5 nhạc phim trò chơi điện tử hàng đầu năm 2022

Kết nối bạn với thế giới âm nhạc:
● Hơn 70 triệu bài hát chính thức
● Nội dung nhạc bao gồm các tiết mục biểu diễn trực tiếp, bản hát lại, danh sách kết hợp và những nội dung nhạc chỉ có trên YouTube Music
● Hàng nghìn danh sách phát tuyển chọn theo nhiều thể loại và phù hợp với nhiều hoạt động

Tận hưởng âm nhạc dành riêng cho bạn, hoàn hảo cho từng khoảnh khắc:
● Danh sách phát và danh sách kết hợp dành riêng cho bạn, dựa trên những thể loại âm nhạc bạn yêu thích
● Danh sách kết hợp các bản nhạc phù hợp cho những lúc bạn tập thể dục, thư giãn và cần tập trung
● Tạo danh sách phát từ các bài hát đề xuất hoặc cộng tác với những người hâm mộ âm nhạc khác để tạo ra một danh sách phát hoàn hảo
● Thư viện được cá nhân hóa để bạn có thể xem tất cả bài hát, danh sách phát, nghệ sĩ và album mình đã nhấn nút thích và đã thêm vào

Nắm bắt xu hướng và khám phá nhạc mới:
● Nghe những danh sách tuyển chọn dành cho bạn như Khám phá danh sách tổng hợp hoặc Danh sách tổng hợp những bản nhạc mới
● Khám phá âm nhạc theo thể loại (nhạc hip hop, nhạc pop, nhạc đồng quê, nhạc sàn và nhạc điện tử, nhạc blues, nhạc indie và nhạc alternative, nhạc jazz, nhạc Kpop, nhạc Latin, nhạc rock và nhiều thể loại khác)
● Khám phá âm nhạc theo tâm trạng (thư giãn, hứng khởi, tràn đầy năng lượng, nhạc giúp ngủ ngon, tập trung, nhạc lãng mạn, nhạc nghe khi tập thể dục, trên đường đi làm, nhạc cho các bữa tiệc)
● Khám phá các bảng xếp hạng hàng đầu trên khắp thế giới

Nâng cấp trải nghiệm nghe nhạc của bạn bằng những tính năng độc đáo sau:
● Lời bài hát để bạn có thể hát theo bài hát mà mình yêu thích
● Chuyển đổi mượt mà giữa âm thanh và video
● Nghe nhạc trên điện thoại, máy tính, loa thông minh, TV thông minh, xe hơi, đồng hồ thông minh và trong các ứng dụng yêu thích của bạn.
● Tương thích với Google Maps, Waze, Trợ lý Google và các sản phẩm khác

Nâng cấp lên Music Premium (được cung cấp ở một số quốc gia) để tận hưởng:
● Nghe không quảng cáo
● Phát nhạc trong nền
● Xem nội dung bạn tải xuống, bao gồm cả nội dung tải xuống thông minh
● Chuyển đổi liền mạch giữa âm thanh và video (chỉ khi dùng YouTube Music)

----------
Chỉ những người đăng ký YouTube Red, Music Premium, YouTube Premium và Google Play Âm nhạc lần đầu tiên mới đủ điều kiện dùng thử miễn phí, nhận ưu đãi cho người dùng mới hoặc nhận mức giá khuyến mãi.

Mức giá hằng tháng: 9,99 USD / 9,99 CAD / 11,99 AUD / 12,99 NZD / £12,99 / €9,99 / 99 peso MXN / ₩7.900/ 99 kr NOK / 99 kr SEK / 99 kr DKK / 169 ₽ / ARS$99/ ₹99,00 IN / R59.99 ZA / ₡3,190 / 5,99 USD (EC, DO, UY, VE, GT, BO, HN, SV, PY, NI, PA) / 19,99 zł / RON22 / 149 Kč / Ft1.490 / lev8,99 / USD$5,99 (BY) / €5,99 (SK, SI) / €6,99 (GR, MT, CY, LT, LV, EE) / $6,99 (MK) / 13,99 Turkish Lira (TR) / kn59,99 (HR) / $9,99 (IS) / ₪19,90 (IL) / dh29,99 (AE) / Rial19,99 (QA) / $4,99 (BH, KW, OM, LB) / RP49.000 (ID) / NT$149 (TW) / ฿129 (TH) / ₱129 (PH) / $58 (HK) / RM 14,90 (MY) / $9,98 (SG) / USD$5,99 (VE) / ₦900 (NG) / $9,99 (TC) / £49,99 (EG) / USD$9,99 (AS, AW, GU, MQ, YT, PF, MP, PG, PR, TC, VI)/ USD$5,99 (BM, KY)/ €9,99 (GF, GP, NC)

Sáng tác nhạc phim đòi hỏi người làm nhạc phải thật sự hiểu nội dung, bối cảnh phim để cảm nhận, suy ngẫm và thấu hiểu. Sự vang lên một cách hợp lý của âm nhạc ở những phân cảnh phim giúp các nhân vật thể hiện chiều sâu tâm lý rõ ràng, dẫn dắt cảm xúc người xem một cách tự nhiên, góp phần gia tăng ấn tượng, tình cảm của khán giả đối với bộ phim.  

Sao cha không là ca khúc đã tạo nên “cơn sốt” trong bộ phim điện ảnh đang chiếu rạp mang tên “Bố già” của hai đạo diễn Trấn Thành - Vũ Ngọc Đãng. Với giai điệu nhẹ nhàng, ca từ tình cảm, giản dị đề cao tình cha con, bài hát được nhạc sĩ - ca sĩ Phan Mạnh Quỳnh sáng tác và thể hiện đã chạm đến trái tim của phần lớn khán giả. MV Sao cha không ngay sau 12 giờ ra mắt đã thu hút 1,2 triệu lượt xem trên YouTube, con số này tăng thành 2,8 triệu lượt xem sau 24 giờ. Đây là kỷ lục chưa từng có của ca khúc nhạc phim tại Việt Nam. Cùng với yếu tố kịch bản và diễn xuất, âm nhạc trong phim đã góp phần làm nên cơn “bão” phòng vé cho “Bố già”. Phim chiếu rạp gần đây “Gái già lắm chiêu 5: Những cuộc đời vương giả” cũng gây chú ý với ca khúc Đóa bạch trà do Bùi Lan Hương sáng tác và thể hiện. Trước đó phải kể tới hàng loạt ca khúc bước ra từ phim điện ảnh đã có đời sống riêng như: Có chàng trai viết lên cây (phim Mắt biếc), Ngày chưa giông bão (phim Người bất tử), Chạy (phim Ròm), Cô gái ngày hôm qua (phim Cô gái đến từ hôm qua), Nếu được gặp lại nhau (phim Trái tim quái vật), Sự thật vỡ đôi (phim Tiệc trăng máu), Em là bà nội của anh trong bộ phim cùng tên… 

Nói về mức độ “chịu chơi” trong đầu tư nhạc phim, phải nói tới Victor Vũ. Phim Mắt biếc do anh đạo diễn là dự án điện ảnh đầu tiên của Việt Nam có phần nhạc nền được xử lý và thu âm bởi Dàn nhạc giao hưởng Bun-ga-ri với 20 nhạc công châu Âu. Victor Vũ khẳng định đây là quyết định tốn kém nhưng sáng suốt và cần thiết để tạo hiệu quả cảm xúc cho khán giả. Ở lĩnh vực phim truyền hình, nhiều ca khúc chủ đề cũng đã thể hiện được vai trò là nơi bắt đầu cho tình yêu của khán giả dành cho phim. Gần đây cần kể tới các ca khúc như: Cảm ơn con nhé (phim Về nhà đi con), Lặng yên (phim Lặng yên dưới vực sâu), Cứ thế (phim Tuổi thanh xuân), Hạnh phúc mong manh (phim Sống chung với mẹ chồng), Đi tìm tình yêu (phim Gạo nếp gạo tẻ), Vệt nắng nhạt nhòa (phim Hoa hồng trên ngực trái)… 

Thời gian qua, không ít bộ phim lựa chọn chiến lược tung ra MV ca khúc nhạc phim trước để tạo không khí chờ đợi, tăng mức độ nhận diện của khán giả về phim sắp công chiếu. Một số MV còn sử dụng diễn xuất minh họa của các diễn viên trong phim cho nên càng tăng giá trị quảng bá. Không dừng lại ở việc tạo hiệu ứng cảm xúc cho người xem, nhạc phim còn là thành tố quan trọng giúp gia tăng doanh thu cho phim. Bên cạnh đó, nhạc phim hay còn góp phần làm nên tên tuổi của nhiều nhạc sĩ. Tiêu biểu phải nói tới nhạc sĩ Trọng Đài, người được đông đảo công chúng biết đến với gia tài hơn 40 ca khúc viết cho phim. Hay với NSƯT Tiến Minh, diễn viên Nhà hát Kịch Hà Nội, công chúng cũng biết đến anh nhiều hơn trong vai trò là tác giả của những bản “hit” nổi tiếng trong các phim Đi qua bóng tối, Vệt nắng cuối trời, Con đường hạnh phúc… Các nhạc sĩ trẻ như Phan Mạnh Quỳnh, Nguyễn Hồng Thuận, Dương Khắc Linh, Only C… là những gương mặt đang được nhiều nhà sản xuất phim “chọn mặt gửi vàng”.

  Trên thực tế, vượt ra khỏi khuôn khổ của một bộ phim, nhiều ca khúc đã trở thành những tác phẩm âm nhạc có đời sống độc lập. Gần đây là ca khúc Có chàng trai viết lên cây được Phan Mạnh Quỳnh sáng tác cho phim Mắt biếc. Đây là ca khúc được cover (bản hát lại)  hàng đầu tại thời điểm phim ra mắt, được phát hành MV riêng và đến nay đã thu hút hơn 70 triệu lượt xem trên YouTube. Nhiều ca khúc nhạc phim vẫn được công chúng yêu thích dù phim đã kết thúc từ lâu như: Chị tôi (phim Người Hà Nội), Cô Tấm ngày nay (phim Chuyện nhà Mộc), Mong ước kỷ niệm xưa (phim Xin hãy tin em), Lời ru cho con (phim Của để dành), Nơi tình yêu bắt đầu (phim Siêu thị tình yêu)… Những ca khúc nhạc phim chất lượng đã góp phần đáng kể làm sôi động và nâng tầm chất lượng cho đời sống âm nhạc Việt Nam đương đại.

Đầu tư một cách bài bản, chỉn chu và đánh giá đúng mức tầm quan trọng của nhạc phim đã tạo ra những sản phẩm âm nhạc chạm tới cảm xúc của số đông khán giả. Khi trận chiến phòng vé và sự cạnh tranh giành thị phần người xem càng lúc càng khốc liệt thì sự quan tâm kỹ lưỡng cho nhạc phim chính là sự đầu tư cần thiết và thông minh của những nhà làm phim.

Không, nó không chỉ là nỗi nhớ của bạn nói chuyện. Trong khi các trò chơi điện tử có, vì hàng triệu người lớn tuổi đã nói rõ trong những năm qua, nhưng đến một chặng đường dài như vậy kể từ Pac-Man, thì cũng có âm nhạc dưới dạng OSTS hoặc album nhạc phim gốc. Sản sách âm nhạc cho một trò chơi video là một con thú hoàn toàn khác so với việc tạo ra một đĩa đơn SoundCloud hoặc tạo ra một album phòng thu. Nó đòi hỏi một mức độ suy nghĩ nhất định và trong những ngày đầu tiên phải được mã hóa trực tiếp vào thiết kế cấp độ của trò chơi, dẫn đến giai điệu động học mạnh mẽ đã giới thiệu thế giới về chủ đề Super Mario Bros. Kể từ tiêu đề đó, âm nhạc trong các trò chơi và ý tưởng về âm nhạc trong các trò chơi đã phát triển và phát triển giống như phương tiện chơi game tổng thể có. Bây giờ, không chỉ các trò chơi phù hợp như nhau trên hộp mực và đĩa CD, đôi khi nó được thiết kế thông qua toàn bộ dàn nhạc, thông qua sự hợp tác với các nghệ sĩ rock and roll, hoặc thậm chí là nền tảng cho dòng chảy của trò chơi, và bây giờ Những năm 1980 và 1990 đã bị hạ gục và thay thế bởi một số trò chơi độc lập hay nhất hiện có.

