterculturally hip cats, crooning French triplets, classical-gassed satyrs and demons, humanity-saving robots, superhero families, the young-female brain’s emotional terrain and a lovable, unclassifiable creature known as a Totoro. What was once considered a cinematic distraction for children has blossomed into a medium that’s as creatively fertile and emotionally resonant as any live-action films aimed at the 18-and-over crowd (or, in the case of a stunner like Anomalisa, an incredible substitute for “adult” movies featuring actual adults).

Vì vậy, chúng tôi đang đếm ngược các lựa chọn của mình cho 40 bộ phim hoạt hình vĩ đại nhất mọi thời đại - các tính năng (và một số quần short chính quá tốt để không bao gồm cho những người làm phim. Đây là những người khiến chúng tôi sợ hãi, di chuyển chúng tôi, bẻ khóa chúng tôi và nhắc nhở chúng tôi về sự vui vẻ và di chuyển của nó khi xem phim hoạt hình, v.v. với một đám đông.

Trong gần 100 năm, bộ phim hoạt hình như chúng ta biết nó đã tồn tại-một hình thức nghệ thuật, giống như rạp chiếu phim hành động trực tiếp, xuất hiện từ quần short và phát triển thành một phương tiện chính theo cách riêng của nó. Nếu bước ngoặt lớn nhất là sự xuất hiện của Bạch Tuyết năm 1937 và bảy người lùn-đánh dấu sự khởi đầu của đầu ra dài từ Walt Disney Animation Studios-từ đó bộ phim hoạt hình phát triển và phát triển, tạo ra các công nghệ tiên phong mới, khả năng kể chuyện mới, Studios mới, và phong cách hình ảnh mới. Ngày nay, điều đó mang đến cho chúng ta một lĩnh vực bao gồm gần một thế kỷ yêu thích của Disney, các hãng phim lớn khác như Pixar thay đổi trò chơi, Titans Claymation của Anh và Ghibli huyền thoại của Nhật Bản và các phong cách từ các tính năng 2D kéo dài truyền thống, đến xa hoa Bánh kẹo tạo ra máy tính, chuyển động dừng được sản xuất một cách tỉ mỉ, và mọi thứ ở giữa.

1 trong 50

Ít nhất là có những lý do Cinquante để xem bộ ba của Belleville, nhà làm phim hoạt hình người Pháp Sylvain Chomet ra mắt đáng kinh ngạc. Để bắt đầu, có một cốt truyện không đối thoại thực tế (một bà ngoại chân của câu lạc bộ thực hiện một nhiệm vụ cứu hộ để cứu cháu trai của cô ấy khỏi Mafia trong tour de France), các bộ phim (số âm nhạc mở đầu, một cuộc rượt đuổi Pedalo, một reel cuối cùng Getaway), một dàn diễn viên hỗ trợ tuyệt vời (những người đi xe đạp có khuôn mặt buồn, những người mobster lớn hơn ngoài đời) và các ngôi sao của Hội trường âm nhạc già nua, người đã đánh cắp chương trình. Nó làm tăng một cái nhìn bộ phim câm với chủ nghĩa siêu thực nhưng phát triển mạnh khi đi đến một nơi mà hầu hết các hoạt hình không dám: nó phát ra giữa nỗi buồn và châm biếm (Belleville là một nước Mỹ đã được báo cáo mỏng manh) và nỗi nhớ trở thành một paean cho thời gian . Bằng cách nào đó nó cũng quản lý để hài hước như địa ngục. Đọc bài đánh giá của Empire.

2 trên 50

Nó không chính xác là một yêu thích dễ xem, nhưng tính năng hoạt hình thứ ba của Disney là một bộ phim bom tấn trong rất nhiều giác quan. Kết hôn với hoạt hình càn quét đặc trưng của ngôi nhà chuột với một loạt các bộ âm nhạc cổ điển yêu quý ('danh sách nhạc', như đã từng, bao gồm những tiếng nổ từ Bach đến Beethoven) dẫn đến một điều gì đó phần lớn là ngoạn mục. Trình tự được nhớ đến tốt nhất là cơn ác mộng chổi leo thang của 'Người học việc của Sorcerer' (sự xuất hiện hiếm hoi từ bản thân Mickey Mouse trong một bộ phim chính của Disney), nhưng có những tầm nhìn tận thế đáng kinh ngạc được tìm thấy trong nghi thức mùa xuân của Bang Bang-centric '(AKA, một con khủng long), và' đêm trên núi hói 'Sturm-and-dranging, có sự tham gia của Devil Devil Chernabog. Bài thuyết trình cũng vui tươi, với các chuỗi cho thấy tài năng của nhạc trưởng Leopold Stokowski trong hình bóng và một chút dành riêng cho 'nhạc phim'. Một bữa tiệc kéo dài hai giờ cho đôi mắt và đôi tai-nhưng có thể bỏ qua Centaur Bit kỳ lạ. Đọc bài đánh giá của Empire.

3 trên 50

Không phải là một bài hát U2, đó là một ngày đẹp trời là bộ phim như cuốn sách nhấp nháy. Một phiên bản tính năng của họa sĩ truyện tranh độc lập Don Hertzfeldt của bộ ba phim ngắn, nó theo dõi Bill-and Circle Figun . Đối với một nhân vật gầy gò như vậy, Bill có một cuộc sống bên trong phong phú đáng ngạc nhiên. Khi Hertzfeldt cung cấp tường cho tường thuật tường, câu chuyện không có những chi tiết nhỏ dường như ngẫu nhiên - dép vua Lion, máy thổi lá - hợp nhất thành một cuộc thám hiểm lớn về vị trí của chúng ta trong vũ trụ. Hoạt hình là hình ảnh đen trắng nhất có thể tưởng tượng được, vì vậy hiệu ứng được làm thủ công, quyến rũ và, bằng cách nào đó, di chuyển kỳ lạ. Một hình vẽ nguệch ngoạc dài 62 phút để thưởng thức, nó chỉ khiến bạn ước mình làm được nhiều hơn với những người viết nguệch ngoạc mà bạn đã làm trong quá trình toán đôi.

4 trên 50

Các số liệu thống kê xung quanh Vincent yêu thương là ra khỏi móc. Trong khoảng thời gian sáu năm, một nhóm gồm 125 họa sĩ từ 20 quốc gia đã vẽ hơn 65.000 khung phim theo phong cách của Vincent Van Gogh (bạn biết đấy, anh chàng hướng dương). Sử dụng một kỹ thuật rotoscope được Richard Linklater ưa thích trong cuộc sống thức dậy và một máy quét một cách tối tăm, các đạo diễn Dorota Kobiela và Hugh Welchman tạo ra một sự cống nạp sống động cho nghệ thuật của Van Gogh được gói gọn trong một câu chuyện thám tử để khám phá bản chất thực sự của người vẽ. Nó có sự kỳ lạ của nó - bạn có thể thấy những gì như Saoirse Ronan và Chris O'Dowd sẽ trông giống như nếu họ đặt ra cho VVG - nhưng nó được thiết kế phức tạp như một sự tôn vinh cho nghề thủ công của Van Gogh, cả về tổng quan (The Gentle Premels, The The Gentle Inky Blacks) và các chi tiết (các khoản tín dụng cuối cùng chỉ ra những bức tranh chính xác đã được tôn vinh). Nó bắt đầu với trích dẫn của Van Gogh - "Chúng ta không thể nói ngoài các bức tranh của mình" - và cuối cùng, Vincent yêu thương trở thành một cái nhìn sâu sắc sống động về cuộc sống của nghệ sĩ bằng cách để hình thức trở thành nội dung.

5 trên 50

Sau khi trở lại với các bộ phim gói theo cách tuyển tập qua Thế chiến thứ hai, Disney đã quay trở lại với một bộ phim công chúa thứ hai của Bibbidi-Bobbidi-Banger-bộ phim công chúa thứ hai của họ, phát triển và xác định lại nguyên mẫu mà họ bắt đầu với tính năng đầu tiên của họ. Đó là một câu chuyện kinh điển về sự khốn khổ, ma thuật và chuột, vì Lọ Lem trong lòng thuần khiết được đối xử như bụi bẩn bởi gia đình kế hoạch xấu xa của cô-cho đến khi bà tiên đỡ đầu của cô (cuối cùng) can thiệp và đưa cô vào bóng. Đối với tất cả các nhịp điệu của nó (20 phút mở bao gồm những trò hề của chuột trong nhà bếp), đó là một câu chuyện cổ tích thuần túy của Disney-với các bài hát Spritely, một chiếc váy mang tính biểu tượng và một nhân vật phản diện bị đánh giá thấp trong Lady Tremaine đáng gờm của Eleanor Audley. Nếu bản thân hoạt hình không phải là táo bạo nhất của Disney, nó vẫn tự hào về một số khởi sắc tuyệt đẹp từ nghệ sĩ khái niệm huyền thoại Mary Blair - và tìm thấy sự quyến rũ đặc trưng của hãng phim trong dòng chảy đầy đủ. Đọc bài đánh giá của Empire.

