 Show
Tòa nhà sụp đổ trong vụ khủng bố 11/9: Đó là khoảnh khắc tòa nhà sụp đổ trong vụ khủng bố đẫm máu ngày 11/9 được Bill Biggart ghi lại. Tuy nhiên, chỉ vài giây sau khi chụp bức ảnh này, nhiếp ảnh gia 54 đã qua đời khi tòa tháp thứ 2 sụp đổ và các mảnh vỡ đè lên người ông. Thi thể và thiết bị chụp ảnh của ông đã được tìm thấy trong các mảnh vỡ của trung tâm thương mại 4 ngày sau đó. “Nụ hôn Vancouver”: Bức ảnh được chụp bởi Richard Lam, trong một cuộc bạo động ở Vancouver 15/6/2011. Đó là một khoảnh khắc dịu dàng trong khi những người khác đang hoảng loạn xung quanh. Theo The World Post, hiện tại, cặp đôi này vẫn đang sống hạnh phúc cùng nhau ở Australia. Lao động trẻ em ở Bangladesh: Bộ ảnh của nhiếp ảnh gia người Bangladesh Shehzad Noorani, ghi lại hình ảnh ở vùng ngoại ô Dhaka, nơi có hàng trăm nhà máy và xưởng sản xuất pin tái chế. Nguồn lao động chính ở khu vực này là phụ nữ và trẻ em. Môi trường làm việc tiềm ẩn hàng loạt nguy cơ gây hại cho sức khỏe. Cuộc gặp gỡ của Jane Goodall và chú tinh tinh tên Flint: Jane Goodall là một nhà động vật linh trưởng nổi tiếng thế giới. Trong bức ảnh, cô chỉ kéo cánh tay gần chú tinh tinh Flint để tránh sự nghi ngờ của tinh tinh mẹ rằng cô có thể gây hại. Jane Goodall cũng đã phát hiện ra rằng tinh tinh sử dụng các chi như con người. Điều thú vị của nhà nghiên cứu linh trưởng này là cô không có bằng đại học nhưng được học luôn tiến sĩ nhờ nghiên cứu đột phá và những thành tựu mà cô đạt được.
“Bước nhảy vào tự do”: Bức ảnh nổi tiếng của nhiếp ảnh gia Peter Leibing, ghi lại khoảnh khắc người lính Đông Đức 19 tuổi Conrad Schumann vượt qua hàng rào thép gai tại phố Bernauer nhảy sang phía Tây Đức. Nơi có hàng rào thép gai sau này được xây thành Bức tường Berlin lịch sử. Ca cấy ghép tim đầu tiên trên thế giới: Ca phẫu thuật tim thành công đầu tiên trên thế giới được thực hiện tại Ba Lan, các bác sĩ phải làm việc vất vả trong suốt 23 giờ. Đây là một bước tiến lớn trong ngành y học thế giới, do đó vào năm 1987, bức ảnh này đã được giải là "bức ảnh đẹp nhất” của tạp chí National Geographic và trở nên vô cùng nổi tiếng. Yoina: Yoina là một đứa trẻ mồ côi 11 tuổi sống cùng cô của mình trong cộng đồng Machiguenga ở Công viên quốc gia Manu, Peru. Charlie Hamilton James, nhiếp ảnh gia ghi lại khoảnh khắc này nhớ rằng cô gái "không quan tâm nhiều đến việc chụp ảnh cô ấy". Một bài báo đăng trên tạp chí National Geographic cho biết, cuộc đời của Yoina đã xảy ra nhiều biến cố sau đó: mẹ cô qua đời sau khi sinh đứa con thứ 9 và con khỉ đáng thương của cô cũng bị tử nạn. "Chiến tranh là địa ngục" là một trong những bức ảnh nổi tiếng nhất của nhiếp ảnh gia người Đức Horst Fass, được ghi lại năm 1965 trong chiến tranh ở Việt Nam. Trong một thời gian dài, danh tính của người trong bức ảnh không được tiết lộ, đến năm 2012 bà Morrison, vợ của người lính, tình cờ nhìn thấy bức ảnh trong cuốn sách tại một cửa hàng ở trung tâm mua sắm và tuyên bố người trong ảnh là người chồng quá cố của bà, Larry Wayne Chaffin. Ông phục vụ trong lữ đoàn 173 ở Việt Nam, từ tháng 5/1965. Tấm ảnh được chụp khi Chaffin 19 tuổi. Ông qua đời năm 1985, khi mới 39 tuổi, vì biến chứng bệnh tiểu đường. Người Đức duy nhất không chào Hitler kiểu “phát xít”: Động tác chào “sieg heil” (có nghĩa “hoan nghênh chiến thắng”) được Đức Quốc xã áp dụng vào năm 1930, là bắt buộc đối với công dân Đức như một biểu tượng của lòng trung thành đối với Quốc trưởng và dân tộc. August Landmesser, một thành viên trung thành của Đức quốc xã, nhưng lại yêu Irma Eckler, một phụ nữ Do thái và đã cầu hôn bà năm 1935. Việc cầu hôn này bị phát hiện khiến Landmesser bị khai trừ khỏi đảng. Ngày 13/6/1936, trong lễ hạ thủy một tàu hải quân mới của Đức, ông chỉ khoanh tay trong khi cả một rừng người giơ tay chào chiến thắng Hitler. Hành động thách thức này khiến Landmesser nổi bật trong đám đông. Theo Brightside Tôi đã tạo danh sách meta bên dưới & nbsp; by & nbsp; thu thập hơn 22 danh sách & nbsp; với các tiêu đề như nhiếp ảnh đẹp nhất mọi thời đại, những bức ảnh tuyệt vời nhất từ trước đến nay, những bức ảnh quan trọng nhất, những bức ảnh mang tính biểu tượng nhất, & NBSP; những bức ảnh có ảnh hưởng nhất. Tôi cũng bao gồm các bức ảnh nổi bật trong một số lịch sử của sách nhiếp ảnh. & NBSP; Để đa dạng hóa danh sách, tôi cũng đã thu thập các danh sách các bức ảnh đẹp nhất trong các thể loại cụ thể, chẳng hạn như phóng sự ảnh, nhiếp ảnh đường phố, nhiếp ảnh thời trang, chân dung, chụp ảnh thiên nhiên và cảnh quan và chụp ảnh nghệ thuật. Sau