Đây là lý do tại sao phần âm nhạc và phần trò chơi video của những người trẻ tuổi đã quyết định hợp tác trong danh sách lớn này để tích lũy 100 nhạc phim trò chơi video hay nhất mọi thời đại để ăn mừng phương tiện độc đáo, để không chỉ thỏa mãn nỗi nhớ của chúng tôi, mà còn có thể tôi có thể Tạo một danh sách phát Spotify mới cho bản thân tôi như một người quái vật cần danh sách nhạc 26 giờ để viết thư.100 Best Video Game Soundtracks of All Time to celebrate the unique medium, to not only satisfy our nostalgia, but so I can make a new Spotify playlist for myself like a freak who needs 26-hour playlists to write to.

Mặc dù danh sách trò chơi này rất lớn, chúng tôi có rất nhiều người khác mà chúng tôi yêu thích thậm chí không cắt giảm, vì vậy nếu bạn không thấy mục yêu thích của mình, hãy bình luận trong Disqus hoặc đánh chúng tôi trên Twitter và Instagram để nói với chúng tôi yêu thích trong và ngoài danh sách này.
Happy listening,

Evan Griffin

PSA: Danh sách này không bao gồm các bản nhạc được cấp phép, vì vậy thật không may, chúng tôi đã phải bỏ qua các trò chơi mang tính biểu tượng với các phần tổng hợp như Tony Hawk Pro Skater, Guitar Hero và Elite Beat Agents, nhưng hãy yên tâm, chúng tôi cũng thích những trò chơi đó.

100. Số phận Fire Badge

Điểm số của Fates có một công việc thực sự khó khăn so với hầu hết các trò chơi Fire Badge - như chính trò chơi, âm nhạc phải chơi một hành động tung hứng giữa nhiều gia đình của đồng minh. Mặc dù nó có thể tranh cãi về việc các trò chơi có thể loại khỏi phiên bản ba phiên bản hay không, điểm số này tốt hơn nhiều cho nó. Mỗi bên của cuộc xung đột có đại diện tuyệt vời thông qua âm nhạc, với phía Hoshido, phản ánh cảm hứng phong kiến ​​của Nhật Bản và Nohr Thirst để xung đột thấm vào lợi thế của chính nó. Điều thực sự gắn kết tất cả với nhau là sự dựa vào sự đáng nhớ ngay lập tức bị mất trong những suy nghĩ một mình như một người chơi trong toàn bộ trò chơi. & NBSP;

[Travis Hymas]

99. Deus Ex: Cách mạng con người

Nó chưa phải là năm 2027, nhưng bạn có thể nghe thấy nó từ đây. Michael McCann, giai điệu don don chỉ cung cấp thêm màu sắc cho Eidos Montréal, khoa học viễn tưởng, họ cũng kể câu chuyện theo cách riêng của họ. Bạn có thể nghĩ rằng sự kết hợp của giọng hát thanh tao và những bản tổng hợp mạnh mẽ, hoặc của thời Phục hưng và Cyberpunk, là chói tai, nhưng đó là thế giới Adam Jensen đang ở. Ý tưởng vẫn nhận thức được quá khứ, hiện tại và tương lai của con người -Beyond xung đột trong khi đứng yên. Ngoài ra, nó chỉ rất vui khi biết rằng ai đó sẽ để câu lạc bộ tấn công khổng lồ đánh bại vui vẻ với một bài hát dân gian Việt Nam.

[Nguyễn LE]

98. Thể thao Wii

Nhạc phim Wii Sports là duy nhất theo cách nó nâng cao trải nghiệm chơi trò chơi này. Wii Sports là cổ phần thấp, tùy thuộc vào mức độ cạnh tranh của bạn bè và gia đình của bạn, nhưng nhạc nền làm dịu gần như bất kỳ người chơi nào có tâm trạng tốt, giúp sự căng thẳng và căng thẳng của cạnh tranh và đối phó với các cơ chế chuyển động WII biến mất trong không khí. Wii Sports không thể chơi trong một tâm trạng tồi tệ, và nó là âm nhạc hấp dẫn, hay thay đổi, nâng trò chơi này lên vị thế huyền thoại, sống sót rất lâu sau khi Wii, sự liên quan và thấm vào các memes và văn hóa phổ biến ngày nay.

[Amanda Remier]

97. Outrun

Bạn biết một trò chơi arcade, âm nhạc rất quan trọng đối với trải nghiệm chơi nó khi nó cho phép bạn chọn bài hát mà bạn sẽ chơi trước khi bạn bắt đầu. Outrun có một lựa chọn các công cụ synthpop tuyệt vời từ Hiroshi Kawaguchi của Sega, sau này là thành viên của nhóm nhạc trong nhà của công ty, The SST Band. Tất cả các bài hát đều đáng nhớ, từ các phong cách Latin của Magical Sun Shower, cho đến năng lượng đẩy của Splash Splash Wave, cho đến Light Synth-Jazz. Chắc chắn là một bản nhạc mang tính bước ngoặt theo mọi cách, đến mức thể loại synthwave sau này đã từng được biết đến đơn giản là Outrun Outrun do sự tương đồng chung của nó với nhạc phim này & NBSP; [Ryan Gibbs]

96. Yakuza 0

Chia sẻ nhà soạn nhạc Hidenori Shoji với Sega Super Super Monkey Ball, nhượng quyền Yakuza đã xuất hiện ở phía bên kia từ một trong những nhà xuất bản, các tựa game thích hợp hơn trong số những người nổi tiếng nhất của họ. Phần tiền truyện năm 2017, Yakuza 0, nhìn thấy nguồn gốc của Kiryu Kazuma khi anh ta tự đặt tên cho mình trong các băng đảng trên khắp Nhật Bản, kèm theo kim loại cứng, điệu nhảy 80 và nhạc synth để hoàn toàn phá hoại những kẻ lừa đảo và người sưu tầm trong suốt nhiệm vụ của mình. Điều đó, cộng với một số trò chơi Karaoke theo dõi hoàn toàn Rip, một trong số đó thậm chí đã trở thành một meme dưới dạng của Baka Baka Mitai, vào năm 2020.

[Evan Griffin]

95. Speedball 2: Deluxe tàn bạo

Một trong những trò chơi hay nhất cho Commodore Amiga, Speedball 2 là một trò chơi thể thao tương lai, một thứ gì đó giống như bóng ném đã biến thành một trải nghiệm arcade mãnh liệt. Nó chắt lọc tất cả những gì tốt về quả bóng tốc độ đầu tiên và có vẻ như là một tổ tiên xa xôi của các trò chơi như Rocket League. Một trong những điều tốt nhất về Speedball 2 là âm nhạc của nó, sự pha trộn giữa công nghệ tối, nhà công nghiệp và axit phù hợp với khung cảnh tương lai của nó. Âm nhạc được tạo ra bởi Nation 12, một nhóm do John Foxx, cựu ca sĩ của nhóm Synthpop Ultravox, một trong những nhân vật âm nhạc chính đầu tiên từng làm việc trong một trò chơi video. Speedball 2 làm cho danh sách này cho không chỉ những câu đố âm nhạc đó, mà còn là một bản nhạc tuyệt vời của âm nhạc đương đại cho một trong những máy tính chơi game hay nhất trong thời đại của nó. [Ryan Gibbs]

94. Owlboy

TV và phim sáng tác cựu chiến binh Jonathan Geer bước vào trò chơi độc lập được yêu thích với một số điểm tự hào về tất cả các nguyên tắc cơ bản của hoạt hình giả tưởng cao. Nó phát ra năng lượng hay thay đổi của The How to Train Your Dragon Series và các tác phẩm của Nobu Uematsu trên nhượng quyền Final Fantasy và Chrono. Cuộc phiêu lưu độc lập vô duyên với một âm thanh khổng lồ ngang tầm với nguồn gốc âm nhạc của Geer. Các bài hát yêu thích của người hâm mộ bao gồm các bản hòa bình hoàn hảo như vậy, một thứ gì đó không đúng với thế giới, và là The Final Ascent, để đi kèm với một số nền tảng tinh tế và lành mạnh ngọt ngào. [Evan Griffin]

93. Đầu Dynamite

Trong Dynamite Headdy, một nền tảng Genesis bị đánh giá thấp từ các nhà phát triển được ngưỡng mộ, các bài hát thường được phân đoạn nhiều và hành động như thể họ đang phát triển khi bạn đi qua các cấp độ hoặc văn bản. Đây là một trong những bản nhạc 16 bit hay nhất của thời đại đó, làm nổi bật sự quyến rũ của chip âm thanh FM được tìm thấy trong Genesis. Nó cũng là một bản nhạc khá dài trong hơn một giờ, đảm bảo bạn sẽ tìm thấy một cái gì đó mới để yêu mỗi khi bạn kích hoạt trò chơi.

[Ryan Gibbs]

92. Starfox

Trò chơi SNES đã cách mạng hóa các động cơ đồ họa 3D cho Nintendo tiến về phía trước cần một bản nhạc để đẩy người chơi trên tiêu đề game bắn súng đường sắt đóng vai chính trong các phi công chiến đấu. Hajime Hirasawa sáng tác nhạc trên một khoảng cách không gian nhỏ khiến người chơi nổ tung kẻ thù trên toàn thiên hà là Fox McCloud huyền thoại đầu tiên, với các bản nhạc của Jazz và Funk đã ảnh hưởng nhiều hơn đến các ngôi sao trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc trong dàn nhạc và nhiều hơn Các phân đoạn không gian Dogfight.

[Evan Griffin]

95. Speedball 2: Deluxe tàn bạo

Một trong những trò chơi hay nhất cho Commodore Amiga, Speedball 2 là một trò chơi thể thao tương lai, một thứ gì đó giống như bóng ném đã biến thành một trải nghiệm arcade mãnh liệt. Nó chắt lọc tất cả những gì tốt về quả bóng tốc độ đầu tiên và có vẻ như là một tổ tiên xa xôi của các trò chơi như Rocket League. Một trong những điều tốt nhất về Speedball 2 là âm nhạc của nó, sự pha trộn giữa công nghệ tối, nhà công nghiệp và axit phù hợp với khung cảnh tương lai của nó. Âm nhạc được tạo ra bởi Nation 12, một nhóm do John Foxx, cựu ca sĩ của nhóm Synthpop Ultravox, một trong những nhân vật âm nhạc chính đầu tiên từng làm việc trong một trò chơi video. Speedball 2 làm cho danh sách này cho không chỉ những câu đố âm nhạc đó, mà còn là một bản nhạc tuyệt vời của âm nhạc đương đại cho một trong những máy tính chơi game hay nhất trong thời đại của nó. [Ryan Gibbs]

94. Owlboy

TV và phim sáng tác cựu chiến binh Jonathan Geer bước vào trò chơi độc lập được yêu thích với một số điểm tự hào về tất cả các nguyên tắc cơ bản của hoạt hình giả tưởng cao. Nó phát ra năng lượng hay thay đổi của The How to Train Your Dragon Series và các tác phẩm của Nobu Uematsu trên nhượng quyền Final Fantasy và Chrono. Cuộc phiêu lưu độc lập vô duyên với một âm thanh khổng lồ ngang tầm với nguồn gốc âm nhạc của Geer. Các bài hát yêu thích của người hâm mộ bao gồm các bản hòa bình hoàn hảo như vậy, một thứ gì đó không đúng với thế giới, và là The Final Ascent, để đi kèm với một số nền tảng tinh tế và lành mạnh ngọt ngào. [Evan Griffin]

93. Đầu Dynamite

Trong Dynamite Headdy, một nền tảng Genesis bị đánh giá thấp từ các nhà phát triển được ngưỡng mộ, các bài hát thường được phân đoạn nhiều và hành động như thể họ đang phát triển khi bạn đi qua các cấp độ hoặc văn bản. Đây là một trong những bản nhạc 16 bit hay nhất của thời đại đó, làm nổi bật sự quyến rũ của chip âm thanh FM được tìm thấy trong Genesis. Nó cũng là một bản nhạc khá dài trong hơn một giờ, đảm bảo bạn sẽ tìm thấy một cái gì đó mới để yêu mỗi khi bạn kích hoạt trò chơi.