6 trên 50

Trong khi DreamWorks Animation đã bị chỉ trích vì theo đuổi rồng nhượng quyền (chơi chữ hoàn toàn có ý định), bộ ba này là một ví dụ cao vút mà công ty có thể chỉ ra lý do tại sao nó không phải lúc nào cũng là kẻ thù của sự sáng tạo và quyến rũ. Có nguồn gốc bởi Dean DeBlois và Chris Sanders (với hai bộ phim tiếp theo chủ yếu trên đồng hồ của DeBlois), cách huấn luyện rồng của bạn sôi sục với một cậu bé và câu chuyện về con chó của nó - nơi cậu bé là một người Viking, và con chó là một con chó là một con chó là một Rồng đêm mạnh mẽ có sự ngụy trang tự nhiên và có thể bắn những vụ nổ plasma từ miệng anh ta. Thay vì để các nhân vật chạy (hoặc bay) đúng vị trí, loạt phim (và spin-off màn hình nhỏ của nó) làm cho lựa chọn thông minh để phát triển câu chuyện và làm sâu sắc thêm cảm xúc, và vẻ ngoài của các bộ phim là một họa sĩ, thường là ngoạn mục Sử dụng CGI.Read The Empire Review.

7 trên 50

Rất ít người cho rằng đây là bộ phim Disney yêu thích của họ, nhưng không có Snow White, không có bộ phim nào khác trong danh sách này thậm chí có thể tồn tại - điều đó thật đơn giản. Bộ phim hoạt hình dài đầu tiên của Mỹ đặt mẫu cho, tất cả mọi thứ tiếp theo-nhóm hoạt hình của Walt sử dụng các kỹ thuật camera đa nhân tiên phong để đưa khán giả vào một câu chuyện cổ tích của Đức với tất cả các yếu tố thông thường (một công chúa trẻ ngây thơ, một người già ghen tuông già Nữ hoàng, sinh vật rừng dễ thương, bóng ma hiện ra của cái chết). Nếu đó là một cách tự do, kết hợp một số chuỗi được phát minh như quần short các bản giao hưởng ngớ ngẩn mà studio được biết đến từ lâu, nó vẫn chơi như một tính năng hoạt hình đương đại - không tệ cho một bộ phim gần 100 tuổi. Với các nhân vật đặc biệt của nó (mỗi người lùn có sự tinh tế riêng), thiết kế tuyệt vời (quả táo bị nhiễm độc là mang tính biểu tượng) và những con giun tai như 'Heigh Ho', không có gì lạ khi nó thu hút trí tưởng tượng của khán giả và thay đổi tiến trình của Hollywood mãi mãi. Đọc Đánh giá Empire.

8 trên 50

Hai mươi năm trôi qua, người vuốt ve phụ của Dreamworks trong sự thống trị của Disney về cảnh quan hoạt hình có thể không cảm thấy tươi mới như trước đây-nhưng nếu nó không phải là công cụ sắc nét nhất trong nhà kho nữa, thì đó vẫn là một vụ nổ đầy màu sắc, đầy màu sắc. Từ những khoảnh khắc mở đầu của nó, Shrek xé toạc quy tắc truyện cổ tích và hoàn toàn lau sạch mông của nó với nó-tập trung một con yêu tinh màu xanh lá cây khổng lồ của chúng ta, biến Công chúa trở thành quái vật, và miêu tả nhân vật phản diện là một người cai trị áp bức của Disneyland-Alike Vương quốc Duloc. Nếu Mike Myers 'Scotland (nhấn mạnh vào giọng' ish ') là một liên lạc đầy cảm hứng, thì đó là con lừa của Eddie Murphy, người đã tạo ra toàn bộ bộ phim - diễn viên hài huyền thoại ở dạng hoàn toàn tự do. Là một bộ phim hài bạn thân tự do vuốt ve toàn bộ các nhân vật và nhân vật có giá trị của Vương quốc ma thuật, và điều đó (tốt hơn hay xấu) đã mở ra một kỷ nguyên mới của các tài liệu tham khảo văn hóa nhạc pop, nó vẫn thay đổi trò chơi, và rất, rất hài hước . Đọc Đánh giá Empire.

9 trên 50

Sự cảm động của các nhà sản xuất Lord và Miller tiếp tục với cuộc phiêu lưu của Mike Rianda về một gia đình rối loạn chiến đấu với một cuộc nổi dậy của AI-A-Assistant-một bộ phim hài hành động truyền hình khoa học, cảm thấy nhanh hơn, vui hơn và tự do hơn bất kỳ hoạt hình hiện tại nào khác nhà ở. Mitchells là một bộ phim thích thú-anh hùng trung tâm Katie (Abbi Jacobson) là một nhà sản xuất di chuyển vừa chớm nở có tài liệu tham khảo sâu sắc (có Celine Sciamma và Agnes Varda đùa Nhận dạng hình ảnh tối đa đặc biệt được củng cố bởi kết cấu lai 2D-3D được tiên phong bởi vào vít nhện. Nó không ngừng dí dỏm, tự hào có nhịp đập hành động bắt mắt, và trong những khoảnh khắc tốt nhất của nó-một bộ trung tâm mua sắm khàn khàn hoàn chỉnh với tình cảm có kích thước kaiju-quản lý cả một lúc. Trên hết, mối quan hệ cha-con trung tâm của nó có được cú đấm cảm xúc thực sự, đánh vào cảm giác trong khi nó làm hỏng nhãn cầu. Đọc bài đánh giá của Empire.

10 trên 50

Đối với hầu hết mọi người, Grave of the Firefly là loại kiệt tác mà bạn có thể chỉ xem một lần. Bộ phim đầu tiên từ Isao Takahata, trụ cột khác của Studio Ghibli cùng với người đồng sáng lập Hayao Miyazaki, là một câu chuyện trong Thế chiến II đau lòng-cả hai đều là một sự tôn vinh cho cuộc sống bị mất do những tác động gợn sóng của cuộc xung đột và một bản cáo trạng về Những thất bại xã hội dẫn đến cái chết bi thảm của rất nhiều cuộc sống cách xa tuyến đầu. Nó đi theo cậu bé tuổi teen Seita (Tsutomu Tatsumi) và em gái Setsuko (Ayano Shiraishi), người bị di dời sau khi bom phá hủy thành phố Kobe của họ. Họ đi sống với dì của họ, cho đến khi họ buộc phải rời đi khi khẩu phần thấp - và từ đó, hai người đấu tranh để sống sót ở nơi hoang dã, trân trọng thời gian họ có thể ở cùng nhau trong khi chết đói. , với hình ảnh khuấy động - những con đom đóm chính trị mang đến một ánh sáng mờ nhạt vào buổi tối khi cặp đôi rúc vào một nơi trú ẩn bom bị bỏ hoang - đó là một công việc tuyệt vời, tình cảm. Nhưng được cảnh báo: Nó thực sự, thực sự buồn (vì chủ đề của nó đòi hỏi). Đọc bài đánh giá của Empire.

11 trên 50

Tính năng của nhà làm phim Israel Ariel Folman là một bộ phim hoạt hình và phim tài liệu, về cá nhân và chính trị-và như vậy xuất hiện như một bộ phim không giống ai. Về bản chất, đó là một tài khoản thú nhận về những trải nghiệm của Folman với tư cách là một người lính tân binh trong cuộc xâm lược Lebanon năm 1982 của Israel. Chỉ có một khoảng thời gian của cuộc đời anh 'Ari'-hình đại diện hoạt hình của đạo diễn-không thể nhớ được, vì vậy anh ta phỏng vấn các cựu quân nhân Israel để ghép lại trải nghiệm. Việc làm phim là phi thường-phần mở đầu với một gói 26 con chó gầm gừ ném bom qua một thành phố dưới một bầu trời khí mù tạt từ sự di chuyển-pha trộn những khoảnh khắc nội tâm, hình ảnh siêu thực (Waltz của tiêu đề được nhảy bởi một người lính) và các cảnh quay chiến đấu mà vẫn còn vết sẹo. Về mặt điện ảnh, trí tuệ, cảm xúc, Waltz với Bashir là bộ phim hiếm hoi đẩy phương tiện lên độ cao lớn hơn. Đọc Đánh giá Empire.