đó, tôi đã biên soạn tất cả các danh sách thành một & nbsp; meta-list để xác định ảnh nào trong danh sách nhiều nhất. Bức ảnh được liệt kê nhiều nhất là trên 22 danh sách tôi tìm thấy. Danh sách dưới đây bao gồm mọi bức ảnh trên ít nhất ba trong số các danh sách ban đầu, được tổ chức theo cấp bậc (nghĩa là, với các bức ảnh trong danh sách nhiều nhất ở đầu). Các bức ảnh có cùng số lượng danh sách được tổ chức theo trình tự thời gian. & Nbsp; các tiêu đề trong văn bản), & nbsp; ngày (thường là ngày & nbsp; phơi sáng, nhưng đôi khi là ngày & nbsp; bản in) và tên của nhiếp ảnh gia. & nbsp; theo sau trong hầu hết các trường hợp. Lưu ý: Đây không phải là ý kiến cá nhân của tôi. & NBSP; Những bức ảnh được liệt kê nhiều nhất không nhất thiết là những bức ảnh đẹp nhất, chúng là những bức ảnh trong danh sách ảnh đẹp nhất trên mạng. Một vài cảnh báo: (1) một số hình ảnh có trong các danh sách này mô tả cái chết và các tình huống bi thảm khác và có thể gây rối; (2) Ảnh khỏa thân là một chủ đề khá phổ biến trong nhiếp ảnh nghệ thuật và thời trang. Tôi thấy một số nhiếp ảnh gia mô tả về phụ nữ là đối tượng hóa và sai lầm, nhưng bạn là thẩm phán. . Tôi tin rằng việc sử dụng các hình ảnh độ phân giải thấp hơn này thuộc học thuyết về sử dụng hợp lý và cũng phục vụ một mục đích giáo dục. & nbsp; Don Tiết quên nhấp vào các bức ảnh để phóng to chúng. Đối với một danh sách dài hơn với nhiều bức ảnh hơn, hãy đi đến nhiếp ảnh tốt nhất mọi thời đại: Thời gian I và Thời gian II, một cuộc khảo sát theo thời gian gồm hai phần về các bức ảnh trên hai hoặc nhiều danh sách được mô tả ở trên. & NBSP; Đối với một danh sách thời gian của các nhiếp ảnh gia tốt nhất và những bức ảnh đẹp nhất của họ, bao gồm cả chân dung của các nhiếp ảnh gia, hãy đến đây.Best Photography of All Time: Chronological I and Chronological II, a two-part chronological survey of photos on two or more of the lists described above. For a chronological list of the best photographers and their best photos, including portraits of the photographers, go here. Trên 22 người mẹ của Listsmigrant - Nipomo, California & NBSP; (1936) - Dorothea Lange Dorothea Lange đang làm việc như một nhiếp ảnh gia cho Cơ quan tái định cư Hoa Kỳ vào đầu năm 1936 khi bà đến thăm California để chụp ảnh những người lao động nông dân nhập cư. & NBSP; Thompson nói với Lange rằng cô đã 32 tuổi và cô, chồng và bảy đứa con của cô đã sống trên những loại rau mà họ có thể tìm thấy trên những cánh đồng xung quanh và một số con chim mà bọn trẻ đã giết. & NBSP; Lange đã sử dụng camera Graflex 4 x 5 cho bức ảnh bền bỉ này. Dorothea Lange was working as a photographer for the U.S. Resettlement Administration in early 1936 when she visited California to photograph migrant farm laborers. Lange met Florence Owens Thompson and her children in a migrant camp in Nipomo, California and took a series of photographs, including this iconic image of the Great Depression. Thompson told Lange she was 32 years old and that she, her husband and seven children had been living on what vegetables they could find in the surrounding fields and some birds that the children had killed. Lange used a 4 X 5 Graflex camera for this enduring shot. Trên 14 ListSview từ cửa sổ tại Le Gras (1826) - Nicéphore Niépce Quan điểm này từ cửa sổ của nhà phát minh Pháp & NBSP; Nicéphore Niépce được cho là bức ảnh vĩnh viễn đầu tiên từng được thực hiện. Quá trình & nbsp; Niépce có tên là Heliography liên quan đến việc thiết lập một camera Obscura trong cửa sổ nhà của anh ta ở Saint-Loup-de-Varennes và tập trung nó vào một tấm pewter có kích thước 6,4 inch x 8 inch mà anh ta phủ đầy bitum. & nbsp; sau khi tiếp xúc ít nhất tám giờ (một suy luận dựa trên ánh sáng mặt trời chiếu sáng cả hai bên đường), nhưng có thể miễn là vài ngày , trong khi bitum trong các khu vực tối bị cuốn trôi bằng dầu hoa oải hương trộn với dầu mỏ trắng. & nbsp; Không giống như những nỗ lực trước để chụp các hình ảnh được tạo ra bởi camera Obscura, bức ảnh kết quả là vĩnh viễn, mặc dù hình ảnh chỉ có thể nhìn thấy khi tấm pewter được giữ ở một góc. & nbsp; tấm biến mất vào khoảng năm 1905 nhưng được nhà sử học Helmut Gernsheim khám phá lại vào năm 1952. & nbsp; Gernsheim có một bản sao nhiếp ảnh hiện đại được thực hiện (làm hỏng bản gốc trong quá trình) và sau đó chỉnh sửa rất nhiều để tạo ra hình ảnh được hiển thị ở trên. & nbsp; Tấm máy bay trực tiếp ban đầu & nbsp; (hiển thị bên dưới) hiện đang ở Trung tâm nghiên cứu nhân văn Harry Ransom tại Đại học Texas ở Austin. On 13 