[Ryan Gibbs]

92. Starfox

88. Guilty Gear phấn đấu

Nhượng quyền thương mại Guilty Gear hoàn toàn bùng nổ với các tài liệu tham khảo âm nhạc, và mọi mục nhập trong sê -ri đều có những bản nhạc đáng nhớ, đáng nhớ, nhưng tôi sẽ phải nói rằng nhạc nền phấn đấu đã hoàn toàn thu hút được một làn sóng người chơi hoàn toàn mới. Chủ đề mở đầu, Mùi của trò chơi, chỉ chơi trong 40 giây trong đoạn trailer đầu tiên khi nó đặt FGC bốc cháy với sự cường điệu, cho người chơi mới và cũ. Khi nhạc nền nhỏ hơn với các đoạn giới thiệu nhân vật, chúng tôi đã nhận được sự ban phước của một OST hoàn toàn xuất sắc khi phát hành. Sự pha trộn của giọng hát mạnh mẽ và tiếng hét với những đoạn riff nặng nề trên tình yêu của bản thân Subhuman khiến nó trở thành một người hâm mộ yêu thích, trong khi các bài hát khác như Hồi Out Out of the Box và và thảm họa của niềm đam mê là một loại rung cảm hoàn toàn khác. Ở đó, không có một bản nhạc nào chùn bước, và nó có lẽ là nhạc phim trò chơi chiến đấu yêu thích của tôi. [Aaron Reyes]

87. Rủi ro của mưa 2

Rủi ro ban đầu của mưa là một viên đá quý bị bỏ qua, và nó rất vui khi thấy phản ứng tích cực lớn đến mức lớn đối với phần tiếp theo 3D của nó. Bầu không khí sinh tồn trên một hành tinh thù địch mà bạn thực sự không nên đến là những gì kết hợp toàn bộ trò chơi lại với nhau, và Chris Christodoulou trở lại với một loại khác của những bài hát nặng nề, áp bức mang lại sự căng thẳng cao. Các chủ đề của các cấp độ khi bạn khám phá là chậm, nghiền ngẫm và khiến bạn cảm thấy căng thẳng khi bạn tìm kiếm một cách tuyệt vọng cho Teleporter để đưa bạn ra khỏi đó, với các bài hát như Pluviam. Mặc dù vậy, không có thời gian nghỉ ngơi nào: khi các ông chủ sinh sản, nhạc nền cho bạn biết rằng đây là một cuộc chiến cho cuộc sống của bạn với các bản nhạc như trạng thái cân bằng nhiệt động lực học hay hay được đặt tên một cách quyến rũ, pough-pounding sẽ cần một ukulele lớn hơn. Bạn không được chào đón ở đây: Chuẩn bị cho một trận mưa như trút. [Arron Reyes]

86. Daytona Hoa Kỳ

Cấm Daytonnaaaa! (Hãy để đi xa)

Daytona USA chỉ có vài bản nhạc trên OST của nó, nhưng cả hai, cùng với một bài hát bí mật bổ sung và các đoạn nhạc ngắn hơn, được truyền cảm hứng cho những giai điệu vui nhộn vui nhộn hoàn hảo cho đua xe. Nhà soạn nhạc Sega Takenobu Mitsuyoshi đã viết, sáng tác và hát tất cả âm nhạc, sau đó được lấy mẫu vào một âm thanh để được kết hợp vào bảng arcade Sega Model 2 mới. Daytona USA đã mở đường cho nhiều tay đua 3D khác bằng những bản nhạc tuyệt vời, nhưng nó vẫn đứng trước thử thách của thời gian như âm nhạc tuyệt vời để lái một chiếc xe đa giác xung quanh đường đua. [Ryan Gibbs]

85. Bayonetta

Đôi khi, mọi thứ trong một trò chơi phục vụ một mục đích duy nhất - hãy mát mẻ như địa ngục. Nhạc phim Bayonetta sườn rất đa dạng để phù hợp với sứ mệnh của mình để làm cho phù thủy chính thức trông xấu xa. Nhạc phim chuyển đổi giữa các bản tụng tụng thiên thần và các màn trình diễn vui nhộn của Fly Fly Me to the Moon, rất nhanh, bất cứ điều gì ít cam kết hơn cho bit sẽ thất bại. Tuy nhiên, đối với truyền thuyết và phong cách phong phú đáng ngạc nhiên của Bayonetta, nó là một bản dựng tuyệt vời cho cao trào. Những cao trào đó, trong đó tất cả các khía cạnh của nhạc nền được đưa vào các tác phẩm hành động gây chú ý, được thực hiện với cùng một loại yêu cầu của Bayonetta hoàn hảo. [Travis Hymas]

84. & nbsp; thế giới kết thúc với bạn

Âm nhạc của Tetsuya Nomura, một chuyến đi hoang dã khác là nhân vật chính Neku, danh sách nhạc không phù hợp của nhạc High Energy Street, và đó không phải là một khiếu nại. Pha trộn cảnh vòng lặp 2000 2000 với các thần tượng Nhật Bản và một chút của 90, alt-rock tạo ra một danh sách theo dõi kẻ giết người thực sự. Không có bản nhạc nào trong danh sách Twewy, là Filler và là một sự liên kết tuyệt vời cho bản chất điên cuồng trên màn hình của chiến đấu của nó. Khi không chiến đấu trực tiếp cho cuộc sống của họ, cùng một âm nhạc tạo ra một bầu không khí sôi động xung quanh hình ảnh hoàn toàn tĩnh và cốt truyện theo hướng văn bản.

[Travis Hymas]

83. CUPHEAKE

Hầu hết âm nhạc trò chơi video rơi vào hai loại: giảm giá Hans Zimmer Grandiosity hoặc Chipper Electro-pop. Với Cuphead được mô hình hóa sau sự điên rồ đàn hồi của Looney Tunes và Tom & Jerry, âm nhạc phải zany như các ông chủ đang cố gắng đè bẹp người chơi craps. Không chỉ các số nhạc jazz và swing được sáng tác bởi Kristofer Maddigan phù hợp với tâm trạng của gần như mọi cấp độ, mà chúng còn thực hiện với năng lượng và độ chính xác như vậy (ngay cả với bộ lọc hạt xếp lớp trên mỗi bản nhạc). Ca khúc ủng hộ cho nhóm The King, Tòa án, có một công việc trống mệt mỏi mà ông Fletcher từ Whiplash sẽ mỉm cười, trong khi các phần sừng trong Fur Fury Fury, thêm nhiều áp lực cho người chơi như chính ông chủ hoa đáng sợ. [Jon Winkler]

82. Splatoon

Có bao nhiêu trò chơi trong danh sách này có các buổi hòa nhạc Hologram xoay quanh các nhân vật thần tượng trong trò chơi của nó? Splatoon đặt rất nhiều trọng lượng vào âm nhạc của nó và cho phép những lời bài hát Inkling năng lượng cao và lời bài hát lấy cảm hứng từ Ska qua mọi giai đoạn và liên kết trực tiếp vào truyền thuyết của nó để đảm bảo bạn luôn luôn lắng nghe nó. Đó không bao giờ là một điều xấu, âm nhạc Splatoon, chính xác là loại nắm đấm đang bơm những bài hát mà bạn muốn cho các trận đấu của Đấu trường Chaotic. Ngay cả trong những vòng tròn nghiêng nhất, nó rất khó để không đánh đầu bạn và thậm chí hát theo ngôn ngữ vô nghĩa của trò chơi.

[Travis Hymas]

81. Ape Out

An indie title that looks and moves like a Saul Bass film poster, Ape Out is a game where players control an Ape breaking Out of a lab. True to the same era it is visually inspired by, composer Matt Boch assembled the soundtrack of minimalist percussive jazz to keep player momentum through each level.

The score blossoms in an adaptive construction technique, as the ape’s movement, is signified by the pace of a drum, throwing enemies across the room with crashing symbols, and shotguns from guards blasting across hallways to boot.

[Evan Griffin]

80. Okami

As striking as it is elegant while maintaining a perfect balance between the two, the music of Okami heavily employs traditional Japanese instruments to match the sumi-e inspired art style for a breathtaking display of Japan’s artistic heritage. With a roster of composers who’ve worked on titles like the Resident Evil series, Mega Man, Bayonetta, and some more recent Fire Emblem games in their portfolio, it should come as no surprise that this soundtrack exemplifies the very idea of video games as an art form. From front to back, even without the context of the game, a truly transcendent experience.  [Jordan Lee]

79. Silver Surfer

Tim and Geoff Follin are among the most beloved composers of the 8 and 16-bit era, able to conjure music that pushed the boundaries of the systems they were made for. Most of the time, their services were used on pretty crummy games. For instance, here we have their soundtrack to 1990’s Silver Surfer, an unfair and unfun Marvel-themed shmup for which they wrote a set of synthpop space funk bangers that are far and away the best part of the game. Written entirely in assembly code and not even using the console’s  DPCM sample channel, what you get is some of the best-sounding music ever made for the NES and something that even stands up to the arcade music of the time. One of the most groundbreaking soundtracks of its time, all in service of a bad licensed game. That’s the Follins’ in a nutshell for you. [Ryan Gibbs]

78. Furi

With tracks contributed by Carpenter Brut, Danger and The Toxic Avenger, The Game Baker’s indie release Furi is one of many electronic and synthwave infused scores in video game history, and it certainly isn’t the only one on this list, but the way these tracks captures the energy of it’s boss fight only structure is masterful. Stand out tracks include “You’re Mine” and “My Only Chance” not only are well composed pieces that could fit into the genre on their own merit, but they drive player adrenaline to keep up the pace in some of the game’s most challenging battles.

[Evan Griffin]

77. F-ZERO

It can be easy to forget that video game soundtracks had to be created with equipment that pales in comparison to today. Nintendo managed to create a wide range of music with a 16-bit sound processor on the SNES, and F-ZERO is definitely one of the most impressive. While everyone knows “Big Blue” and “Mute City” as tracks that absolutely slap from the Super Smash Bros. series, this is where they got their start. The sci-fi powered super speed implied by the gameplay is complemented by a fast electronic rock sound that sounds like guitar solos without any instruments. F-ZERO proves that not every sci-fi franchise needs to sound the same – especially important for Nintendo’s sci-fi heavy first party slate on the SNES. Also, legendary SEGA composers did an ultimate remix for the GameCube title, F-Zero GX which you absolutely should play even though you can’t. [Travis Hymas]

76. Bloodborne

A Victorian Gothic fever dream packed with beasts that stand toe to toe with the best Lovecraft has to offer, the music of Bloodborne is appropriately spookier in both atmosphere and composition than the rest of its sibling series of Souls games. A global collaboration of that relies less on bombastic explosions in favor of somber choirs and melancholic orchestration inspired by classic monster films like Dracula, the score slowly morphs into something more out of this world as the moon rises higher throughout the night of the hunt, following the narrative’s descent deep into the increasingly horrific nightmare that plagues the cursed town of Yharnam.

[Quinton Parulis, Guest Contributor]

75. Mass Effect 3

Over the series of the Mass Effect games, things go from not great to the end of the world for all sentient civilizations. That’s quite a drastic change. By the beginning of Mass Effect 3, Earth is under attack. This game’s soundtrack has quite an undertaking to explore this through the music, not only containing a soundtrack that reminds you of the world before, but also takes the player to this new universe on the brink of extermination. Not only does the soundtrack convey the chaos of battle, but also the grief of all that has been lost, making it particularly effective for this popular franchise. The track “Leaving Earth” alone is so impactful that it feels representative of the tone of any and all melancholic sci-fi epics nearly ten years later.

[Amanda Remier]

74. Sonic the Hedgehog 2

Với phần tiếp theo của linh vật mang tính biểu tượng của Sega, Sonic The Hedgehog 2 làm cho nhượng quyền của mình những gì Mario 3 đã làm cho thợ sửa ống nước nổi tiếng: tinh tế. Masato Nakamura sử dụng nguồn gốc của mình trong hiệu suất J-pop để nâng cấp các giai đoạn tốc độ cao của Sonic, để đẩy những gì Sega Mega Drive có thể làm đến giới hạn. Người hâm mộ có nhiều mối quan hệ với khu vực Đồi Emerald Hill, khi họ thực hiện trò chơi gốc, khu vực Green Green Hill, cũng như các bài hát như Sòng bạc Đêm, Nhà máy hóa học và Metropolis.