12 trên 50

Theo phong cách Lord & Miller thực sự, nó không nên làm việc-nhưng một bộ phim xuất hiện từ một món đồ chơi vô tri bằng cách nào đó đã trở thành một khoản tiền mặt hoài nghi. Bộ phim LEGO thông minh các khu vực sáng tạo của đồ chơi khối xây dựng để kể một câu chuyện về trí tưởng tượng và sức mạnh của trò chơi, đó cũng là về sự nguy hiểm của sự phù hợp và nhu cầu thể hiện bản thân-tất cả văn hóa pop gags. Trong khi bộ phim tập trung vào công nhân cơ bản, máy bay không người lái Emmet (Chris Pratt) và hành trình 'Chosen-One Hãy tham gia Batman, ngay sau đó đã đưa ra bộ phim của riêng mình. Trên hết, hoạt hình CGI bắt chước giao diện của chuyển động dừng, trình bày toàn bộ bộ phim như một cuộc phiêu lưu Lego ngoài đời thực (tưởng tượng), hoàn chỉnh với các dấu ấn và vết trầy xước trên mỗi viên gạch. Đọc Đánh giá Empire.

13 trên 50

Disney đặt một vòng quay khác vào những câu chuyện cổ tích cổ điển không phải là một hiện tượng mới, nhưng Tangled đại diện cho một ví dụ thành công về nhà chuột chuyển đổi định dạng trong khi dính vào một số vùng nhiệt đới trên đường đi. Nữ anh hùng của chúng tôi Rapunzel (Mandy Moore) là một người mơ mộng từ lâu đã bị bỏ đi trong một tòa tháp của người mẹ Crone Gothel (Donna Murphy), người đã thèm muốn sức mạnh ma thuật được lưu trữ trong mái tóc bồng bềnh của con gái cô. Mọi thứ thay đổi khi kẻ trộm quyến rũ Flynn Rider (Zachary Levi, trên hình thức tốt, khôn ngoan) vấp ngã trên tháp. Có những câu chuyện cười, bài hát, cuộc phiêu lưu và một số hình ảnh mạnh mẽ, nhưng thành thật mà nói, đó là Maximus The Haughty Horse, người đánh cắp chương trình-một ngôi sao đột phá không bao giờ có bộ phim spin-off của riêng mình. Anh ấy ít nhất xuất hiện trong cả hai phim truyền hình bị thay đổi. Đọc bài đánh giá Empire.

14 trên 50

Khi Charlie Kaufman bước vào thế giới hoạt hình chuyển động, đó sẽ không bao giờ là một nỗ lực cắt cookie. Bắt đầu cuộc sống như một vở kịch một hành động và được Kickstarter tài trợ (có 1070 lời cảm ơn đặc biệt trong các khoản tín dụng cuối cùng), Anomalisa, được đồng đạo diễn bởi Animator Duke Johnson, là một người đau lòng nhỏ bé của một bức tranh. Về cơ bản, đây là một nghiên cứu ở Ennui giữa đời, khi diễn giả động lực bị phá hủy Michael Stone (David Thewlis) kiểm tra tại một khách sạn ở Cincinnati cho một hội nghị. Anh gặp Lisa (Jennifer Jason Leigh, chơi nhiều phần) và những gì tiếp theo là một cuộc gặp gỡ đầu tiên được quan sát tuyệt đẹp, có sự bất an và hối tiếc, xây dựng tình dục múa rối và sự tái hiện đau lòng của Lisa '. Tất nhiên, hành động cuối cùng bước vào khu vực điên rồ của riêng mình (xin chào, dương vật giả Nhật Bản cổ), nhưng, có lẽ nhiều hơn bất kỳ công việc nào khác của Kaufman, những gì bạn còn lại là một sự dịu dàng với ý nghĩa của con người. Đánh giá Empire.

15 trên 50

Cưỡi cao thành công của các bộ phim công chúa sóng mới như Tangled và Frozen, Disney đã mang đến một tác phẩm kinh điển đương đại khác, được đóng gói với những bài hát về giun từ một Mir-Manuel Miranda mới ra mắt. Nếu bản thân Moana thuộc về một dòng dõi kéo dài trở lại với Bạch Tuyết, cô ấy chắc chắn trong khuôn mẫu 'Công chúa Disney 2.0'-con gái của một tù trưởng, một chiến binh đi biển dũng cảm đang tìm kiếm một tương lai tốt hơn cho người dân của mình, không có lợi ích tình yêu thị giác. Bộ phim tỏa sáng từ đầu đến cuối với các nhân vật đáng yêu và hình ảnh Đảo Thái Bình Dương sôi động-tất cả đều là những vùng biển xanh lấp lánh và thảm thực vật tươi tốt-và tự hào là cách tiếp cận Ghibli-esque để có thiện và ác, thưởng thức sự cân bằng và hòa hợp để ủng hộ chiến thắng chiến đấu truyền thống. Yếu tố trong một loạt các Disney-Bangers hoàn toàn, Jemaine Clement Kênh Bowie là một con quái vật glam khổng lồ, và một chuỗi hành động theo phong cách Mad Max với chiến binh dừa, và bạn đã có một sự tuyệt vời hiện đại. Đọc bài đánh giá của Empire.

16 trên 50

Ở giữa sự xuất hiện thiết yếu của bộ phim truyền hình tuổi con gái và bức chân dung kiệt tác toàn diện của một người phụ nữ trên lửa, Céline Sciamma-một trong những nhà làm phim thú vị nhất thế giới ngày nay-đã viết một bộ phim hài chuyển động về một đứa trẻ tên ICARE với mái tóc xanh và tóc xanh và Một cái mũi như một (bạn đoán nó). Tuy nhiên, có vẻ lạ như nó, bộ phim do Claude Barras đạo diễn có dấu vân tay của Sciamma, từ người mẹ lạm dụng rượu của Icare-chính cô là người biệt danh anh ta-tự sát, đến cuộc sống của những đứa trẻ bị hư hại trong một trại trẻ mồ côi. Nếu nó nghe có vẻ nghiệt ngã, nhưng bóng tối được cân bằng với sự ấm áp, hài hước và khôn ngoan. Nó cũng đầy hoạt hình sôi động-một punk-Disco ném cho trẻ em bởi các giáo viên là một niềm vui-điều đó vẫn có thể tin được, cho phép sự đồng cảm, nhạy cảm và hy vọng của câu chuyện tạo ấn tượng lớn nhất. Đọc bài đánh giá của Empire.

17 trên 50

Đúng là một số yếu tố của Dumbo đã già đi cực kỳ kém-không chỉ là những con quạ nổi tiếng về chủng tộc, mà còn là bài hát 'Roustabouts' ít được nhớ đến, làm giảm những người duy nhất của bộ phim màu sắc để vui vẻ, vô danh. Trong tất cả các vấn đề khác, đó là một kiệt tác. Đó là một sự u sầu và tối tăm đáng sợ-một câu chuyện về sự bóc lột, khốn khổ và sự biến thái cuối cùng, khi con voi to tai lớn Jumbo Jr. Sự khác biệt lớn nhất của anh ấy có thể trở thành siêu năng lực của anh ấy. Nó có một cú giật nước mắt của một bài hát trong 'Baby Mine', các chuỗi xiếc được hiện thực hóa một cách sinh động và 'những con voi màu hồng trên diễu hành' vẫn là một trong những tác phẩm hoạt hình táo bạo nhất, được xuất hiện từ Walt Disney Animation Studios. Tất cả những năm sau đó, Dumbo vẫn còn bay lên. Đọc Đánh giá Empire.