lists General Nguyen Ngoc Loan executing a Viet Cong prisoner in Saigon (1968) Associated Press photographer Eddie Adams, an American, won the 1969 Pulitzer Prize for Spot News Photography and a World Press Photo award for this photo of South Vietnamese police chief General Nguyễn Ngọc Loan executing Viet Cong prisoner Nguyễn Văn Lém on a street in the Cholon section of Saigon, on February 1, 1968, at the beginning of the Tet Offensive. Adams was photographing the prisoner and his captors when General Loan approached and pointed a gun at the prisoner’s head, as was common during interrogations. Instead of using the gun as a threat, Loan suddenly shot and killed Lem there on the street. NBC-TV captured the event on video. The photo by Adams spread around the globe almost instantly. Although the Vietcong prisoner was accused of killing civilians as part of a ‘revenge squad’, the photograph destroyed the reputation of General Nguyễn Ngọc Loan, so much so that Adams wrote in Time magazine, “The general killed the Vietcong, but I killed the general with my camera.” On 12 lists When American photographer Alfred Stieglitz and his family traveled to Europe in a first class berth on the SS Kaiser Wilhelm II in 1907, the movement known as pictorialism had dominated photography for several decades. Pictorialists believed that photographs could become art, but only through the skillful manipulations of the artist at all stages of the photographic process. Straight photography, is it was known, was merely scientific representation of reality, with no artistic mediator. Pictorialist photos were rarely in sharp focus, and tended to have the quality of perfectly-composed paintings. Some pictorialists went even further and constructed artistic photographs by using multiple negatives. A gallery owner and magazine editor, Stieglitz was a major force behind the notion that photography could be art and was considered a pictorialist in 1907. Yet his photo of the steerage section of the Kaiser Wilhelm, with its sharp details and attention to structural lines, is anything but pictorialist. Instead, The Steerage eventually became evidence that straight photography could also be artistic. Stieglitz himself did not immediately recognize the importance of his watershed image – it was only four years later, in 1911, that he published it in one of his photography magazines. He published it again in 1913 and by 1915 devoted a whole issue of 291 magazine to The Steerage. By that time, the tide had begun to turn away from pictorialism and toward straight photography. On 11 lists One of the earliest images produced by French photography pioneer Louis Daguerre is this 1838 daguerreotype of the Boulevard du Temple, a busy Paris street. It is not only one of the first photographs but is also probably the first time the new medium captured the image of a human being. The process Daguerre invented after the death of his mentor, Nicéphore Niépce, involved coating a thin silver-plated copper sheet with light-sensitive silver iodide and then exposing the plate in the camera. At first, exposure times were ten minutes or more, but over time, Daguerre was able to reduce the time to a few seconds. Daugerreotypes were known for their extremely detailed and realistic images in contrast to the grainy and fuzzy pictures resulting from other early photographic processes. Drawbacks of the process were that multiple prints could not be made from an exposure, and the images degraded by contact with air or by any scratching or friction. The Boulevard du Temple daugerreotype required a 10-minute exposure, which means that most pedestrians and carriages did not stand still long enough to be recorded, creating the illusion of a ghostly barren thoroughfare. The exception, in the lower left, is the man getting his shoes shined – he stood still long enough to register on film and in history as the first photographed human. A Harvest of Death, Battlefield of Gettysburg (1863) – Timothy H. O’Sullivan The Battle of Gettysburg, a turning point in the American Civil War, raged from July 1-3, 1863. Just two days later, photographers Alexander Gardner and Timothy O’Sullivan arrived at battlefields that were still covered with the dead. Irish-born O’Sullivan had left Matthew Brady’s studio to work for Scottish-born Gardner, another Brady alumnus. His photo A Harvest of Death, taken July 5 or 6, became one of over 50 of his images reproduced in Gardner’s Photographic Sketch