[Evan Griffin]

73. Con mồi

Prey là trò chơi kinh dị không gian nhỏ mà bạn có thể chưa bao giờ nghe nói đến. Được phát hành vào năm 2017, trò chơi này có các sinh vật có cảm giác như người ngoài hành tinh khi bạn cố gắng sống sót trong trạm vũ trụ. Nhạc phim này là một phần của những gì giúp người chơi không nhảy ra khỏi chỗ ngồi của họ - nó hoạt động như một hệ thống cảnh báo cho các sinh vật sắp tới, điều này cũng hữu ích khi bạn điều chỉnh một trò chơi kinh dị, nhưng nó cũng hoàn toàn đặt ra Không khí của trạm vũ trụ, đồng thời thực hiện các hiệu ứng đáng sợ cũng dẫn đến vòng xoắn cuối cùng của trò chơi. Nhạc phim này sẽ chạy xuống cột sống của bạn.

[Amanda Remier]

72. Truyền thuyết về Zelda: Waker Wind

Một sự sai lệch so với những người tiền nhiệm cách mạng của nó, The Legend of Zelda: The Wind Waker đánh dấu 3D Zelda đầu tiên vượt ra ngoài Nintendo 64 trong một cuộc phiêu lưu đi biển với một liên kết của tương lai . Trong khi điểm số của Wind Waker, sử dụng hồi ức giai điệu mờ nhạt của một liên kết đến quá khứ và Ocarina trước đó, Wind Waker, giống như nó về mặt trực quan, tìm thấy bản sắc riêng của nó thông qua một bản nhạc độc đáo. Người chơi sáng tác những bản ballad với một dùi cui ma thuật, các bài hát được làm bằng các mẫu nhạc cụ gió trong suốt, nhưng những người bạn đồng hành của họ cũng vậy trong các nhà hiền triết mới Medli và Makar, chắp nối một bài thánh ca để ấn định Ganon độc ác một lần nữa. Không chỉ vậy mà nhạc chiến đấu của trò chơi là người đầu tiên trong sê -ri giới thiệu điểm thích ứng, trong đó mỗi cuộc tấn công của Link Link trở thành một cú đánh gõ căng thẳng trong nhạc phim để củng cố tác động của hành động của người chơi. Đó là một bản nhạc thuần túy cho một cuộc phiêu lưu swashbuckling cảm thấy độc đáo từ phần còn lại của bộ truyện trước và sau nó. [Evan Griffin]

71. Pokémon Sun and Moon/Ultra Sun and Moon

Những người trẻ tuổi đã ca ngợi Sun and Moon trước đây vì là một sự tôn vinh tuyệt vời cho lịch sử Pokémon và âm nhạc cũng giỏi về điều này. Nhiều cuộc gọi lại khác nhau cắt qua những khoảnh khắc then chốt của trò chơi và hai bản nhạc mang tính biểu tượng nhất có được bản phối hay nhất của họ. Đó không phải là tất cả - bởi vì các trò chơi cố gắng thoát khỏi các quy ước của họ, nhiều chủ đề cá nhân có thể tỏa sáng thay vì chỉ là những bản nhạc chiến đấu mát mẻ. Mặc dù vậy, các chủ đề chiến đấu không thiếu, cả hai trận đấu với ông chủ câu chuyện cuối cùng là đội ngũ soạn thảo (dẫn đầu là Junichi Masuda) tốt nhất trong suốt 25 năm của loạt phim. [Travis Hymas]

70. Gris

Một Devolver Digital được xuất bản Indie có nhạc nền của nhóm nhạc Barcelona Berlinist, Gris là một trò chơi với tính thẩm mỹ của Dreamscape of Ink và Water. Người chơi theo một cô gái trẻ đã mất đi sức mạnh của giọng nói. Giọng hát của cô ấy là cơ chế chính thúc đẩy trò chơi khi thế giới dần dần thấm vào màu sắc một lần nữa, nhưng điểm số độc lập có dây đàn đơn độc và piano mô tả cảm giác cô đơn của cô ấy một cách tinh tế và trực quan đến nỗi cảm giác giống như âm nhạc của chính nhân vật chính.

[Evan Griffin]

73. Con mồi

Prey là trò chơi kinh dị không gian nhỏ mà bạn có thể chưa bao giờ nghe nói đến. Được phát hành vào năm 2017, trò chơi này có các sinh vật có cảm giác như người ngoài hành tinh khi bạn cố gắng sống sót trong trạm vũ trụ. Nhạc phim này là một phần của những gì giúp người chơi không nhảy ra khỏi chỗ ngồi của họ - nó hoạt động như một hệ thống cảnh báo cho các sinh vật sắp tới, điều này cũng hữu ích khi bạn điều chỉnh một trò chơi kinh dị, nhưng nó cũng hoàn toàn đặt ra Không khí của trạm vũ trụ, đồng thời thực hiện các hiệu ứng đáng sợ cũng dẫn đến vòng xoắn cuối cùng của trò chơi. Nhạc phim này sẽ chạy xuống cột sống của bạn.

72. Truyền thuyết về Zelda: Waker Wind

Một sự sai lệch so với những người tiền nhiệm cách mạng của nó, The Legend of Zelda: The Wind Waker đánh dấu 3D Zelda đầu tiên vượt ra ngoài Nintendo 64 trong một cuộc phiêu lưu đi biển với một liên kết của tương lai . Trong khi điểm số của Wind Waker, sử dụng hồi ức giai điệu mờ nhạt của một liên kết đến quá khứ và Ocarina trước đó, Wind Waker, giống như nó về mặt trực quan, tìm thấy bản sắc riêng của nó thông qua một bản nhạc độc đáo. Người chơi sáng tác những bản ballad với một dùi cui ma thuật, các bài hát được làm bằng các mẫu nhạc cụ gió trong suốt, nhưng những người bạn đồng hành của họ cũng vậy trong các nhà hiền triết mới Medli và Makar, chắp nối một bài thánh ca để ấn định Ganon độc ác một lần nữa. Không chỉ vậy mà nhạc chiến đấu của trò chơi là người đầu tiên trong sê -ri giới thiệu điểm thích ứng, trong đó mỗi cuộc tấn công của Link Link trở thành một cú đánh gõ căng thẳng trong nhạc phim để củng cố tác động của hành động của người chơi. Đó là một bản nhạc thuần túy cho một cuộc phiêu lưu swashbuckling cảm thấy độc đáo từ phần còn lại của bộ truyện trước và sau nó. [Evan Griffin]

71. Pokémon Sun and Moon/Ultra Sun and Moon

[Evan Griffin]

67. Omori

Through its music, Omori creates an aura of apprehension, fear, and the feeling of not knowing what is and isn’t real. The music can seem sweet and innocent one minute, fitting for the seemingly cute and happy world the main character and his friends are spending time in. Songs such as “Where We Used to Play,” “By Your Side,” “A Home For Flowers,” “Poems in the Fog,” and a handful of others. 

Before you know it though, the moment can turn vigorous as you and your friends are battling a varicolored enemy. Songs appropriate for this mood included “Tussle Among Trees,” “Push and Shove,” “CHAOS ASSEMBLY,” “Forest Frenzy,” and a bunch of other battle music you can simply just vibe to.  Then of course, there’s the music that set off all the red flags. When these play you just KNOW something is about to happen. Due to the playful and charming exterior, it’s rather easy to forget that this game is a psychological horror. Games such as Omori do such a wonderful job marrying the music to the scenes, no matter the current atmosphere. Not only that, but the design, the gameplay, the characters, all of it fits well together and results in something that feels real. [Sophia Johnson, guest Contributor]

66. Wii Channels

2006, what a simple time. When the Wii was released, society was in a much different place. It felt like everything was just starting as technology began to advance. With an innovative idea that finally was feasible, the Wii had no choice but the capitalize on the futuristic aesthetic that became increasingly popular, and the Iwata era of Nintendo entered its back half with fun, catchy pieces of music across hardware menus to make players delighted to simply boot up the console. The Wii’s channels soundtracks matched their visual aesthetic to create an entirely new futuristic atmosphere. High pitched beats, snares, and synth keyboards all help achieve this goal, creating an upbeat, euphoric soundtrack, sure to help any player imagine they’re not in a different world, but the next one. There is a reason that Generation Z, who grew up with the Wii always on hand, now continues the legacy of “Mii Channel” and “Wii Shop Channel” themes as background audio through platforms like Tik Tok. [Amanda Remier]

65. Parappa The Rapper

“Kick-Kick. Punch! Duck. Turn!”
It may be hard to comprehend the love of the franchise about a paper-thin dog in a beanie hat for those who didn’t grow up with it, but Masaya Matsuura’s vision of the rapping dog longing for love pushed the PS1’s visuals to give players a revolutionary title that made the rhythm genre what it is right now. Absolutely abstract, zany and surreal, players use the buttons on their controller to tap in rhythm so Parappa can follow along the insanely charismatic instructors. The performance from these instructors is intrinsically tied to the theme of each stage as Prappa tries to learn how to believe in himself. [Evan Griffin]

64. Crypt of the Necrodancer

The musically inclined indie dungeon crawler pulls no punches. The player is presented with a protagonist with a movement style that goes square to square: left, right, up, down. Beneath the dungeon screen is a heart beat and rhythm lines, signaling to players to keep to the beat as they dig for treasure, whack enemies and find creatures to liberate. The music unabashedly moves forward, regardless of player participation: the only penalty is poorly timing your jumps to miss out on coin multipliers and finding everything in the dungeon. In Crypt of the Necrodancer, the music comes first, and drives everything else around it.

[Evan Griffin]

63. Marvel vs. Capcom 2

The vibrant and jazzy tracks that fill MvC2 are hard to compare amidst fighting game scores, but the most fitting comparison may be Cowboy Bebop. While the stages don’t lack energy, traditional, hefty instrumentals are almost nowhere to be found, with gorgeous and whimsical horns and saxophones on tracks like “Carnival Stage” taking their place. That being said, each stage still has a unique track and thus a unique personality, and the weirdly-bright aesthetics of the menu songs and the UI are intriguing for a fighting game. And any seasoned MvC2 player will recognize “take you for a ride!”

[Hunter Church]

62. Metal Gear Solid 3: Snake Eater

Hideo Kojima’s relationship with music is one of the most interesting in all of gaming. The implementation of music in his games ranges from comical like in Death Stranding to downright exceptional in the Metal Gear series. For Metal Gear Solid 3, his opus, Kojima went all out in this department with the return of legendary film composer Henry Gregson Williams to bring on endless homages to spy films of the past. It emulates the genre through Rambo-style jungle lurking themes, Mission Impossible’s sweeping percussion to lead players on a chase, and Bond-Esque low brass. The Bond homage peaks for the franchise in the legendary theme Snake Eater, sung by Cynthia Harrall, both in the opening credits and in an iconic late-game sequence where you’ll be climbing a lonely ladder as Snake. It’s immediately arresting and sets the tone for a story full of political intrigue and espionage. When you hear it echo through the tunnels, it’s truly something that will leave you in awe. The song is one of gaming’s most ubiquitous opening vocal pieces. [Mark Wesley]

61. Hotline Miami

With a relentlessly pulsating beat underlying its neon-drenched ultraviolence, Hotline Miami’s memorable score will get under your skin. Instrumental to getting into the rhythm that the highly challenging game demands of you, synths bubble and shake the walls of the rooms your killer shoots and chops their way through and, when executed properly, make it feel like you are the star of a seriously trippy music video. With obvious throwbacks to films and shows like Miami Vice and Drive and an early adopter of the vaporwave vibe, Hotline Miami sounds like the game looks and plays; a nightclub rave going off in the mind of an acid tripping and animal mask-wearing psychopath. [Quinton Parulis, Guest Contributor]

60. Silent Hill 2

Moody, mysterious, and eerie are just a few words to describe Silent Hill 2’s soundtrack. Just like the menacing foggy town, this soundtrack captures the atmospheric quality of the game. It doesn’t hit you over the head with signs of survival horror danger, but it lures you in and makes you wonder what’s coming next. Plus, the mysterious notes that inspire uneasiness and inner reflection match up nicely against the game’s main story. Some songs, like “Promise (Reprise)”, have stood out as iconic Silent Hill tunes, but the soundtrack has stood the test of time to keep bringing players back. Back to those restless dreams where they see that town, Silent Hill. [Justin Carrero]

59. Metal Gear Rising: Revengeance

Metal Gear Rising is a game as stylish as it is completely insane. Raiden may not be the only cyborg ninja in gaming, or even the Metal Gear franchise, but I’m pretty sure he’s the only one ripping out the artificial spines of his enemies to keep himself fighting. With frenetic, full-throttle gameplay and completely absurd writing, of course, you have a high-energy soundtrack to top it off. Rules of Nature was an instant icon, getting memed up to the same level as Guile’s theme. Other stand out tracks include The Only Thing I Know For Real, The Stains of Time, and It Has to Be This Way. This is an OST that will get the blood pumping for the whole playtime.