18 trên 50

Một sự kết hợp quyến rũ của hoạt hình lấy cảm hứng từ thần thoại và hài kịch lấy cảm hứng từ bóng chày làm cho Hercules trở thành một mục nhập thoải mái trong thời kỳ Phục hưng Disney thập niên 90, ngay cả khi nó được đánh giá thấp vào thời điểm phát hành. Studio Stalwarts Ron Clements và John Musker đã tiếp tục theo dõi Aladdin một câu chuyện thua kém khác, lần này là về con trai của các vị thần Hy Lạp Zeus và Hera, người trở thành một con người bị ruồng bỏ với sức mạnh thần thánh sau khi tay sai của Hades không biến anh ta thành một người hoàn toàn. Nổi bật của dàn diễn viên bao gồm Daniel DeVito như, tốt, Danny DeVito trong Satyr Form và Susan Egan trong vai trò chống D-Damsel-in-distress lấy cảm hứng từ Barbara Stanwyck. Ném vào một bản nhạc của những tiếng nổ phúc âm - không kể đến bản tái hiện của Michael Bolton về 'Go the Acident' - và bạn đã có một romp đầy năng lượng, ranh mãnh. Đọc bài đánh giá của Empire.

19 trên 50

Làm thế nào để bạn theo dõi bộ phim hoạt hình thay đổi trò chơi nhất trong nhiều thập kỷ? Bạn mở rộng danh sách nhân vật với nhiều đồ chơi mà khán giả sẽ yêu (xin chào, băng đảng tròn của Woody), làm sâu sắc thêm sức hút cảm xúc (người không khóc khi cô ấy yêu tôi '?) Và chồng chất vào Đế chế đình công Tài liệu tham khảo trở lại. Nếu nó không bao giờ có thể hy vọng lấy lại được sự ngạc nhiên của bản gốc, Toy Story 2 đã chứng minh Pixar không có đèn flash trong chảo-phần tiếp theo ban đầu được định sẵn cho video trực tiếp đơn giản là quá tốt để không chạm vào màn hình lớn. Theo phong cách Đế chế thực sự, nó mở rộng thế giới và chia rẽ băng đảng của chúng tôi-gửi Woody vào thế giới tồi tệ của các nhà sưu tập đồ chơi retro, và gửi tiếng vang và co để cứu anh ấy trong một chuyến đi trong một chuyến đi tập trung vào Barbie vui nhộn qua Barn. Đó là một phần tiếp theo cho thấy có rất nhiều cuộc sống trong những đồ chơi này - và lần này, mọi người đều tìm kiếm. Đọc bài đánh giá của Empire.

20 trên 50

Slap-Bang ở giữa thời đại bạc của Disney xuất hiện một cuộc phiêu lưu trông không giống bất kỳ bộ phim nào khác từ hãng phim trước đó. Những khung cảnh xa hoa, mở rộng của người đẹp ngủ đã được thay thế bằng các bản phác thảo có họa tiết nhờ quá trình hoạt hình Xerox cắt giảm chi phí mới-dẫn đến một bộ phim cảm thấy được chế tạo bằng tay đúng cách và đầy sức sống, Simpatico với điểm số vui nhộn. Điều chỉnh cuốn tiểu thuyết của Dodie Smith, đó là (vào thời điểm đó) một bộ phim Disney đương đại hiếm hoi, đưa London vào những năm 1960 trong câu chuyện về một cặp vợ chồng thân yêu, những con chó mắt của họ và một tín đồ thời trang điên cuồng về việc phá vỡ con chó của họ của những chú chó con sơ sinh để làm một chiếc áo khoác lông. Nếu chính người Dalmati đáng yêu, thì đó là Cruella de Vil, người đã đánh cắp bộ phim-một nhân vật phản diện biểu tượng đúng đắn, một sinh vật nguệch ngoạc trong chiếc áo khoác lông thú, với thuốc lá có khói xanh, và tiếng rít của "imbeciles!" Tất cả trong tất cả, đó là một niềm vui của chú chó. Đọc Đánh giá Empire.

21 trên 50

Cả về mặt thị giác và cảm xúc, Bambi là một ứng cử viên mạnh mẽ cho bộ phim hoạt hình đẹp nhất của Disney. Ngay từ lần phát sóng mở rộng mở rộng của nó qua các lớp và các lớp rừng rậm rạp, đó là một câu chuyện sắp đến tuổi mục vụ tươi tốt, say sưa trong việc tái tạo cảm giác sống, tình yêu và sự mất mát vốn có trong thế giới tự nhiên. Cốt truyện là tối thiểu - đặc biệt là trong nửa đầu của nó, có ý định nhiều hơn vào người xem đang đắm chìm trong hệ thực vật và động vật của khu rừng - nhưng cuối cùng rất cảm động, khi Fawn Bambi mới sinh kết bạn, mất mẹ (theo một chuỗi mà bây giờ đã làm tổn thương nhiều thế hệ trẻ em) đến những thợ săn, rơi vào tình yêu và phát triển thành một hoàng tử vĩ đại của khu rừng như cha anh ta trước anh ta. Sự trưởng thành của câu chuyện đôi khi đụng độ với các nhân vật thân thiện với trẻ em hơn như Bunny Thumper và Skunk Flower, nhưng hình ảnh theo chu kỳ của nó đang khuấy động đúng cách. Đọc bài đánh giá của Empire.

22 trên 50

Không phải mọi bộ phim có thể lấy hai nhân vật dừng lại yêu quý từ một loạt quần short và TV đặc biệt và đưa họ lên màn ảnh rộng cho một bộ phim hài lấy cảm hứng từ kinh dị. Nhưng Was-Rabbit chỉ là một lý do tại sao không ai nên đánh giá thấp đội Aardman, người có thể mang lại sự nhạy cảm của Anh cho một bộ phim hoạt hình kinh phí lớn của Mỹ (tương đối). Bức tranh lớn hơn không ngắn mạch sự quyến rũ của nhà phát minh Wallace (cuối, Great Peter Sallis) và con chó thông minh im lặng của anh ta Các chuyến đi chơi của bộ đôi. Bản thân bộ phim có thể không được thiết lập các hồ sơ phòng vé (chúng tôi đã không thấy một bộ phim thứ hai có cặp đôi), nhưng nó đã giành được giải Oscar hoạt hình vào năm 2006 - và điều tốt cũng vậy, nếu chỉ cho tất cả các trò chơi chơi làm vườn. Đọc Đánh giá Empire.

23 trên 50

Bộ phim thứ hai từ phim hoạt hình Ailen Hoạt hình Saloon rất tuyệt đẹp-họa sĩ và thanh tao, pha trộn các mô hình nhân vật cách điệu với những hình nền được chi tiết tinh xảo phát sáng với một câu chuyện phát quang sinh học phù hợp với câu chuyện trung tâm Selkie của nó. Nếu Song of the Sea chơi cho trẻ em như một cuộc phiêu lưu thẳng thắn, đối với khán giả lớn tuổi thì đó là một câu chuyện ngụ ngôn về sự đau buồn và gia đình Saoirse (Lucy O'Connell) sau khi vợ anh ta chết khi sinh con - và có thể có nhiều thứ để Saoirse hơn là bắt mắt. Kéo từ văn hóa dân gian Ailen và chìm đắm trong ý nghĩa đặc thù văn hóa, Song of the Sea đã xác nhận Saloon hoạt hình là một giọng nói mới trong phương tiện - một người có nghệ thuật, kể chuyện và quyến rũ phù hợp với những người vĩ đại của Ghibli, Disney và Pixar.Read Đánh giá Empire.

24 trên 50

Các bộ phim hoạt hình và tia sáng của Makoto Shinkai-ánh sáng-ánh sáng bật ra khỏi các bề mặt trong những kẻ lung linh rực rỡ, khúc xạ trên bầu trời, phản chiếu từ các tòa nhà và màn hình iPhone với vẻ đẹp ngoạn mục. Đó là một bộ phim gồm hai nửa-phần đầu tiên là ngọt ngào, quyến rũ và dí dỏm như cô gái thị trấn nhỏ Mitsuha (Mone Kamishiraishi) và Tokyo Boy Taki (Ryunosuke Kamiki) thấy mình thức dậy trong cơ thể của nhau, có lẽ nhờ vào sự can thiệp của vũ trụ Vượt qua sao chổi. Và một khi mối quan hệ siêu hình ngày càng tăng của họ bắt gặp bạn, nửa sau của bộ phim sẽ chuyển sang các melodrama cổ phần cao với cú đấm tình cảm lớn. Nếu có rất nhiều ẩn ý về chính Nhật Bản - sự thúc đẩy và kéo giữa các truyền thống nông thôn và các thành phố ồn ào, lịch sử thiên tai của nó - đó là hình ảnh rực rỡ, nhạc phim tăng vọt của ban nhạc radwimps, và sự kết hợp trung tâm đó làm cho tên của bạn. Một cổ điển ngay lập tức. Một cách phù hợp, đó là một bộ phim hoán đổi cơ thể nằm dưới da. Đọc bài đánh giá của Empire.

25 trên 50

Tiếp tục nhiệm vụ ban đầu của DreamWorks Animation để trở thành đối thủ cạnh tranh với Disney trong khi mang hoạt hình cho khán giả lớn tuổi, Hoàng tử Ai Cập pha trộn một cách thuần thục CGI với hoạt hình 2D truyền thống; đầu tiên cho studio. Một đội quân của các nhà làm phim hoạt hình đã được triệu tập để thực hiện sử thi Kinh thánh này, được đồng sáng lập bởi người đồng sáng lập Studio Jeffrey Katzenberg như một bản chuyển thể hoạt hình của Mười điều răn. Bên cạnh các vistas Ai Cập tuyệt đẹp và những nhân vật được vẽ, thể hiện tinh xảo-chưa kể đến một chuỗi cuộc đua xe ngựa căng thẳng-nó tự hào về sức mạnh ngôi sao của những năm 90 của Gargantuan, với Michelle Pfeifer, Sandra Bullock và Jeff Goldblum trong số các giọng nói, với Val Kilmer trong một chiếc Vai trò kép - cho vay âm sắc phong phú của mình cho cả Moses và chính Chúa. Như thể điều đó là không đủ, âm thanh điện ảnh đáng kinh ngạc của Hans Zimmer và một bản song ca đã giành được giải Oscar từ các cường quốc Whitney Houston và Mariah Carey làm cho liên doanh đầy tham vọng này trở thành một mục tiêu bổ ích khi Dreamworks trở thành một đối thủ đáng yêu. Đọc Đánh giá Empire.

26 trên 50

Phim hoạt hình Saloon (và đồng giám đốc Tomm Moore) kết thúc bộ ba văn hóa dân gian Ailen với bản phát hành mới nhất này, một câu chuyện tuyệt vời được đặt ra chống lại vấn đề rất thực sự về sự hủy diệt thuộc địa của Anh ở Ireland. Robyn (Honor Kneafsey), con gái của một thợ săn đã phái đi quét sạch quần thể sói địa phương phát hiện ra một tinh thần tốt bụng trong một gói và đồng nghiệp Mebh (Eva Whittaker), người thể hiện một con sói khi cô ngủ. Cùng nhau, cặp đôi bắt đầu cứu những con sói và khu rừng khỏi các kế hoạch của người bảo vệ Chúa (Simon McBurney). Moore và The Saloon Gang luôn đi theo con đường hoạt hình của riêng họ, và Wolfwalkers không khác nhau, pha trộn phong cách khắc gỗ hình hộp cho thị trấn với công việc dòng chảy lỏng lẻo, lỏng lẻo cho các sinh vật trong rừng. Cả ngọt ngào và mạnh mẽ, đó là một tội ác mà đại dịch có nghĩa là nó chủ yếu được phát hành trực tuyến. Đọc bài đánh giá của Empire.

27 trên 50

Nếu bạn muốn một ví dụ hoàn hảo về cách hoạt hình cực kỳ biểu hiện có thể bổ sung và mang lại lợi ích cho một lớp truyện tranh tự do của một màn trình diễn giọng nói, thì không có gì khác ngoài Aladdin-bởi vì nhân vật tiêu đề có toàn bộ chương trình bị đánh cắp từ anh ta bởi Genie của Robin Williams. Big Blue Guy là một sáng tạo của độ đàn hồi tinh khiết, hoạt hình-chuyển hình hình dạng từ thứ hai đến thứ hai khi màn trình diễn được cải thiện mạnh mẽ của Firecracker của biểu tượng hài kịch cùng một lúc. Rằng bộ phim hài trực quan sống theo trí thông minh của William là một điều kỳ diệu-không có gì lạ khi Smith và Guy Ritchie không thể phù hợp với phiên bản trực tiếp. Ngoài vị thần, Aladdin vẫn là một người tin tưởng vào các bài hát của Alan Menken / Howard Ashman, Acerbic Iago của Gilbert Gottfried, và câu chuyện Underdog của nó về một 'con đường phố' Jasmine (Linda Larkin). Các khuôn mẫu Trung Đông chắc chắn không bay ngày hôm nay, nhưng mọi thứ khác đều có-bao gồm cả thảm. Đọc bài đánh giá của Empire.

28 trên 50

Tính năng hoạt hình thứ hai của Disney là một bước nhảy vọt lớn từ Snow White - mở rộng hơn về mặt kể chuyện, phức tạp hơn về mặt công nghệ và cách tối hơn. Thích nghi tiểu thuyết của Carlo Collodi, nó theo con rối gỗ theo một nhiệm vụ hiện sinh để kiếm được nhân loại của mình-một thứ tìm thấy anh ta bị một người showbusman mờ ám, bị một con cá voi hung dữ gọi là Monstro, bị một người đàn ông gây khó chịu, và trong Một chuỗi thực sự đáng lo ngại, được một huấn luyện viên ma quỷ đưa đến 'Đảo Pleasure' tội lỗi, nơi các chàng trai nổi loạn bị đột biến thành những con lừa và được vận chuyển cho mục đích bất chính. Nói tóm lại, nó không thực sự là một cho trẻ em - nhưng người lớn sẽ tìm thấy nhiều thành thạo kỹ thuật trong những bức ảnh theo dõi sống động và hoạt hình nhân vật đáng sợ. Thêm vào đó, nó có một bài hát xuất sắc trong 'Khi bạn muốn một ngôi sao' - ngày nay là giai điệu chủ đề Disney không chính thức. Đọc bài đánh giá của Empire.

29 trên 50

Hiếm khi một đội nghỉ ngơi trên vòng nguyệt quế của mình (và nó có một số vòng nguyệt quế kiếm được nhiều tiền), Pixar, dẫn đầu bởi Lee Unkrich, đã quyết định thực sự thử thách chính nó và phát triển một bộ phim giới thiệu điểm tiếp xúc văn hóa là ngày của người chết. Hoặc ít nhất, đó là nền tảng - câu chuyện thực sự ở đây là của Young Miguel (Anthony Gonzalez), người mơ ước trở thành một nhạc sĩ nổi tiếng như thần tượng của mình, Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt). Đó không phải là tham vọng đơn giản, đặc biệt là khi gia đình anh cấm âm nhạc sau khi chồng của bà cố của anh rời bỏ cô để theo đuổi sự nghiệp như một người biểu diễn. . Coco là một bộ phim sôi động tôn vinh các truyền thống văn hóa Mexico, và - bởi vì Studio Emeryville rất giỏi về nó - tự mình nói về nhịp tim hiệu quả như một số người chơi guitar ở đây. Bản thân bộ phim và bài hát gốc 'nhớ tôi' cả hai đều giành được giải Oscar, mỗi người xứng đáng. Đọc Đánh giá Empire.

30 trên 50

Nó không chính xác trung thành với tiểu thuyết nguồn của Rudyard Kipling, nhưng cuốn sách rừng rậm cho thấy những gì chuyển thể của Disney làm tốt nhất - loại bỏ các bit nhàm chán, nâng cao niềm vui và tập trung vào một số giai điệu giữa giun tai để niêm phong thỏa thuận. Bộ phim hoạt hình cuối cùng được giám sát bởi Walt Disney, người đã chết khoảng chín tháng trước khi phát hành, theo cùng một cách mà nhân vật trung tâm của nó làm-mặc dù cốt truyện về cơ bản tìm thấy Man-Cub Mowgli (Bruce Reitherman) chạy cho cuộc sống của anh ta từ Tigerful Tiger Shere Khan (George Sanders), thực sự đó là một chuyến đi dạo dễ chịu qua khu rừng rậm Ấn Độ tươi tốt khi anh gặp con lười yêu thích vui nhộn Baloo (Phil Harris), Panther Bagheera (Sabastian Cabot), và Kaa rít lên (Sterling Holloway). Đối với tất cả các pháo hoa của cuộn cuối cùng bốc lửa của nó, thực sự đó là đôi của Disney Bangers ở cốt lõi của nó chịu đựng: vụ nổ vui nhộn của 'I Wanna Be Like You' Courtesy of King Louie (Louis prima), và Slacker Anthem 'Bare Nhu yếu phẩm'.read Đánh giá Empire.