Book of the War (1866). We see Union and Confederate dead lying as they fell, with missing shoes and rifled pockets a sign that survivors had already come and taken anything they could make use of. The bloating of the corpses in the July sun has caused buttons to pop and clothing to open. Gardner’s original caption stated, in part, “It was, indeed, a ‘harvest of death’ … Such a picture conveys a useful moral: It shows the blank horror and reality of war, in opposition to its pageantry. Here are the dreadful details! Let them aid in preventing such another calamity falling upon the nation.” O’Sullivan used the collodion wet plate process, which by then had mostly replaced daugerreotypes, and Gardner made an albumen silver print for use in the Sketch Book. V-J Day in Times Square “The Kiss” (1945) – Alfred Eisenstaedt Born to a Jewish family in Germany, Alfred Eisenstaedt began his photography career as a Berlin freelancer in 1928, going full-time a year later. Before he emigrated to the US in 1935, Eisenstaedt had photographed, among others, Hitler, Goebbels and Mussolini. From his new home in New York City, he worked for Life magazine from 1936 to 1972, and saw 90 of his photographs featured on the cover of that highly-regarded publication. Eisenstaedt’s most famous Life photo was V-J Day in Times Square, also known as The Kiss, which shows an American sailor kissing a woman in a nurse’s white dress on August 14, 1945, the day Japan surrendered and World War II ended. Eisenstaedt used a Leica IIIa camera to capture the dark-and-light contrasting couple (if the sailor had worn white, Eisenstaedt said later, he wouldn’t have snapped the shutter). He was unable to obtain the names of the kisser and kissee; over the years, several people claimed to be the subjects. While most viewing the photo find that it expresses the joy and exuberance of the moment the war years ended, others have expressed concern that the sailor may be committing a socially-sanctioned sexual assault on the nurse, a view that may find unintentional support in the original Life photo caption: “In the middle of New York’s Times Square a white-clad girl clutches her purse and skirt as an uninhibited sailor plants his lips squarely on hers.” On 10 lists Gandhi at his Spinning Wheel (1946) – Margaret Bourke-White In early 1946, as Indian independence (and the tragic Partition that followed) loomed on the horizon, Life magazine sent star photographer Margaret Bourke-White to photograph India’s leaders, including Mohandas K. Gandhi. Gandhi was living in a communal ashram, and all members were required to spin thread. When Bourne-White asked to photograph Gandhi at his spinning wheel, he encouraged her to learn to spin first. (A photo of Bourke-White with a loom – see below – provides evidence that she followed the suggestion.) The famous photo actually depicts Gandhi not during but shortly after his early morning spinning session, while he is reviewing some documents. Life did not publish the photo with the article it was taken for, but first used it to illustrate a shorter piece later in 1946. It was only the prominent use of the photo in Life’s 1948 spread on Gandhi’s assassination that established its iconic status. Guerrillero
Heroico (1960) – Alberto Korda On March 4, 1960, the French ship La Coubre exploded in Havana harbor in Cuba under suspicious circumstances, killing nearly 100 people and injuring many more. Cuban President Fidel Castro blamed the American CIA and scheduled a memorial service the next day at Colón Cemetery. Among those attending were Castro’s official photographer, Alberto Korda, and Cuban revolutionary leader Che Guevara, who was then serving as Minister of Industry. Korda was using a Leica M2 camera with a 90 mm lens and Kodak Plus-X pan film to photograph the event. Guevara only came into Korda’s sight for a few seconds, and he snapped two shots of him, one framed by a palm tree and the profile of another mourner. Korda cropped out the framing images to create the timeless portrait known the world over, revealing Guevara’s anger, pain and implacability (see image above). In 1986, photographer José Figueroa suggested printing the original uncropped shot (shown below) as well as the cropped version. The photograph has its own film documentary, Chevolution (2008), and book, Che’s Afterlife: The Legacy of an Image (2009), by Michael Casey. Vietnamese Children after Napalm Attack (1972) –