[Arron Reyes]

58. Sonic Adventure 2

“ROLLIN’ AROUND AT THE SPEED OF SOUND…”

We know you were thinking it, too. One of the things that make Sonic Adventure 2 so endearing to fans is its dated quality, and nowhere is that more evident than in its music (or in its cutscene graphics, but that’s another discussion). You get a healthy collection of early-2000s pop rock with “It Doesn’t Matter” and “Live & Learn” to make Sonic’s courses all the more jubilant, while his “edgy” enemy Shadow gets baby’s first industrial rock. Sprinkled on top are bits of breezy jazz for Rouge the Bat’s jewel hunting and the best damn spooky rap you’ve ever heard in your life. [Jon Winkler]

57. Kirby’s Dream Land 

The Game Boy title that gave us the most iconic Kirby track in the form of “Green Greens,” a track that conveys a pep that keeps players wanting to march forward with our little pink friend. Kirby’s Dream Land makes the most of the little grey cartridge. Tracks like “Float Island” and “Bubbly Clouds” are warm, inviting, and enthusiastic in the way they match the charming and lightweight gameplay.

[Evan Griffin]

56. Persona 4: Golden

The joy of Persona is in the bonds formed with the various people you meet along the way and Shoji Meguro’s Persona 4: Golden soundtrack is there to round out the entire experience. From the moment the game launches with the track “Shadow World,” the music is there to draw you in. As you move around the Japanese countryside and through demon filled dungeons, Meguro uses different instruments to communicate specific vibes. The upbeat, poppy percussion of tracks like “Heartbeat, Heartbreak” and “Your Affection” usually mean you’re killing time in between encounters, running around Inaba. Driving guitars score your battles in tracks like “Reach Out To the Truth.” Or they punctuate heightened moments of emotion when characters confront their inner demons in a track like “I’ll Face Myself – Battle.” Meguro’s greatest trick is creating tracks that have to be repeated again and again as you navigate menus or live through day to day scenes (Like a “Dream Come True, Who’s There”) that you never grow tired of. For a game you can easily spend over 80 hours with, this is an impressive achievement. [Jose Cordova]

55. Deltarune Ch 1 & 2

Even though it’s not done and we only just got Chapter 2 recently, It’s well known that RPG creator, Toby Fox, is very good with music in his games. In both Undertale and Deltarune, when it comes to wandering around, boss fights, character themes, menu screens, so on and so forth…It makes the experience feel more lively. Using 8-bit music isn’t used very often in modern video games, not only that, but pixel games aren’t very popular nowadays either. However, Undertale and Deltarune create a world that feels vintage, and yet new at the same time. Due to its design, it can feel nostalgic and memorable like you’ve played and heard similar things in the past, evoking TobyFox’s own nostalgia for the games that influenced his work. Though also distinct in a way not many have seen before. It sets a good mood for the games overall and sets a line between fantasy and reality. It makes a tone for childlike creativity as well as the darker themes hidden within the game. As Undertale does, Deltarune expertly uses character and location motifs that flow between tracks within the game and each character’s motives. [Sophia Johnson, Guest Contributor]

54. Solstice

Tim Follin is one of those names that is spoken about with awe in video game music circles. He was very modest about his talent, but he often pushed the boundaries of video game hardware to create music that seemed borderline impossible for the era. One of his best works is for Solstice, a perfectly serviceable isometric fantasy puzzle game for the NES that opens with a cute bloopy score before it blasts off with a bombastic fanfare and then becomes a complicated Proggy composition full of tricky time signature changes influenced by the band Yes. The opening theme is the best known piece of work for the soundtrack, but the rest of it is just as good, both atmospheric and psychedelic, and pushing the sound of the NES sound chip to new heights.

[Ryan Gibbs]

53. Banjo Kazooie

Rareware mastermind composer Grant Kirkhope declared “I really didn’t know what I was doing.” about one of the Nintendo 64 era’s most iconic soundtracks in Banjo-Kazooie. Largely inspired by the orchestral works of film composer Danny Elfman, namely his work on Batman ’89.

Kirkhope single-handedly made every ounce of quirky, zany and offbeat melody that defines the soundscapes of 3-D collectathon platformers, and Rare as a company, to this day. There’s lots of midi horns and a heck of a lot of bongos and xylophones.

[Evan Griffin]

52. Paradise Killer 

Paradise Killer’s bright and peppy soundtrack makes the neon-infused investigation of a murdered demigod feel right out of an 80’s beach cop show that somehow isn’t painful to experience. The tracks, the collection of which grows as Lady Love Dies digs deeper, both enforce the façade of the environment and betray the truth of that illusion. Using the always fun trick of making the score the same music the player character is enjoying, Paradise Killer’s music invites you into Lady D’s thought process and mindset; which becomes critical to even coming close to solving her case, much less find the real truth. [Travis Hymas]

51. Mario Kart 64

Mario Kart 64 wasn’t the first Mario Kart game, but it refined and polished just about every bit of its 1992 SNES forerunner, which no doubt includes the splendid composition by Nintendo mainstay Kenta Nagata, not only for its main theme but also its memorable and diverse stages, from the Western twinge of “Moo Moo Farm” on Yoshi Island to the legendary pumped up ethereal flutes of “Rainbow Road.”

The game boasts a striking variety of locations, characters, and yes, pixels that easily match the elasticity of the booms, beams, and whistles of the grooving, synth soundtrack, as well as the game’s many sound effects, which could so easily be grating to the concentrating ears, otherwise.

The music is electric, as expected, keeping on track with the game’s brilliant speed and lively characters doing constant, chaotic battle, but the flexibility of the music shines best when sped up on the final laps, capturing that same hurried urgency that makes most Mario games, well, Mario games. There’s a reason every Mario Kart game since, and there have been more than a few, borrows and innovates upon the first definitive Mario Kart’s tone, style, and serious playfulness. [Jon Negroni]

50. Rez Infinite

After SEGA and United Game Artists joined forces to create Space Channel 5, they made a rail shooter also of musical rhythmic construction in Rez, later remastered as Rez: Infinite. The game is the absolute audiovisual case for electronic soundtracks of the early 2000s. The soundtrack is responsive and adaptive to player input, making their adventure deep into cyberspace participatory in the creation of music inspired by the European disco movement.

[Evan Griffin]

49. Street Fighter II

Nothing gets you more into the fighting spirit than the soundtrack to Street Fighter 2. Each song in this classic soundtrack brings to life that feeling of being in an arcade and furiously mashing buttons trying to defeat your opponent. What makes these songs extra special is that each track adds to the style of the fighter/stage, so every match feels different and heightens the vibe when facing a specific enemy. Plus, they’re so catchy! Just try to stop yourself from humming along to Guile’s or Ken’s themes, or even the player select screen.

[Justin Carrero]

48. Sayonara Wild Hearts

Sayonara Wild Hearts is as much a game as it is an interactive album, a celebration of music and style that can be completed in one sitting and is well worth the price of entry. The soundtrack is, indeed, the backbone of this game: this is a work here not just to give you a fun game, but a satisfying feast for the ears. The opening theme, aptly titled Sayonara Wild Heart, gives you a taste of what you’re in for: it’s upbeat, dreamy, and catchy as hell. Queen Latifah is your guide through this pastel dream world with surprising variety. You’ll be equally engaged by a spin on a classical tune such as Clair de Lune as you will be as engaging as a poppy track like Begin Again, a slow emotional piece such as The World We Knew, and the aggressive, fun Dead of Night. It’s engaging, emotional, and most importantly a lot of fun to listen to. [Arron Reyes]

47. Mega Man X

The soundtrack to Mega Man X had huge shoes to fill—accompanying a fast-paced, forward-moving action platformer with little defensive options outside of “dodge better.” But surprisingly, it may have exceeded expectations. The high-octane music behind Mega Man X has few, if any, lulls, and features some insane 80s-inspired drum licks across the span of only a few stages. The tracks help flawlessly encompass the best pieces of the game, pushing a high-energy experience that never lets up.

[Hunter Church]

46. Umurangi Generation

There’s a lot Umurangi Generation has going on and the soundtrack is no exception. Composer Adolf Nomura’s special blend of electronic loops and hip hop beats reflect the disaffected yet not detached atmosphere that Umurangi Generation is all about. Unsurprisingly, Nomura’s been making these funky fresh beats for a while, and at times it feels like the game was made specifically to fit his talents. It’s incredibly difficult to not just pause the game and let the beats play while you just vibe – and my own Steam play-time reflects my failure to resist that temptation.

[Travis Hymas]

45. Metroid Prime 

Samus Aran’s beginning as a First Person Shooter protagonist set a new bar for tone and immersion for Nintendo games thanks to the outstanding art direction and level design from Retro Studios, but the original Super Metroid team still had a hand in its aesthetic: namely Kenji Yamamoto’s revolutionary soundtrack. Now able to compose music on disc in the early 2000s, synthesizer scores were everywhere. Using sample packs from Orbit-3 and Xtreme Lead-1 and Korg MS2000, Yamamoto made the kind of living, acousmatic environmental energy for the planet of Talon IV by emulating European house with an organic twist to the melodies. This is most apparent in its accomplishments through tracks like “Tallon Overworld”, “Phendrana Drifts,” and its techno counterpart “Ice Valley”, the melancholic piano of “Crashed Ship Frigate” from the tutorial ship Orpheon, and the ominous “Phazon Mines,” as well as the iconic “Main Title Theme.” that feels like you’re trapped in a test tube with the titular predator. [Evan Griffin]

44. Dark Souls

Suitably matched to a series infamous for elaborate gothic melancholia and a constant reminder that you will most definitely die, Motoi Sakuraba’s score for Dark Souls is an immersive experience in wallowing ambiance and exhilarating highs. From the forlorn strings accompanying the quiet moments of rest at Firelink Shrine to the swelling orchestrations of any of the games massive boss fights that will get inevitably drilled into your brain after dying to them for the thousandth time (Ornstein & Smoughs’ in particular has always been my personal nightmare), the soundtrack takes you out from dark catacombs to the soaring heights of castle towers while always uniting the game’s many areas together into a cohesive journey that truly earns the swelling payoffs the series is famous for. [Quinton Parulis, Guest Contributor]

43. Diablo

The soundtrack to the original 1996 is a classic of the CD-Rom era, bringing darkly ambient soundscapes to computer games with full CD-quality audio. The best known, and probably most-heard song on the soundtrack is Matt Ullman’s plaintive knotty folk guitar piece “Tristam” which captures the gloomy medieval tone of the game even when you’re selling stuff in town. The rest of the music in the four primary biomes of the game is far more in the background than the town theme, but it succeeds in building atmosphere as you’re battling the forces of the undead. In addition to its importance to the roguelike genre, Diablo is also a gem of ‘90s game sound design. [Ryan Gibbs]

42. Bastion

Supergiant Games has never published a game without an absolute banger soundtrack from solo musician Darren Korb. Between Transistor and Hades alone, some of the greatest pieces of game music have been made, but their roots dig deep all the way back to their first game published by Warner Interactive in Bastion. “In Case of Trouble” even feels like a demo release of a track designed for Hades 10 years prior, but in the effort to record Bastion’s score out of his apartment closet, Korb was able to keep the otherworldly energy of the game inspired even in using familiar rock and acoustic compositions and instrumentation we’re already used to, conveying both a mystique and something sinister to drive players through combat. [Evan Griffin]

41. Minecraft

One of the first things you experience when creating a new world in Minecraft are the sounds; Nearby animals, villagers, and monsters all vie for your attention out of the gate. Yet, the sound that immediately grabs me is the music from C418, real name Daniel Rosenfield. The music of Minecraft has been a constant staple throughout the years, perhaps even more so than it’s macro gameplay experience. There’s not many moments in gaming that rival walking across a grassy terrain to the tranquil sounds of Rosenfield’s layered piano. Whether you started playing Minecraft in beta or just hopping into it in 2021, the music has and always will remain an integral part of its DNA. [Mark Wesley]

40. Scott Pilgrim vs Thế giới & NBSP;

Nếu bạn nói về các bản nhạc đại diện hoàn hảo cho trò chơi video mà họ được tạo ra, thì đó là một tội ác không đề cập đến Scott Pilgrim. Hoặc ít nhất, nó sẽ rất triệt để bạn.