31 trên 50

Một vở nhạc kịch cao vút, rộng rãi ở Broadway-Calibre đáp ứng hoạt hình tinh vi, tiên phong trong câu chuyện cổ tích mang tính bước ngoặt của Disney. Beauty and the Beast thực sự là một điều kỳ diệu về kiến ​​trúc hoạt hình - từ lâu đài Gothic, hang động của Beast, đến các kệ được sử dụng quá mức của hiệu sách yêu quý của Belle (Paige O'Hara). Tuy nhiên, Disney đã không hy sinh cảm giác kỳ diệu như trẻ con của mình trong tên của việc thể hiện cách tiếp cận mới của nó đối với hoạt hình. Vũ đạo của bộ phim vẫn là một số tốt nhất của hãng phim, có thể là số mở đầu của Belle bằng mũi của cô ấy trong một cuốn sách, lướt qua một cách hạnh phúc qua các hoạt động bên trong của thị trấn nhỏ của cô ấy, hoặc bộ phim khiêu vũ trung tâm dỗ dành sự lãng mạn dự kiến ​​giữa vẻ đẹp và con thú. Tuy nhiên, sự lấp lánh của nó nằm trong thiết kế nhân vật của cư dân bị nguyền rủa của lâu đài-mỗi người hơi buồn và đầy đặn, nhưng không phải không có sự quyến rũ-cũng như trong lời bài hát được yêu thích của Howard Ashman thông báo cho một số khoảnh khắc thú vị nhất của bộ phim. "Hãy thử những thứ màu xám, nó rất ngon. Đừng tin tôi? Hãy hỏi các món ăn!" Đọc bài đánh giá của Empire.

32 of 50

From its medieval setting, to its iconic villain, to the sheer width of its frame, everything about Disney's third princess movie feels epic – a rich fantasy saga that has more than just romance on its mind. Painstakingly produced over the course of eight years and backed by a Tchaikovsy-inspired score, Sleeping Beauty is gorgeous in every respect – full of stylistic touches inspired by renaissance art, with stunningly detailed backdrops and dynamic character designs delivered on an expansive Cinemascope canvas. If the story itself is pretty slight (evil fairy curses baby, baby grows up and eventually falls into an enchanted sleep, the kiss of a prince breaks the spell), it's all livened up by the magnificent Maleficent (Eleanor Audley), a cracking, cackling villain with a flair for the dramatic, even transforming into a green-fire-breathing dragon for a climax that today echoes Game Of Thrones. Ironically, it was slept on at first – flopping on release, and only seen for what it was in the decades that followed: an absolute beauty.

33 of 50

If you were to tot up a list of Pixar's most loveable characters, and another list of the most brilliantly imaginative worlds they've created, Monsters, Inc. would come out near the top end of both. After two Toy Story films and A Bug's Life, the studio proved it really had the goods to become one of the greats with a sweet, silly and sentimental buddy comedy about monsters who are secretly terrified of the kids they spook every night. Hanging out with James P. Sullivan (John Goodman) and Mike Wazowski (Billy Crystal) – a furry blue top-scarer and his sardonic green ball of a co-worker – is a total joy, as is spending time in the streets of Monstropolis, packed with eye-catching beasts, sight gags galore, and Harryhausen in-jokes. If the fish-out-of-water set-up (Mike and Sully accidentally unleash human girl Boo in the monster city) is mined for major laughs, it provides huge emotional punch as they come to realise she's not a danger at all – just try not to weep at that final 'Kitty!'Read the Empire review.

34 of 50

An animated beacon of hope for Jack Skellingtons everywhere, Tim Burton's gothic musical remains a beloved, wretched festive treasure. Everything about this gorgeous gothic stop-motion fantasy endures because of its off-kilter charms, beginning with the angular and disproportionate character design, which Burton dreamed up with visionary effects artist Rich Heinrichs. The jewel in the crown is, of course, Skellington (Chris Sarandon) – the disgruntled Pumpkin King who finds a new lease of life under the glowing lights of Christmas Town – but each ghastly and/or ghoulish addition to the ensemble is a gnarled, slightly terrifying work of art. Composer Danny Elfman, a self-professed Skellington type who even supplied the character's singing voice, imbued the film with its haunting cadences and morbid soundscape, which at times manifests into intoxicating musical numbers. The film took a meandering journey to the screen, in part due to Disney's failure to accept Burton's vision – but when it arrived, it was unlike anything that had ever come before it, and continues to touch the hearts of outsiders everywhere.Read the Empire review.

35 of 50

The original Toy Story was a groundbreaker. Toy Story 2 rescued a sequel from the jaws of straight-to-video oblivion. No pressure, then, for the third outing, which had to follow those two hits. Under the careful, thoughtful direction of Lee Unkrich (who had been with Pixar since the first film), Toy Story 3 deepens the narrative of Woody, Buzz and the rest of the gang by having them confront the prospect of moving to a new home when their owner Andy outgrows them. The Toy Story films had always been about heart, loss, family and terrifying, cymbal-crashing monkeys (okay, maybe that one just applies to the threequel), but the third finds Team Pixar on fantastic form. One scene in particular (one word: incinerator) sent fans — including Quentin Tarantino, who named it his favourite film of 2010 – into paroxysms of worry and sniffles with its palpable sense of finality.Read the Empire review.

36 trên 50

Rất ít hoạt hình quốc tế đã thu được thành công toàn cầu giống như Persepolis. Rằng bộ phim diễn ra giữa cuộc cách mạng Hồi giáo - được ghi lại thông qua một phong cách hoạt hình rộng lớn, không công bằng trong bảng màu chủ yếu là đơn sắc - chỉ là minh chứng cho sức mạnh của cách kể chuyện của nó. Bộ phim được Marjane Satrapi đồng điều chỉnh từ loạt tiểu thuyết đồ họa tự truyện cùng tên của cô. Thông qua việc ghi lại cuộc sống trẻ của mình ở Tehran và sau này Áo, Satrapi chuyển tiếp sự đau khổ gây ra cho gia đình cánh tả và bạn bè của cô bởi Shah qua đôi mắt của cô, Bruce Lee yêu Tearaway. Cách mà Satrapi dệt niềm tin nhân văn của cô ấy vào câu chuyện đơn giản nhưng thanh lịch này đang dễ dàng di chuyển, và khiến cô ấy trở thành đạo diễn người phụ nữ đầu tiên được đề cử cho tính năng hoạt hình hay nhất tại Giải thưởng Học viện 2008. Đọc Đánh giá Empire.

37 trên 50

Sự kỳ diệu của Ratatouille không chỉ là Pixar làm một bộ phim về một đầu bếp chuột mà bằng cách nào đó không khiến khán giả muốn chạy cho nhóm bệnh hoạn gần nhất - đó là sự thanh lịch cảm giác của nó là rực rỡ nhất. Chiến công ấn tượng nhất của đạo diễn Brad Bird là biến mùi thành các điểm tham quan-các thành phần trở thành màu sắc trừu tượng bổ sung cho nhau khi các món ăn phụ trở thành tác phẩm của nghệ thuật ẩm thực, một bản giao hưởng của mùi hương xoáy hoàn thành bởi điểm số tuyệt đẹp của Michael Giacchino. Patton Oswalt cho mượn giọng nói của mình cho Remy - một con chuột với một món quà cho nấu ăn, người hợp tác với ngôn ngữ vô vọng của con người (Lou Romano) trong nỗ lực đưa các món ăn của mình ra thế giới. Nhưng với tình trạng gặm nhấm của Remy, việc phát hiện ra đầu bếp nhỏ thực sự sẽ đánh vần thảm họa cho tương lai của anh ta. Ngay cả theo tiêu chuẩn của Pixar, đôi khi nỗ lực này đã bị bỏ qua với sự quyến rũ và vẻ đẹp - chỉ cần xem cảnh trong đó nhà phê bình snooty Anton Ego (Peter O'Toole) cắn một món ăn của bộ phim và được chuyển trở lại sự ấm áp và tình yêu của anh ấy Nấu ăn của mẹ. Không tệ cho một bộ phim với một tiêu đề chơi chữ khá cơ bản. Đọc Đánh giá Empire.