Huynh Cong “Nick” Ut On 9 lists The Open Door is a landmark photo by English photography pioneer William Henry Fox Talbot. Talbot invented the calotype process, in which multiple positive images could be printed from one negative, which eventually replaced daguerreotypes. The Open Door, which appeared in The Pencil of Nature, the first commercially published photography book, is significant for several reasons. First, the lowly subject matter of the photograph – a barn door and a servant’s broom – contrasts significantly with the highbrow subjects that Talbot and others normally aimed their cameras at: monuments, cathedrals and spectacular scenery. The Open Door is a recognition that even the most quotidian subjects may capture the photographer’s eye and offer something new to the viewer. In addition to opening up new subject matter for photographers, The Open Door opened a door to a new aesthetic sensibility. This is perhaps the first photograph in which a setting was deliberately arranged for artistic effect. Talbot has opened the door of the farm building, hung a lantern and propped a broom against the wall. He also appears to have chosen the time of day to enhance the contrast of light and shadow and the view of the window in the back of the room. Instead of treating the camera as a mindless machine simply replicating what happens to be in front of it, Talbot saw the potential of photography as an artistic endeavor, with the conscious input of the artist. As viewers, we appreciate the contrast of light and dark, sun and shadow, indoors and outdoors, and the many textures presented. We also wonder where the sweeper has gone, and when he or she is coming back. Talbot’s photo was a precursor of pictorialism, the late 19th-early 20th century movement that sought to make photography an art (like painting) by emphasizing the conscious manipulations of the artist over the chance effects of ‘straight’ photography. Những người lính Liên Xô giơ cờ Liên Xô trên Reichstag ở Berlin (1945) - Yevgeny Khaldei là Chiến tranh thế giới thứ hai ở châu Âu đã gần kết thúc và quân đội Liên Xô đã vào Berlin, Josef Stalin đã hướng dẫn nhiếp ảnh gia Tass Yevgeni Khaldei tạo ra một hình ảnh cho ảnh của người Mỹ -Rausing tại Iwo Jima. Truyền thuyết kể rằng Khaldei đã bay trở lại Moscow nhưng không thể tìm thấy bất kỳ lá cờ nào, vì vậy anh ta đã mượn ba chiếc khăn trải bàn màu đỏ từ một tòa nhà chính phủ và có một người chú được may trên búa và liềm. Trở lại Berlin bị chiến tranh tàn phá, Khaldei đã tổ chức các cuộc đua cờ tại sân bay Templehof và Cổng Brandenburg, nhưng không tạo ra một hình ảnh mạnh mẽ. Sau đó, ông chuyển sang tòa nhà Reichstag, một biểu tượng cho nhiều quyền lực của Đức Quốc xã (mặc dù Hitler coi đó là biểu tượng của Cộng hòa yếu đuối, ông đã thay thế và đã tắt nó xuống & NBSP; vào năm 1933). Những người lính Liên Xô đã giương cờ trên Reichstag vào ngày 30 tháng 4 năm 1945, nhưng đã quá muộn trong ngày cho hình ảnh. Khi chiến đấu vào ngày hôm sau, quân đội Đức đã gỡ cờ. Vào ngày 2 tháng 5, Liên Xô đã giành được toàn quyền kiểm soát tòa nhà và Khaldei trèo lên đỉnh với một lá cờ và ba người lính, nơi anh ta đã chiếm được một hình ảnh vượt thời gian về thất bại của Đức Quốc xã. Trước khi bức ảnh được & nbsp; được xuất bản trên một tạp chí Liên Xô, Khaldei đã được lệnh thay đổi bức ảnh theo hai cách: & nbsp; anh ta đã xóa nhiều chiếc đồng hồ trên một cánh tay của người lính (bằng chứng cướp bóc) và thêm khói ấn tượng hơn trong nền. (1945) – Yevgeny Khaldei Bản thân của nhà sư Việt Nam (1963)-Tổng thống Malcolm Brownevietye NGO Dinh Diem là một người Công giáo có sự đàn áp của đa số Phật giáo đã đạt đến một cuộc tấn công của chín người biểu tình Phật giáo trong một cuộc diễu hành hòa bình vào ngày 8 tháng 5 năm 1963. & NBSP; Các vụ giết người, các nhà sư Phật giáo bắt đầu tổ chức các cuộc biểu tình. & nbsp; Nhiếp ảnh gia AP Malcolm Browne nhận được thông báo về một cuộc biểu tình quan trọng sẽ diễn ra vào ngày 11 tháng 6 năm 1963. & nbsp; Khi ông đến, ông là nhà báo phương Tây duy nhất có mặt khi Phật giáo Monk Thom Xăng trên anh ta và đốt anh ta. Sử dụng một chiếc máy ảnh giá rẻ của Nhật Bản có tên A & NBSP; Petri, Browne đã quay 10 cuộn phim trong khi nhà sư bị đốt, sau đó có bộ phim được gửi đến trụ sở AP. & nbsp; Bắn giành giải thưởng Pulitzer ở trên được chọn bởi các biên tập viên AP, người sau đó đã gửi nó ra dây, từ đó các tờ báo trên toàn thế giới in nó vào ngày 12 tháng 6 năm 1963. & NBSP; Xem bên dưới.) & NBSP; Không phải mọi tờ báo đều chạy bức ảnh: Thời báo New York từ chối xuất bản Browne, bắn trên cơ sở rằng nó quá khủng khiếp. (1963) – Malcolm Browne Vietnamese president Ngo Dinh Diem was a Catholic whose repression of the Buddhist majority reached a crescendo with the killing of nine Buddhist protesters during a peace march on May 8, 1963. As a result of the killings, Buddhist monks began to organize protests. AP photographer Malcolm Browne received notice of an important protest to take place on June 11, 1963. When he arrived, he was the only Western journalist present as Buddhist monk Thich Quang Duc sat down in a Saigon intersection while other monks poured gasoline on him and set him on fire. Using a cheap Japanese camera called a Petri, Browne shot 10 rolls of film while the monk burned, then had the film sent to AP headquarters. The Pulitzer Prize winning shot above was chosen by AP editors, who then sent it out on the wire, from which newspapers all over the world printed it on June 12, 1963. (Another, somewhat different shot was also published – see below.) Not every paper ran the photo: the New York Times declined to publish Browne’s shot on the grounds that it was too grisly. Afghanistan Girl (1985) - Steve McCurrying về cuộc xâm lược của Liên Xô ở Afghanistan, một cô gái trẻ người Pashtun, cha mẹ đã bị giết, vì vậy cô, anh trai và bà của cô đi bộ nhiều dặm đến một trại tị nạn ở Pakistan lân cận. Năm 1984, cô gái, sau đó khoảng 12 tuổi, đang theo học một trường tạm thời khi nhiếp ảnh gia người Mỹ Steve McCurry chụp bức ảnh của mình cho một bài tập của tạp chí Địa lý quốc gia. Chỉ sau khi McCurry phát triển bộ phim, anh mới nhận ra sức mạnh của bức chân dung cô gái, với đôi mắt màu xanh lá cây xuyên qua của cô nhìn thẳng vào máy ảnh. Bức ảnh có tựa đề Afghanistan Girl, được trang bị trang bìa National Geographic tháng 6 năm 1985, và trở thành một trong những bức ảnh phổ biến nhất trong lịch sử tạp chí. Vào năm 2002, sau khi Mỹ xâm chiếm Afghanistan và bị phế truất & nbsp; Taliban, tạp chí đã gửi McCurry và một nhóm để cố gắng tìm cô gái Afghanistan. Sau nhiều người dẫn dắt sai, họ đã tìm thấy cô-giờ là một bà mẹ ba tuổi 30 tuổi có cuộc sống khó khăn trên khuôn mặt và người không biết rằng bức ảnh của cô nổi tiếng (xem ảnh dưới đây). (1985) – Steve McCurry During the Soviet invasion of Afghanistan, a young Pashtun girl’s parents were killed, so she, her brother and grandmother walked many miles to a refugee camp in neighboring Pakistan. In 1984, the girl, then about 12 years old, was attending a makeshift school when American photographer Steve McCurry took her picture for a National Geographic magazine assignment. It was only after McCurry developed the film that he realized the power of the girl’s portrait, with her piercing green eyes looking right into the camera. The photo, titled Afghan Girl, graced the June 1985 cover of National Geographic, and became one of the most popular photos in the magazine’s history. In 2002, after the US invaded Afghanistan and deposed the Taliban, the magazine sent McCurry and a team to try to find the Afghan girl. After many false leads, they found her – now a 30-year old mother of three whose hard life showed on her face and who had no idea that her photograph was famous (see photo below). Trong 8 danh sách Le Violon DiênIngres (1924)-Man Rayman Ray (1890-1976), sinh ra Emmanuel Radnitzky, là một nghệ sĩ người Mỹ hiện đại làm việc ở Paris, chủ yếu là một nhiếp ảnh gia, và tác phẩm của họ có liên quan đến chủ nghĩa siêu thực và Dada. Le Violon D'Ingres có nghĩa là hoạt động ở nhiều cấp độ. đã vẽ các lỗ của một cây đàn violin lên bức ảnh, sau đó chụp lại nó, để ngụ ý rằng thân hình dường như không có cánh tay của Kiki thực sự là & một nhạc cụ. Đối với những nhân vật khỏa thân của anh ta, với những đường cong dài và quanh co của họ. Cụm từ, Le Le Violon DiênIngres, cũng là một thành ngữ của Pháp cho ‘Sở thích dựa trên sự yêu thích của Ingres, vì đã chơi violin. Do đó, & nbsp; bức ảnh ngụ ý rằng, trong khi sở thích của Ingres, đang chơi violin, người đàn ông Ray, là & nbsp; ‘chơi trò chơi & nbsp; Kiki. Man Ray (1890-1976), born Emmanuel Radnitzky, was a modernist American artist who worked in Paris, primarily as a photographer, and whose work was associated with Surrealism and Dada. Le Violon d’Ingres is meant to operate on several levels. It is a semi-nude portrait of famous Paris model Kiki de Montparnasse, with a turban and towel, seen from behind. But Man Ray has painted the