Danh sách theo dõi cho Scott Pilgrim so với Thế giới: Nhạc phim chính thức của trò chơi dài như tiêu đề của nó. Nó cũng giống như hoành tráng, với 24 mứt arcade rocking tạo nên chủ đề nền hoàn hảo. & NBSP;

Được viết, sáng tác và được ghi bởi ban nhạc rock chiptune Anamanaguchi, nhạc phim bao gồm tất cả mọi thứ mà một máy bay chiến đấu 2D theo phong cách arcade cần; Căng thẳng, tăng vảy, bẫy bị bệnh, và những bản solth synth 8 bit hoàn toàn lố bịch. Từ phong cách paramore đa giác của người Hồi giáo của Scott Scott Pilgrim Anthem, hay Skate Skate hoặc Live, đến với các âm thanh truyền thống của Arcade trong trò chơi Rau Rock Rock Rock hay hoặc Twin Twin Dragons. Ngay cả giai đoạn đầu tiên, một mùa đông khác cũng mô phỏng nỗi nhớ 8 bit lý tưởng cho một trò chơi thuộc loại này. Nó là một bản nhạc có thể làm cho quan hệ tình dục Bob-omb rất hạnh phúc. [Adonis Gonzalez]

39. Vượt qua động vật

Ban đầu là Rừng Động vật Động vật cho Nintendo 64 tại Nhật Bản, trò chơi mô phỏng cuộc sống mang tính biểu tượng ở một ngôi làng động vật được chuyển sang phương Tây trên Nintendo Gamecube khi Animal Crossing năm 2002. Trò chơi không chỉ có một bài hát cho mỗi giờ trong ngày Với một âm điệu duy nhất trong giờ hay đêm đó, nhưng nó cũng có những giai điệu đơn giản cho các thương nhân trò chơi xuất hiện một lần nữa trong âm nhạc sự kiện. Trò chơi này cũng nổi tiếng có ngôi sao nhạc rock của riêng mình trong KK Slider, người có sự nổi tiếng của các bài hát gốc trên mọi thể loại có thể tưởng tượng được (xem KK KK Cruisin, và KK KK Bubblegum, là những ví dụ chính) là những bản nhạc tuyệt vời cho người chơi radio trong nhà của họ hoặc trong các buổi biểu diễn trực tiếp vào tối thứ bảy. [Evan Griffin]

38. Super Hang-on

Nó có thể là một tuyên bố táo bạo để nói rằng một bản nhạc duy nhất định nghĩa cả một thập kỷ, ít hơn nhiều so với nhạc phim là siêu treo. Tuy nhiên, Super Hang-on khá nhiều là 80 Lừa được bọc trong một điểm số duy nhất. Sân hơi hơi tăng cảm giác như ánh sáng neon được chiếu thẳng vào não bạn, và chủ đề chính và chủ đề chủng tộc chính chơi như điểm số phim Top Gun - ngay lập tức đặt bạn vào suy nghĩ của người lái. Nó không phải là thứ mà ngay cả sự hồi sinh hoài cổ nhất cũng có thể phù hợp mà không xuất hiện như quá cố gắng, làm cho bản gốc trở nên đặc biệt hơn nhiều.

[Travis Hymas]

37. Super Mario World

Một trò chơi đã ra mắt kỷ nguyên SNES bằng cách phát triển Super Mario mang tính biểu tượng theo mọi cách có thể tưởng tượng được, bao gồm cả trong nhạc nền của nó. Các bản nhạc của bản gốc năm 1986 luôn luôn xuất hiện trong nhượng quyền thương mại và văn hóa Mario nói chung, nhưng Super Mario World đã lấy cấu trúc của âm nhạc đó và xây dựng một bản hòa tấu thực sự với các chủ đề mới trong suốt. Các chủ đề này năng động và bổ sung cho nhau, khi trống đi cùng với cuộc diễu hành của Yoshi khi Mario đi cùng anh ta trong thời gian thực, chủ đề thế giới bước xuống trong Octave và tiếp nhận âm thanh Echo khi người chơi bước vào cấp độ ngầm và thậm chí là Lâu đài mới năng động và Castle và chủ đề biệt thự boo. Các chủ đề của Super Mario World, của Koji Kondo cũng không phải là hiện diện như những chủ đề từ Mario 1 và Mario 3 và hơn thế nữa. [Evan Griffin]

36. Buông hoang dã

Thoạt nhìn, nhạc nền cho viên đá quý indie khởi đầu của người chiến thắng BAFTA Andrew Prahlow có vẻ như là một cây guitar acoustic tự do đơn giản với bầu không khí liên thiên hà ở những nơi chậm hơn. Tuy nhiên, không chỉ mỗi hành tinh có chủ đề riêng phù hợp với địa hình của nó, âm nhạc có ý nghĩa trong trò chơi. Một thợ máy chính là thống nhất các dụng cụ du lịch trên khắp hệ mặt trời, và khi người chơi đạt được điều này, chủ đề chính của trò chơi đạt được sự phức tạp về điểm số của nó.

[Evan Griffin]

35. Escape Ape

Khó khăn táo bạo của Ape Escape, luôn luôn là một nghịch lý ly kỳ đối với hướng nghệ thuật quyến rũ và sự lạc quan, cường độ kỹ thuật. Nó gần như hơi kỳ lạ khi thấy rất nhiều giao diện và biểu cảm khác nhau cho những con khỉ có thể bắt được này trong bối cảnh của một bộ nhạc khá nhất quán và dễ nhớ. Hầu hết trong số đó tuân theo cùng một công thức cơ bản: giữ cho nó nhẹ, vui vẻ và thách thức một cách hạnh phúc.

Soichi Terada đã sáng tác nhạc cho trò chơi PlayStation vào năm 1995 và 1996, và anh ấy chắc chắn đã cắt bỏ công việc của mình cho anh ấy sau vụ Donkey Kong Country là một cú đánh đập và được đánh giá cao cho các bản phối âm bass. Tuy nhiên, Terada đã thành công trong việc khiến Ape thoát khỏi viên nang âm thanh vượt thời gian của riêng mình, hoàn thành với tiếng trống đá và bass có thể dễ dàng thích nghi với một bản làm lại hiện đại mà không bỏ lỡ một nhịp nào (hoặc vượn). [Jon Negroni]

34. Donkey Kong Country 

The first solo adventure for the ape as a protagonist alongside his friend Diddy Kong was made by UK developer Rareware. It cemented so much of what we know about the sonic identifiers of Donkey Kong. David Wise and Evelyn Fleischer managed to deliver a rousing platforming soundtrack but also atmospherically harmonized it with the sounds of the jungle in the form of chittering apes, drumming bongos, rainstorms and birds and clattering mines. It is the origin of Simian Segue, DK Island Swing and the famously Aquatic Ambience, among so many others.

[Evan Griffin]

33. Castlevania: Symphony of the Night

In the dark lie terrible things. Creatures and ghouls of horrific form, wailing winds, things that bump in the night. As it turns out, those things that bump have a pretty sick goth rock beat to them.

That’s at least the evidence that Castlevania: Symphony of the Night supports with its macabre n’ roll soundtrack. Symphony of the Night sees players take control of Dracula’s half-blood son, Alucard. While he does share every letter of his father’s name, Alucard doesn’t share in the Count’s sinister pastimes. 

As such, our partly vampiric hero needed a fully atmospheric soundtrack to accompany him on his journey to destroy Dracula’s castle. Luckily, composer Michiru Yamane stepped up to the plate with plenty to offer. The soundtrack for Symphony of the Night is equal parts Victorian Goth and heavy metal, with big imposing orchestral sounds and tubular guitar/synth solos sprinkled throughout the 33 track long list. Nothing short of the best for the Prince of Darkness himself. [Adonis Gonzalez]

32. Final Fantasy VII

You don’t need us to tell you that Final Fantasy VII is one of the best video games ever created, but a large part of its quality also comes from its incredible soundtrack by Square Enix legend Nobu Uematsu. The Final Fantasy VII soundtrack is majestic and matches the epic quality that goes alongside its captivating story. The long list of songs is very distinctive to the game, with many of the numbers being iconic and attributed to some of gaming’s biggest moments. For example, “Let the Battles Begin!” is the most recognizable fight song in the franchise’s history, and you can’t help but dance to the victory jingle. Plus, if you didn’t shed a tear to “Aerith’s Theme” during her death, we can’t help you.

[Justin Carrero]

31. Street Fighter III: Third Strike

A venerated title, one of the greatest fighting games of all time, the third version of the third entry of the game that pretty much invented the genre as we know it is one with a wholly unique, absolutely fantastic soundtrack. R&B and hip-hop sounds aren’t what you’d expect from the series: any doubts you may have fade when the game’s stellar main theme hits your ears. Fantastic arrangement and catchy lyrics from Canadian rapper Infinite open the door for you to experience the rest of this stylish suite of tracks. Iconic tracks like Akuma’s Killing Moon and the Ken and Alex’s theme Jazzy NYC ‘99 are standouts, but others like Beats in my Head and Spunky are just as good. Overall, it’s a legendary soundtrack for a legendary game.

[Aaron Reyes]

30. Shovel Knight

Vivacious and nostalgic, Shovel Knight evokes all the memories of the SNES era while still giving itself room to make itself distinctive. Crisp and rhythmic, with melodies such as those in “An Underlying Problem” (Mole Knight’s stage theme) and Waltz of the “Troupple King” (yes, like trout and apple combined. It’s precious) serving as hallmarks to composer Jake Kaufman’s boundless versatility within this sound font. A little bit of something for everyone and a clever use of leitmotif elevates what would normally be classified as somewhat simple into an orchestral level of detail.

[Jordan Lee]

29. Ecco the Dolphin

In a way, there is no vaporwave without Ecco the Dolphin, is there? The game was a starting point for Daniel Lopatin’s landmark Chuck Person’s Eccojams, and that genre’s love for underwater feature iconography and ’90s box art. The soundtrack itself is a masterpiece of ambient music with a distinct underwater feel, drifting through ethereal layered soundscapes as you progress through the levels. A truly original soundtrack for a truly original game.

[Ryan Gibbs]

28. Quake

Trent Reznor of the iconic industrial rock band Nine Inch Nails was a massive fan of 1993’s Doom. It was inevitable that he and John Carmack at Id Software would collide in an iconic collaboration of its era. Prior to his work on film scores, Reznor provided the revolutionary 3-D shooter with a chilling ambient soundtrack that also provided an overwhelming adrenalin rush, deemed by Reznor himself that the music is “textured” and “oppressive” in its tone. The score is also famous for its lack of accessibility, as the PC ports of the game didn’t have an active license to use the soundtrack for a long time, and a standalone OST release was never made until a vinyl remasters in 2020.

[Evan Griffin]

27. Hollow Knight

Elegant, dark, melancholic. These are the words that indie music composer Christopher Larkin has used to describe his work on the score for the hit indie metroidvania Hollow Knight, a game in which players delve into caverns of bugs and lost souls and discover dimly lit depths of caves, bustling with secrets and dangerous enemies. The game conveys a certain higher quality through its music to match the civilization that once stood in Hallownest, but in a darker, deeper tone implying the sinister and tragic downfall. Larkin also notes the influence of Studio Ghibli composer Joe Hisashi, reiterating the essential nature of a game’s score, like in film, to tonally back up the narrative and character presented on screen.