38 trên 50

Một vài năm trước khi các nhà sáng tạo của Vũ trụ Điện ảnh Marvel tìm thấy sự pha trộn chiến thắng của họ giữa hành động siêu anh hùng và hài hước, Brad Bird đánh bại họ. The Incredibles, bộ phim Pixar đầu tiên của anh ấy, đã đưa anh ấy đi thẳng vào 'sự tin tưởng về não bộ' của công ty, những người giúp đỡ các nhà làm phim khác của các nhà làm phim khác và tiết lộ chính mình là một sự phát triển mạnh mẽ, ấm áp khi chơi các đội trong các đội như Bộ tứ siêu đẳng. Tập trung vào "Supers" Bob (Craig T. Nelson) và Helen (Holly Hunter) Parr, người đã từ bỏ trò chơi anh hùng để nuôi nấng gia đình, nó thấy Bob ngứa để quay lại bất chấp áp lực của chính phủ để tránh xa đường đi . Một cơ hội bí ẩn mang đến nhiều hơn những gì anh ta mặc cả, và gia tộc Parr sẽ phải kết hợp khả năng của họ để chống lại một mối đe dọa mới. Bird không chỉ đi trước trò chơi trên mặt trận anh hùng - anh ta cũng xác định được những nguy hiểm của fandom độc hại và sự nguy hiểm của áo choàng trên trang phục. Điểm thứ hai, tất nhiên, được phác thảo bởi chế độ Edna hoạt động của chim, tư vấn thời trang cho các anh hùng. Một nhân vật cho các thời đại, Dahling. Đọc Đánh giá Empire.

39 trên 50

Mọi người nói về 10 phút mở đầu. Và đúng như vậy-đó là Mini-Master của riêng nó, xinh đẹp và đau lòng như cặp đôi đáng yêu Carl và Ellie trải nghiệm những thăng trầm (hôn nhân, dã ngoại, nhảy múa) và thất bại (sảy thai, mất người thân) của cuộc sống trong một đoạn phim duy nhất đảm bảo lũ lụt nước mắt. Nhưng những gì tiếp theo cũng không kém phần kỳ diệu - một bộ phim phiêu lưu kỳ lạ, kỳ lạ, trong đó người già Carl (Ed Asner) và Hướng đạo sinh năng lượng Russell (Jordan Nagai) vô tình nổi lên Nam Mỹ trên một loạt các quả bóng bay rực rỡ, gặp một con chim khổng lồ được gọi là Kevin, một nhóm những con chó biết nói ("Squirrel!"), Và một nhà thám hiểm độc ác. Đó là một sự pha trộn bá đạo, nhưng đạo diễn Pete Docter kết hợp tất cả một cách ngoạn mục - nỗi đau buồn và sự thoát ly kỳ lạ bằng cách nào đó tồn tại trong sự hài hòa hoàn hảo. Bây giờ đó là một phép lạ Pixar. Đọc Đánh giá Empire.

40 trên 50

Ở trung tâm thời Phục hưng thập niên 90 của Disney, Vua sư tử đã tìm thấy hãng phim trở lại vào đỉnh cao của sức mạnh của nó - và con vật được nhân hóa của nó đảm nhận Hamlet là một điều đáng kinh ngạc. Về cơ bản là một tác phẩm đồng hành châu Phi có mặt trời với Bambi, đó là một câu chuyện sắp đến với vụ giết người và khuất phục-khi Lion Cub Simba (Matthew Broderick) lớn lên trong The Pride Rock, trải qua một cái chết của cha mẹ làm tan vỡ cuộc sống, và cuối cùng chiếm vị trí của cha mình với tư cách là người cai trị vương quốc động vật. Timon và Pumbaa (Nathan Lane và Ernie Sabella) nổi lên như những người bạn đồng hành tiêu chuẩn vàng một lần Simba chạy trốn, các bài hát của Elton John đã ra khỏi chuỗi ('The Circle of Life'! 'Hakuna Matata'! 'Tôi chỉ có thể có thể 'Hãy chờ đợi để làm vua'!), Và không ai khác ngoài James Earl Jones cho thấy giọng nói đang bùng nổ của mình cho tộc trưởng Mufasa. Tất cả những năm sau đó, nó thậm chí còn rõ ràng hơn - Vua sư tử không phải là cơn sốt của Passin. Đọc Đánh giá Đế chế.

41 trên 50

Đến thời điểm này, rõ ràng hãng phim hoạt hình có trụ sở tại Portland, Laika có thể sản xuất những bộ phim tuyệt vời-nhưng Kubo được coi là đỉnh cao của việc làm phim của họ cho đến nay. Vẽ từ những câu chuyện samurai, nó theo sau Kubo trẻ (Art Parkinson và gia đình đầy thách thức của anh ta. Mẹ anh ta sắp chết, ông nội của anh ta đã đánh cắp một trong những mắt anh ta các dì của anh ta (người được ông nội gửi để đánh cắp con mắt khác của anh ta), Kubo phải đi ra ngoài để tìm kiếm áo giáp của cha mình, một điều anh ta hy vọng có thể ngăn chặn ông của mình. Đó là một chuyện đầy mê hoặc, được củng cố bởi công việc giọng nói tuyệt vời từ Ralph Fiennes, Charlize Theron, Matthew McConaughey và George Takei, cộng với một số điểm đáng kinh ngạc từ Dario Marianelli, và đã giành được vị trí của mình là một trong những ví dụ sáng tạo và sành điệu nhất về chuyển động dừng ngoài kia.

42 trên 50

Trước khi gia nhập CG Giants Pixar, đạo diễn Brad Bird đã làm việc với đồng tác giả Tim McCanlies để (rất lỏng lẻo) điều chỉnh sự thích nghi của Ted Hughes. Một sự trở lại tuyệt đẹp, đầy cảm xúc cho những phim kinh dị hoang tưởng của thập niên 1950, cốt lõi của nó, nó kể về câu chuyện E.T-esque của một cậu bé cô đơn và robot khổng lồ trở thành người bạn thân nhất của anh. Bird Weavs trong các chủ đề về bản sắc và chiến đấu chống lại chiếc hộp mà mọi người có thể muốn đẩy bạn vào, trong khi cho thấy hoạt hình truyền thống ấn tượng có thể như thế nào (ngay cả khi bản thân người khổng lồ là một sáng tạo do máy tính tạo ra). Thêm vào một động cơ diesel vin gầm gừ như giọng nói của người đàn ông kim loại cao chót vót, và bạn đã có một người chiến thắng đáng buồn là không kết nối tại phòng vé nhưng từ lâu đã kiếm được trạng thái cổ điển sùng bái. Ồ, và có một hộp khăn giấy khổng lồ sẵn sàng cho những giọt nước mắt mà bạn sẽ rơi vào cuối cùng. Đọc Đánh giá Empire.

43 trên 50

Nếu nói Akira có ảnh hưởng điên rồ sẽ là một cách nói lớn. Không chỉ trong thế giới của anime, mà còn hơn thế nữa - tất cả mọi thứ từ ma trận cho đến những điều kỳ lạ có thể được truy nguyên từ kiệt tác nguyên khối của Katsuhiro Otomo. Lấy bối cảnh (những gì đã từng) trong tương lai của năm 2019, nó theo một nhóm trẻ em đi xe đạp ở thành phố Neo-Tokyo rộng lớn. Khi Tetsuo (Nozomu Sasaki) bị thương trong một vụ tai nạn và được đưa đến một cơ sở chính phủ bí mật, các thí nghiệm mang lại cho anh ta sức mạnh điện ảnh mà sớm vượt khỏi tầm kiểm soát và đe dọa phá hủy thành phố-giống như Akira bí ẩn đã làm 30 năm trước. Tùy thuộc vào người bạn Kaneda (Mitsuo Iwata) để cố gắng và ngăn Tetsuo trở thành một con quái vật. Trực quan đáng kinh ngạc, được xếp lớp theo chủ đề và với hành động động học rực rỡ, Akira đang quyến rũ-ngay cả khi cuộn cuối cùng của nó trở thành sự pha trộn ngày càng trừu tượng của những suy ngẫm siêu hình và kinh dị cơ thể có thịt.