f-holes of a violin onto the photograph, then re-photographed it, to imply that Kiki’s seemingly armless torso is actually a musical instrument. The title refers to the painter Jean-Auguste-Dominique Ingres, known for his nude figures, with their long and winding curves. The phrase “Le Violon d’Ingres” is also a French idiom for ‘hobby’ based on Ingres’s fondness for playing the violin. Thus, the photo implies that, while Ingres’s hobby was playing the violin, Man Ray’s is ‘playing’ Kiki. Pepper No. 30 (1930) – Edward Weston In the 1920s, American photographer Edward Weston began photographing what he called ‘still lifes’ – mostly shells, vegetables and fruits. He first photographed a green pepper in 1927, and made 26 pepper photos in 1929. Weston later wrote that peppers had “endless variety in form manifestations [and] extraordinary surface texture” and he admired “the power … suggested in their amazing convolutions.” In early August 1930, Weston tried something new: instead of his usual burlap or muslin background, he placed a pepper just inside the opening of a large tin funnel. The funnel was, he said, “a perfect relief for the pepper” by “adding reflecting light to important contours.” Weston made a six-minute exposure using a Zeiss 21 cm. lens on an Ansco 8 X 10 Commercial View camera. Of all the pepper photographs Weston took, it was Pepper Number 30, with its curves and contours, light and shadows, and even a small blemish at the lower right, that has received the most regard. Random Trivia: Legend has it that after Weston finally obtained the shot he wanted, he cut up the pepper and added it to a salad for dinner with his family. Raising the Flag on Iwo Jima (1945) – Joe Rosenthal The United States invaded the Japanese Pacific island of Iwo Jima on February 19, 1945. By February 23, US Armed Forces had captured Mount Suribachi, the highest point on the island, and raised a small American flag there. Soon afterward, the troops were instructed to replace the small flag with a larger one. This time, Associated Press photograph Joe Rosenthal captured the flag raising using a Speed Graphic camera set to a shutter speed of 1/400 sec. Rosenthal had set his camera down to pile some rocks to stand on when he saw the raising begin out of the corner of his eye and quickly took the photo without looking in the viewfinder. The photo shows five Marines and a Navy corpsman raising the flag. Three of the Marines died in fighting over the next few days. The other three flagraisers returned to the US as celebrities to participate in fundraising for the war effort, an experience related in the book and movie Flags of Our Fathers. The image won Rosenthal the Pulitzer Prize and formed the basis for the Marine Corps War Memorial in Washington, D.C., which was sculpted by Felix de Weldon in 1954 (see below). The Family, Luzzara, Italy (1953) – Paul Strand After helping to found modernist photography with his formalist, quasi-abstract compositions of lines and shadows in the 1910s, Paul Strand’s interests evolved toward portraiture and the more traditional cultures of Europe. In the 1950s, he moved to France. In 1953, Strand traveled to the town of Luzzara in northern Italy’s Po River valley for several months. While there, he spent time with the Lusettis, a family of tenant farmers. The Family is a portrait of the Lusetti widow matriarch with several of her eight living sons in front of their modest house. Note how all the subjects’ heads are in nearly the same plane but most of the men are not looking at the camera. Also note how the bicycle wheel is echoed in the windows over the door and at the back of the house. Strand took another version of the shot without the man standing in the doorway but this version received more praise. Earthrise (1968) – William Anders On December 24, 1968, the Apollo 8 spacecraft was orbiting the Moon with three American astronauts aboard, when one of the men, William Anders, took of photograph of the Earth rising over the moon. Anders used a modified Hasselblad 500 EL with 70 mm Ektachrome film. The blue marble that is our planet appears both beautiful and fragile in the desolation of space. Wilderness photographer Galen Rowell called Earthrise “the most influential environmental photograph ever taken.” The U.S. Postal Service used a detail of the photo for a 1969 postage stamp. Vulture Stalking a Child – Sudan Famine (1994) – Kevin Carter Shortly after arriving in southern Sudan in March 