[Evan Griffin]

26. Ico 

Ico determined the breadth of ambient euphonics in 3D platformers throughout the 2000’s with its meditative, primeval labyrinths. The original, and core design philosophy of Fumito Ueda’s Team Ico was “design by subtraction”, and is intrinsically tied to the simplicity of Michiru Ōshima and Kōichi Yamazaki’s musical choices as well. Ico’s initial theme “Castle in the Mist ”, a melancholic theme led by a bouzouki, and “Heal”, the game’s save data theme, are the two rare spirited arrangements in the game. Between core story moments, which fill the atmosphere with winding hymns evoking isolationism and abstract consciousness, the games’ overall tone is filled with natural air and the distant hum of the beating sun where wind gorgeously reverberates through the halls of the castle in the sky, as you seek out answers in a world that provides none. [Dylan Griffin]

25. The Legend of Zelda: Link’s Awakening 

Ryo Nagamatu’s score for Link’s Awakening boasts both a spritely nautical warmth, charming the player’s traditional Zelda appetite for adventure, as equally as it is a psychedelic surrealist one. With tone setters such as “Mabe Village”, a gorgeously delicate arrangement led by xylophone, and a call and response between woodwinds make for a distinctive harmonic form that articulates the adventure’s light atmosphere. Subsequently followed by the pervasive, “Ballad of the Windfish”, a depressive but celestial sonant extension to the identity of the elusive Windfish. [Dylan Griffin]

24. Tetris

If you were to ask someone on the street to hum a song from a video game, there is a very good chance they will reply to you with “Korobeiniki”, the Russian folk song that appears in a bloopy digitized version on the Game Boy release of Tetris. Not only was that version one of the best selling games for any format ever, but the three songs that appear in it are lodged in the brains of everyone that played that game. The tunes are catchy and will stick in your head if you play enough Tetris, but not distracting from the simple puzzle game. That’s the goal for any puzzle soundtrack that followed the game, but “Tetris” perfected it. [Ryan Gibbs]

23. Super Metroid

In a game with a silent protagonist and no one to talk to, the soundtrack can drive everything. And from the first high-pitched screech on the title screen, the Super Metroid soundtrack instills three feelings inside the audience—fear, intensity, and inevitable victory. Horror-inspired tracks accompany desolate environments, but the thundering drums and echoing horns are always there to push players through the isolation. Even bouncy and lively percussion is featured within certain jungle environments, for a bit of whimsicality. Super Metroid pushes Samus through intense situations by herself, and the soundtrack does the same to the player. The anthem for “Red Brinstar” alone makes a case for the game’s sound aesthetic as the red caverns pulse an unusual glow and the score hums and drums as though the environment is breathing around you as you descend. [Hunter Church]

22. Streets of Rage II

Known as Bare Knuckle II in Japan, the second entry in the Streets of Rage beat-em-up franchise has a soundtrack by Yuzo Koshiro that takes the chip-tune based EDM influence of the first game, and makes it more infused with the energy of city night life in the 1990s. The soundtrack is full of textures bridging funk, techno and blues, all composed on some of the best of early 80’s synthesizers and drum machines, breaking boundaries of the SEGA Mega Drive’s sound card capabilities.

[Evan Griffin]

21. Earthbound

While still a niche property from Nintendo’s history, the Super Smash Bros. franchise has made sure that we’re all aware of Ness and his RPG series Earthbound. Known as Mother 2 in Japan, the sequel was scored on 8 megabytes, one third of an SNES cartridge storage, and was among the first video games to successfully achieve a string vibrato sound in a score, as well as revolutionizing the concept of sampling in a game soundtrack. This was all achieved by Keiichi Suziki (Tokyo Godfathers), Hirokazu ‘Hip’ Tanaka (Metroid, Tetris) and Hiroishi Kanazu. Even the game itself is very outward about its influence on the town of Onnette and its citizen’s misadventures as being hugely inspired by John Lennon and the Beatles, Yellow Magic Orchestra, and My Bloody Valentine, and the influences are apparent not only in easter egg text in game, but also in tracks like “Sound Stone,” “Megaton Walk” and “Cross Over Time and Space.” [Evan Griffin]

20. Journey

More people should have Austin Wintory’s score for Thatgamecompany as their answer to what would be their life’s soundtrack. Airy one moment and grounded the next, carefree now and eventually concerning, fluctuations of existence—experienced by our red robed character as they move toward a mountain in the distance—that are otherwise natural become evocative. Supernaturally so. “Apotheosis,” in fact, dampened one’s fear of the end: The powerful and constant transformations in its strings hold a promise that what comes after will be indescribable beauty, will be pure serenity. If only for a moment, the search for true calmness in life ends. [Nguyen Le]

19. Persona 5: Royal

Persona 5: Royal is the definitive version of what is personally in my top games of all time, and a big factor in that is the overwhelming style that exudes from the whole thing. The soundtrack is a stand out part of that: the base game hits the ground running with the opening, “Wake Up, Get Up, Get Out There,” and continues with a slew of absolute bangers such as “Life Will Change” and “Rivers in the Desert,” along with some more low-key tracks like “Beneath the Mask” and “The Days When My Mother” was there. So how could they top this in this updated release? Throw in some new heavy-hitters like “Colors Flying High,” “Take Over,” “I Believe,” and a personal favorite in the whole game, “No More What-ifs.” [Arron Reyes]

18. Halo 2

Frankly speaking, all this explanation needs is a link to the “Mjolnir Mix” of the traditional Halo theme and this entry would be all wrapped up. That aside, Halo 2’s soundtrack was a huge deal, with the album’s CD (remember those?) release being as exciting as the game’s. The otherworldly science fiction inspiration underscores a steady and triumphant rock and electronic beats that are a perfect match to the Master Chief’s kick-ass and take names death dealing. There’s a certain “hell yeah, this is cool” power that the score uses to do a significant job of selling the Halo atmosphere.

[Travis Hymas]

17. Celeste

Maddie Thorson’s Celeste, from the very first level, inspires players to take their “First Steps” up the dangerous mountain with one of the best contemporary first level tracks out of the indie game industry. The soundtrack, composed by Lena Raine, is a hybrid of electronic music and 8-bit throwbacks, the usual fare on its face, but it absolutely transforms in the context of the gameplay. Deemed something like a concept album by some, the “Prologue” track establishes a motif for Maddelin, and it carries players through each of the game’s stages, and even undergoes changes unto itself by the end.

[Evan Griffin]

16. Va-11-Hall-a: Cyberpunk Bartending Simulator

Oh boy, it’s that time again! An excuse to ramble on about possibly my favorite indie game, Valhalla! The neo-futuristic cyber noir aesthetic of Valhalla‘s setting seep beautifully into its soundtrack, giving off a feeling of being in a seedy bar in some hole in the wall in Neo San Francisco. The very synth-heavy tracks brought to us by composer Garoad are incredibly catchy, and in a rarity in games, exists Diagetically in the universe by way of a programmable jukebox. I am a man of few physical possessions, with all of my media exclusively digital, so it should be a testament to its lasting quality that I have a limited edition pressing of the complete Valhalla soundtrack on vinyl. Also, please look forward to the sequel, N1r-Va-na to take the number 1 spot on our best game of 202X list, coming “Soon™”! [Miles Stanton]

15. Mega Man 2

It may have been hard for players to comprehend when playing Mega Man II on the NES in 1988 through CRT speakers and interrupting sound channels from in game sound effects, but the 22 tracklist provided by Takashi Tateishi (credited as Ogeretsu Kin) would go down as the best music in the Mega Man franchise, and some of the best game music of all time. Outward about his influence from Yellow Magic Orchestra, Mezzoforte and T-Square, his influence is clear through tracks like Heat Man, Crash Man, Flash Man and fan favorite tracks like Dr. Wily’s Map and Dr. Wily’s Castle 1 and the Credits theme.

[Evan Griffin]

14. Jet Set Radio Future

I think the most telling mark of the quality of the Jet Set Radio soundtrack is how many tributes have been made to it. Jet Set Radio’s soundtrack is so iconic and so infectious, it has not only survived a doomed console but stood the test of time of being an absolute JAM 20 years later. The internet’s very own Funky Uncle, Hideki Naganuma unleashed what is undeniably one of the medium’s catchiest soundtracks, putting it in legendary status alongside Katamari Damacy and the Resident Evil 1 director’s cut basement theme (or as I like to call it, “Why are there clowns farting in my basement?”) JSRF’s soundtrack is all killer, no filler, one of rare soundtracks in gaming, or in music in general really, that I can listen to all the way through without skipping tracks to keep a mood going. It is a start-to-stop hip-hop/rap/rock/punk/J-pop jamboree, a high-energy concept album if the concept was “Outrun the cops in style”. Basically, Jet set radio is an electronica concert held by a VERY horny DJ, that also just so happens to be a REALLY good game.

Nếu bạn đang tìm kiếm nhiều ùn tắc hơn trong bất kỳ thể loại/phong cách nào mà JSRF có, tôi đánh giá cao những giấc mơ của Tokyo-to Tokyo-to và Naganumas rất riêng, không có gì giống như một nhịp đập vui nhộn & NBSP;

[Miles Stanton]

13. Final Fantasy VI

Bên bờ vực của một đỉnh cao sự nghiệp, nhà soạn nhạc Final Fantasy Nobu Uematsu đã đưa ra số điểm cho một trận đấu cuối cùng trên SNES. Ngay cả anh ta đã ở bên cạnh mình với kết quả, tuyên bố trong một cuộc phỏng vấn năm 1995, tôi có thể thoát khỏi âm nhạc trò chơi mà không hối tiếc. Chủ đề của Terra Terra, chủ đề của Kefka, chủ đề của Erik và Mash, và Locke tất cả không chỉ có những người yêu thích của riêng họ trong điểm số của trò chơi, mà mỗi người còn có những sắp xếp cực kỳ khác nhau trong suốt để phản ánh giai điệu của câu chuyện. Trò chơi có các giai đoạn đáng nhớ vô cùng nhờ các sắp xếp điểm số của họ như là Mt Mt. Koltis, khu rừng huyền bí, tàu bí ẩn và bí ẩn, với những sự kiện lớn như trò chơi, biểu tượng của trận chiến quyết định ở điểm giữa, và chúng tôi thậm chí còn có thời gian để gãi bề mặt của chuỗi Opera. Đây chỉ là những chi tiết nhỏ làm trầy xước bề mặt cho một số lượng chất lượng đến mức nó tự nói lên bất kể phương tiện nào. [Evan Griffin]

12. Fez

Thảm họa nổi tiếng hiện nay (theo sau, Hyper Light Drifter) rất cởi mở về sự phát triển của trò chơi với Phil Fish và Renaud Bedard vào năm 2010. Trong khi anh ta cố gắng viết điểm số trong một bong bóng, anh ta thừa nhận một ảnh hưởng không thể nghi ngờ từ các tác phẩm của các tác phẩm của Rock cổ điển như có, nhưng cũng là tác phẩm kinh điển nhất của Igor Stravinsky và Claude Debussy. Fez minh họa một âm thanh phản chiếu cảnh quan của nó. Khi người chơi điều khiển Gomez qua một chiều thứ ba cực kỳ lạ mắt, âm thanh của dàn nhạc Bitcrush cảm thấy được chào đón, quen thuộc, nhưng đồng thời ám ảnh khi quan điểm theo nghĩa đen của họ tạo ra một trục z từ vùng nhiệt đới điển hình của một bộ phận bên. Nền tảng này không chỉ xuất hiện trong một câu đố đặc biệt mang tính biểu tượng thông qua trò chơi mà ngay cả trong tần số của nhạc nền khi được hiển thị trong phần mềm quang phổ. [Evan Griffin]

#11 Kingdom Hearts II & NBSP;

Điểm số của Kingdom Hearts đã pha trộn năng lượng giả tưởng cao của cảm hứng tưởng tượng cuối cùng và sự hay thay đổi của thế giới Disney, đó là Kingdom Hearts II nơi nhà soạn nhạc Yoko Shimomura đạt được sự pha trộn hoàn hảo của cả hai và tạo ra một thứ gì đó thực sự mang tính biểu tượng. Mặc dù nhượng quyền thường được thu hồi bởi các chủ đề Hikaru Utada tuyệt vời được thừa nhận của nó, nhưng nó là Shimomura, ám ảnh và điểm số biểu cảm khiến trò chơi tỏa sáng. Kingdom Hearts II cũng được thưởng thức các bản tái hiện thú vị trên một số âm nhạc Disney mang tính biểu tượng, bao gồm cả chủ đề Câu lạc bộ Chuột Mickey khét tiếng là một kết hợp hoàn hảo cho Thế giới sông vượt thời gian. Các chủ đề giới thiệu Tổ chức XIII và Roxas cho phần còn lại của bộ truyện là một trong những giai điệu đáng nhớ nhất được dệt thành những bản nhạc cả cũ và mới, và người mở rộng Sanctuary Sanctuary tạo ra một bước ngoặt đáng kinh ngạc của Hikaru Utada cho J- Bài hát pop để theo dõi không ai khác ngoài đơn giản và sạch sẽ.