44 trên 50

Bộ phim đưa studio Ghibli đến dòng chính phương Tây, thật kỳ lạ, không phải là tác phẩm dễ tiếp cận nhất của nó-nhưng câu chuyện cổ tích sắp tới của Hayao Miyazaki rất chìm đắm trong hình ảnh Nhật Bản tuyệt đẹp, đặc trưng cho văn hóa, không có gì lạ khi nó chiếm được trí tưởng tượng của thế giới. Darker hơn giá vé Disney điển hình của bạn, nó tập trung vào Chihiro (Remi Hiiragi), người bị mắc kẹt trong một nhà tắm thần thoại lớn, thường xuyên được các linh hồn thường xuyên bị con lợn biến thành lợn. Ở đó, cô bị buộc phải làm việc bởi phù thủy Yubaba (Mari Natsuki), và tạo thành một tình bạn với Dragon-Boy Haku (Miyu Irino). Nếu câu chuyện thường bị lỏng lẻo, đặc biệt là khi bộ phim tiếp tục vào giờ thứ hai, thì tinh thần đang trở nên khó khăn và mê hoặc, gợi lên toàn bộ thế giới của những sinh vật tò mò trong khi suy ngẫm về các quan niệm về bản sắc, tâm linh, sự phát triển cá nhân, chủ nghĩa môi trường và sự mơ hồ về đạo đức mở rộng Ngoài thiện và ác đơn giản. Đọc Đánh giá Empire.

45 trên 50

Rất ít bộ phim có thể tuyên bố có trí tuệ cảm xúc tuyệt đối của Inside Out - một bộ phim về những cảm xúc thông minh vừa là một cuộc phiêu lưu lăn lộn, vừa là một cuộc thám hiểm sắc thái về cảm xúc, ước mơ, trí nhớ và trí tưởng tượng. Nhân vật chính là kỹ thuật Riley (Kaitlyn Dias), thực sự đó là tiếng nói trong đầu cô ấy - niềm vui (Amy Poehler), Sadness (Phyllis Smith), Fear (Bill Hader) Lấy giai đoạn trung tâm. Với tất cả những biến động chuyển đến San Francisco cùng gia đình, thế giới nội tâm của Riley bị ném vào tình trạng hỗn loạn - phát hiện ra một cuộc phiêu lưu hiện sinh khi niềm vui và nỗi buồn quan tâm qua hành lang của tâm trí cô, thông qua suy nghĩ trừu tượng, nhà máy mơ ước và các hội trường tràn ngập Ký ức quý giá. Nó được khái niệm hóa đẹp mắt và nhận thức tuyệt đẹp, lên đến đỉnh điểm trong những quan niệm nhận thức về sự cần thiết của nỗi buồn, và cách những ký ức hạnh phúc trở nên nhuốm màu u sầu theo thời gian. Và đừng bắt chúng tôi bắt đầu Bing Bong, Đọc Đánh giá Empire.

46 trên 50

Không thể không bị quyến rũ bởi sự tốt lành tuyệt đối từ Ode của Hayao Miyazaki đến thời thơ ấu. Hàng xóm của tôi, Totoro đang bùng nổ với trí tưởng tượng, trong khi thoải mái hơn nhiều so với hầu hết các bộ phim của trẻ em-một cuộc trò chuyện nhẹ nhàng vào vùng nông thôn Nhật Bản, chứa đầy tinh thần rừng, tình bạn và sinh vật lông xù. Chị em Satsuki (Noriko Hidaka) và Mei (Chika Sakamoto) thấy mình trải qua một kỳ nghỉ hè trong một ngôi nhà nông thôn trong khi mẹ của họ hồi phục sau một căn bệnh trong bệnh viện, và sớm tìm thấy một quả bóng lông màu xám khổng lồ trong khu rừng gần đó. Nếu điều đó nghe có vẻ đơn giản, tốt, thì đó là - nhưng đó là sự đơn giản khiến bộ phim trở nên thú vị, cùng với thực tế là không có nhân vật phản diện hay nhân vật phản diện nào trong toàn bộ thời gian chạy. Từ chính Totoro, đến Soot Sprites (trở lại trong tinh thần) và Catbus, nó có đầy đủ các thiết kế tưởng tượng mang tính biểu tượng, hình ảnh thanh bình và với một giai điệu chủ đề sẽ không bao giờ rời khỏi đầu của bạn: " -Tooo-ro! "Đọc Đánh giá Empire.

47 of 50

The opening act of Wall-E is nothing short of astonishing: a largely dialogue-free trundle around the scorched remains of human civilisation, as the titular robot cleaner crushes Earthly detritus into neat cubes while pining for any kind of companionship. It's at once chilling and charming – the adorable swivel-eyed Wall-E contrasted against the horrifying mess we've left behind. The scope of it is stunning – and then in swoops fellow robo Eve, turning the whole film on its head, as Wall-E becomes smitten and a warped sci-fi rom-com eventually gives way to an intergalactic chase movie. From the fire extinguisher-assisted space dance, to Wall-E dancing along to Hello Dolly, to a mission to protect the one final piece of viable plant life, Wall-E is frequently breathtaking. With its dire ecological warnings, it's a film sure to resonate deeply for decades to come – all the while being a masterful piece of science fiction, with heart-popping emotion to boot.Read the Empire review.

48 of 50

With lopped limbs aplenty, giant marauding boars, and a flesh-mutating curse, Princess Mononoke is darker than your usual Ghibli fare. It's a stunning, sweeping epic though – a uniquely Japanese fantasy saga that feels equivalent to Lord Of The Rings in its mythical scope and narrative sprawl. It's perhaps the best example of Hayao Miyazaki's environmentalist themes – in which civilisation isn't necessarily evil but must find a way to co-exist with nature, as explosive conflict threatens the future of both. Set nearly 1000 years ago, the story centres on Ashitaka (Yoji Matsuda), a warrior whose arm becomes cursed in a battle against an infected boar god. Venturing west in search of a cure, he finds himself caught up in a war between the industrious people of Iron Town and the raw power of the natural world. With slick, kinetic action, ethereal imagery, and a nuanced narrative, Mononoke is a mammoth achievement – and even the English-language dub is good, with a translation adapted by none other than Neil Gaiman.Read the Empire review.

49 of 50

On a technical level, the impact of Pixar's first full-length feature can't be understated. It's as significant a leap forward for the medium as the debut of Snow White And The Seven Dwarfs was nearly 60 years previously – cracking open a whole new world of fully-3D computer-generated animation. Using technology pioneered by the studio (in collaboration with Apple), Toy Story wasn't just a phenomenon in its own right: it changed the visual style and filmmaking approach of nearly every major studio animation for decades to come. But beyond its seismic influence, it still stands up as a shining example of everything Pixar does best – it has dynamite buddy-duo dynamics in the bickering Buzz (Tim Allen) and Woody (Tom Hanks; it explores the emotions of anthropormorphised objects or animals; it creates an entire imaginative world from the seemingly everyday; and its screenplay is richly layered with characterisation and gags that work just as well for adults as they do for kids. The sequels might go bigger, but the original Toy Story is a pure blast of creative joy – and nothing since has been the same.Read the Empire review.

50 of 50

If Toy Story was the biggest leap forward for mainstream feature animation since Snow White, it took another 23 years for the needle to shift so significantly once again. But then in thwipped Spider-Verse, boasting a jaw-droppingly ambitious visual identity that feels completely distinct from anything else – blending 2D and 3D textures with comic book paper flourishes, amending the frame-rates of different characters within the same scene, chucking in blasts of acid-flash colour, and leaning into the cartoonish, exaggerated qualities that animation makes possible. And that's before you see our hero Miles Morales (Shameik Moore) sharing the screen with the black-and-white Spider-Man Noir (Nicolas Cage), the anime Peni Parker (Kimiko Glenn), and the Looney Tunes-esque Spider-Ham (John Mulaney) all in one frame. It's an all-out pop-art freak-out of a movie, with gorgeous details and genius sight gags packed into every frame ('Bagel!').But all the visual dazzle also serves an emotional purpose, encapsulating the characters' head-spaces. When Miles' Spidey-senses kick in, they do so with pulsing psychedelic colours. And when he's at the peak of his powers in the stand-out 'What's Up, Danger' sequence, the screen flips so that his head-first leap of faith down to the city below instead appears sees him ascending to the heavens, the entire world pivoting around him. Away from the visuals, the characters are layered and loveable, Miles proves himself a more-than-worthy Spider-Man, the multiverse storyline is brilliantly handled, and the emotional gut-punches land with total accuracy too. Plus, with Phil Lord and Chris Miller on producing duties (Lord co-wrote the screenplay too), it's packed with their signature laugh-out-loud gags. Spider-Verse excels on so many levels, it's already an instant classic – both as a superhero movie, and as an animated masterwork. It's a film so ahead of the game, it feels like it blasted in from another universe entirely.Read the Empire review.

Phim hoạt hình số 1 là gì?

10 hoạt hình hàng đầu là gì?

Hoạt hình được đánh giá cao nhất là gì?

10 bộ phim hoạt hình có doanh thu hàng đầu là gì?