[Travis Hymas]

10. Donkey Kong Country 2: Nhiệm vụ Diddy Kong,

Âm nhạc của Donkey Kong Country 2 làm nhiều hơn là gói gọn bầu không khí của các sân khấu trò chơi trên khắp các khu rừng, núi, hang động và đại dương, và tàu cướp biển. Nhà soạn nhạc David Weise, được sử dụng bởi Studio Rareware của Vương quốc Anh vào những năm 1990, đã tối ưu hóa một cách chuyên nghiệp động cơ âm thanh trên các chip âm thanh cho các hộp mực SNES để tạo ra âm nhạc có thể điều chỉnh như không ai khác trong thời đại, tạo ra các bản nhạc truyền tải mọi thứ từ Vangelis và Phil Collins đến Phim phiêu lưu Swashbuckling. Bản giao hưởng của Forest Forest Interlude và Bản giao hưởng Stickerbrush là những bản nhạc nổi bật mô phỏng bầu không khí âm thanh thiền định, thanh tao đã có một cuộc sống mới và ảnh hưởng đến hàng trăm nghệ sĩ đương đại trong kỷ nguyên Soundcloud. [Evan Griffin]

9. Doom (1993)

Khi tiền đề của một trò chơi đang quay và chém bạn qua quỷ từ địa ngục, bạn cần một bản nhạc truyền cảm hứng cho mức độ xấu xa đó, và bạn sẽ là nhà bếp của nhà bếp và lấy tên Tôi và Doom II. Có một cái gì đó về âm nhạc kỹ thuật/kim loại có nhịp độ nhanh chơi lớn phía sau bạn, làm tăng thêm cường độ và niềm vui của nhượng quyền thương mại mà rất nhiều trò chơi khác không nắm bắt được. Các nhà phát triển tại ID Software đã thuê Bobby Prince, người đã tìm thấy cảm hứng trong các ban nhạc như Pantera và Alice in Chains khi tạo nhạc nền cho trò chơi hoành tráng này (địa ngục, họ không biết xấu hổ khi họ gọi là Bones Bones trong một bản nhạc cho Doom II). Nhạc phim trong trò chơi này phát triển thành nhạc kim loại điên rồ mà những bổ sung gần đây nhất trong nhượng quyền đã được biết đến. Có một linh hồn đã chơi các trò chơi điện tử mà don don biết E1M1, tại đây, tại Gater, hoặc tạm dừng từ Doom, vì lý do rất chính đáng. [Tyler Carlsen]

8. Pokémon Red, Blue/Green, and Yellow Version

The original Pokémon score is a testament to the clever innovation necessary to make any kind of distinguishable music for games on such limited hardware as the Game Boy. A mix of catchy and repeatable beats fill the towns of Kanto while the tone shifts in battles both big and small. Those battle themes in particular are an accomplishment in maintaining tone and repetition without becoming truly monotonous. A good battle theme is extremely difficult to make worth experiencing hundreds of times, but R/B/Y made it look easy.

[Travis Hymas]

7. Super Mario 64

When you hear a score from a video game, it’s rare that you can identify the exact stage/level it was played on. Even to this day, I can close my eyes and listen to the soundtrack from Super Mario 64 and see the menu screen with Mario’s face and the ability to yank on his nose and hat, and I can hear that joyful score when you enter the castle’s main area and you begin to explore the rooms. Composed by Koji Kondo using the best elements of past Mario games, this soundtrack is one of the best of the Mario franchise, creating now hyper-nostalgic liminal spaces out of tracks like the file select screen, the “Road To Bowser”, and “Dire Dire Docks.”

[Tyler Carlsen]

6. Katamari Damacy

Na-nana-nanana-nanananana-katamari-damacy!
Namco’s arcade saga of a clump spirit rolling endlessly to please royalty is accompanied by a soundtrack published by Columbia and composed by Yuie Miyake. Katamari Damacy’s score bridges Shibuya-kei and Picopop genres and features the vocals of early 2000’s anime voice actors. The game features orchestral, a capella, and full vocal pop tracks with the high production value to counter the game’s minimalistic stages, carrying players through uplifting, off-beat, and outright strange scenarios across intergalactic planets. Lonely Rolling Star in the game’s first stage sets a precedent for one of the greatest video game soundtracks of the PlayStation 2, and of all time. 

[Evan Griffin]

5. Shadow of the Colossus 

Kow Otani’s eminent score for Shadow of the Colossus’ chartered the scope and epic mythology through symphonic language in future generations of gaming. A score that intersects intimate moments of moral contemplation, in pieces such as “The Farthest Land”, with high-stakes blockbuster tone, “The Opened Way”, makes for a definitive example of subversive storytelling through music and visuals. Shadow of The Colossus’ desolate, idyllic overworld in which you navigate its’ identity warrants self-reflection between each Colossi, eliciting an ultimate feeling of dread and remorse with each elegy that greets you upon each confrontation. Team Ico creates a masterwork in ambiguous storytelling, and their musical choices only elevate this.  [Dylan Griffin]

4. Chrono Trigger

Squaresoft’s beginning of the Chrono series also saw the beginning of Yasunori Mitsuda’s (Xenogears, Chrono Cross) career in-game score composition, alongside work by Final Fantasy composer Nobu Uematsu. The complexity of its composition on a SNES sound cartridge blows away launch titles like A Link to the Past, with a difference from 10 to 30 compressed soundfonts used to create the score of the historic time travel RPG uses its minimalistic fundamentals of its composer to deliver both the globe-trotting anthems of a Final Fantasy adventure and the stunning clockwork of a time machine drive the score and make its way into players hearts with every new region and exciting encounter in one of the most prolific roleplaying games ever made, and the beginning of a definitive franchise for Square Enix. The result is charming tracks like “Wind Scene,” “Corridors of Time,” and “Memories of Green.” Even tracks like “Schala’s Theme” have taken on a new life by being sampled in tracks like Wiz Khalifa‘s “Never Been” [Evan Griffin]

3. NieR Automata

Yoko Taro’s masterful collaboration with Square Enix and Platinum games features a soundtrack by Keiichi Okabe and MONACA that is a chilling marriage of instrumental and vocal music that is adaptive to both the motifs throughout the game’s score as the story and characters become increasingly hopeless, but also adaptive in the action of the game’s most thrilling sequences. The operatic vocals of “A Beautiful Song” drive a boss fight with a machine named Simmone in one of the most stunningly meta pieces of music written to synchronize with any gameplay. “City of Ruins” is a melancholic anthem for traversing a world steadily draining of life over the course of an ongoing apocalyptic war that changes its tempo as the story grows darker. Most essentially, as players achieve Ending E to push through to the game’s ultimate finale, we hear the game’s development team come together in chorus over the credits ballad, as players also metaphorically assist one another in fighting for a vision of the future. This track, “Weight of The World (End of YorHa)” is an achievement in bone-rattling emotion, resulting in one of the greatest moments the medium of video games has ever achieved, and it’s just one of many throughout NieR Automata to do the same thing. [Evan Griffin]

2A. The Legend of Zelda: Ocarina of Time

Nhạc phim hay nhất tạo nên tâm trạng và giúp hình thành những ký ức tuyệt vời. Sự kỳ diệu của nhạc nền Ocarina of Time là cách âm nhạc đáng nhớ mãi mãi này được gắn trực tiếp vào lối chơi. Khi bạn tiến bộ qua trò chơi và ghé thăm những địa điểm mới, bạn đã giới thiệu đến các địa điểm mới với các chủ đề âm nhạc riêng biệt và mỗi bài hát có một bài hát để biểu diễn trên Ocarina của bạn để triệu tập các phép thuật, mở khóa các câu đố hoặc du lịch. Koji Kondo đã quản lý để tạo ra các bài hát sử dụng số lượng nhỏ các ghi chú mà người chơi có thể nhớ lại một cách dễ dàng và các cụm từ đáng nhớ để dán trong đầu của họ trong khi cũng làm việc trong giới hạn do nhạc cụ Titor Titar của trò chơi đặt ra. Lắng nghe các bài hát như Thung lũng Ger Gerudo, Hồi giáo Lost Woods, hoặc hoặc Lon Lon Lon Ranch ngay lập tức gợi lên hình ảnh của các khu vực đó, và vẫn duy trì sự liên quan của họ ngày hôm nay thậm chí tách biệt với trò chơi bao quanh họ. Sử dụng Ocarina để đi du lịch vòng quanh thế giới vẫn vui vẻ trong suốt cuộc phiêu lưu khi nó có thể dễ dàng là một thợ máy rất bực bội. Không chỉ vậy, những bài hát được thực hiện bởi các cầu thủ duy trì các họa tiết về điểm số xung quanh chúng liên quan đến các nhân vật và địa điểm, cho phép thế giới Hyrule thở ra cuộc sống vào lần lặp 3D đầu tiên. [Jose Cordova]

2B. Truyền thuyết về Zelda: Mặt nạ Majora

Một trò chơi có điểm số không thể tách rời từ anh trai sinh đôi của Nintendo 64, Koji Kondo đi qua Termina thế giới siêu thực và dòng thời gian của bản sắc kết tinh Link Link trong mặt nạ Majora. Điểm số, nâng cao người dân vô lý và cư dân hào hứng của Thị trấn Clock bị rối loạn, thoáng qua hoặc chào đón cái chết khi mặt trăng lao vào bầu khí quyển. Chỉ riêng chủ đề của thị trấn là giá trị tất cả những lời khen ngợi, vì nó thay đổi mỗi ngày vội vã theo tốc độ và được sắp xếp với sự sợ hãi ngày càng tăng cho đến khi nó trở thành một bài hát hoàn toàn khác vào cuối ngày 3. bão hòa với không khí tàn bạo trong tác phẩm của họ, các bài hát cho Cung điện và Đền thờ Stone Tower, đang ám ảnh, trong khi những người khác xảy ra những bản sonnets u sầu như lời thề sẽ ra lệnh, một bài thánh ca triệu tập cho bốn người khổng lồ. Giờ cuối cùng của người Hồi giáo, một cuộc than thở xung quanh, bao gồm tất cả trong 12 giờ cuối cùng của đồng hồ trong trò chơi, như các mô hình của bầu trời đỏ và uốn cong trong khi mặt trăng thao túng bầu không khí của thế giới cuối cùng bên dưới [Dylan Griffin]

1. Undertale

Tác động của công việc của Toby Fox có thể được minh họa thông qua tầm với của một mình Megalovania, một bản nhạc được biết đến với cả một ông chủ cuối cùng đầy thách thức đầy thách thức, mà còn về nguồn gốc của nó trong nền tảng của cảm hứng của Undertale Điều này, điểm số của Undertale, được sáng tác hoàn toàn bởi Fox tiết kiệm cho một vài sự hợp tác, là một sự tôn kính tuyệt vời đối với kỷ nguyên 16 bit của các game nhập vai mang tính biểu tượng, Earthbound trong số những ảnh hưởng rõ ràng nhất của nó. Nhạc phim kết quả là một bản nhạc quyến rũ, chứa đầy các chủ đề phong phú và các tác phẩm gây ra một dàn nhân vật cá tính với nhau, và ông chủ hay nhất chiến đấu của thập kỷ được hỗ trợ bởi các tác phẩm như Hồi Bonetrousel, , Và và Bergentrückung / Asgore, tất cả đều gắn kết với nhau trong chủ đề Boss cuối cùng của lần thứ hai, Hy vọng và ước mơ. Trò chơi, những khoảnh khắc yên tĩnh hơn truyền tải nỗi nhớ và khao khát, từ những tàn tích của người Hồi giáo đến cuối cùng, tất cả đều kết thúc với chủ đề bộ nhớ của Hồi giáo để đưa người chơi vượt qua cuộc phiêu lưu cảm động này trong thế giới ngầm. [Evan Griffin]
Beyond this, Undertale’s score, composed entirely by Fox save for a few collaborations, is a masterful homage to the 16-bit era of iconic RPGs, Earthbound among its most clear influences. The resulting soundtrack is a charming one, filled with rich themes and leitmotifs that string a personable cast of characters together, and the best boss fights of the decade backed by pieces such as “Bonetrousel,” “Spear of Justice,” “Death by Glamour,” and “Bergentrückung / ASGORE,” all tied together in the second run’s final boss theme “Hopes and Dreams.” The game’s quieter moments convey nostalgia and longing, from the “Ruins” to the ending, all weaving through with the “Memory” theme to carry players through this touching adventure in the underworld. [Evan Griffin]

Xin chúc mừng, bạn đã đến cuối danh sách! Ở đây, danh sách phát mà chúng tôi đã đề cập đến Top. .

Quảng cáo

Bài hát phổ biến nhất từ ​​một trò chơi video là gì?

Loạt trò chơi nào có âm nhạc hay nhất?

RPG nào có nhạc phim hay nhất?

Nhạc trò chơi video hoài cổ nhất là gì?