1993 during a famine, South African photographer Kevin Carter observed a hooded vulture standing near a starving Sudanese child, waiting for her to die. Carter took this Pulitzer Prize winning photo of predator and human prey that has become a symbol of the despair and misery of Third World famine. When the photo was taken, the child’s parents had left their daughter to get food from a relief plane that had just landed. The little girl eventually got up and walked away after Carter shooed away the vulture, although no one knows her ultimate fate. Carter was haunted by the event and, despite instructions not to touch famine victims (to avoid spreading disease), he regretted not doing more for the girl. The picture ran in The New York Times on March 26, 1993. While many praised the photo for bringing attention to the famine, some editorials castigated Carter as a heartless journalist who was just ‘another vulture.’ On July 27, 1994, three months after winning the Pulitzer Prize, the 34-year-old Carter, who suffered from depression, committed suicide. On 7 lists Gaspard-Félix Tournachon, known by his professional name of Nadar, was a French photographer best known for his portraits of the rich and famous. The renowned actress Sarah Bernhardt was one of his most-photographed subjects. While the much-sought-after Nadar left the day-to-day work to his assistants, a visit from someone like Bernhardt brought the great photographer himself out from his backroom office. The photo above comes from an 1865 portrait session, in which Nadar dressed the 23-year-old Bernhardt in classical robes, leaning on a column, suggesting that she transcends time and belongs to the ages. He manages to show his subject’s youthful beauty while giving her a timeless look, bringing out her theatrical essence, but also the vulnerability of a young woman near the beginning of what would be a long career. For a contrasting look, see Nadar’s more contemporary portrait of Bernhardt from one year earlier, where he wraps her in dark velvet and turns her head away from the camera. Sadie Pfeifer. 48 inches tall. Has worked half a year. Lancaster Cotton Mills, South As the photographer for the US National Child Labor Committee, Lewis Hine’s assignment was to capture in photographs the truth about child labor in the United States in the early years of the 20th Century. He traveled all over the US, documenting children working in factories, mills and mines, as paperboys and in all-night bowling alleys. The photographs were instrumental in the passage of child labor laws. Here, Hine shows a young girl in a tattered dress working in a South Carolina cotton mill. Hine composes the shot so that the huge machines and factory walls dwarf the girl and her co-worker. Wall Street (1915) – Paul Strand By 1915, American photographer Paul Strand, like his mentor Alfred Stieglitz, was moving away from pictorialism and towards the modernist mode of straight photography. He also came under the influence of Lewis Hine, who saw photography as a tool of social justice. Wall Street shows the impact of both influences. Strand captures a nearly abstract scene of anonymous workers, dragging long shadows behind them as they rush past a monumental structure – the recently erected J.P. Morgan Trust Company building at 23 Wall Street – that seems to dwarf them. Strand’s formal emphasis on lines and shapes, light and shadow, is very modernist, as is the candid, unposed nature of the shot. But beneath the abstraction is a social message about the way that capitalism turns individual humans into anonymous cogs in the money-making machinery. The dark rectangles in the bank’s facade not only create a dramatic chiaroscuro effect but also loom as caverns that might swallow up the tiny workers passing by, or hide the nefarious doings of the capitalists inside those impenetrable walls. The Lynching of Young Blacks – Indiana (1930) – Lawrence Beitler On August 6, 1930, in Marion, Indiana, three young black men – Thomas Shipp, Abram Smith and James Cameron – were arrested and charged with murdering a white man and raping his girlfriend (who later recanted her accusation). The next night, a mob broke into the jail and dragged them out. Cameron was able to escape, but the lynch mob killed the other two men by hanging them from a tree. Lawrence Beitler, a local studio photographer, took a photograph of the hanging men, surrounded by the gleeful mob. Beitler sold thousands of copies of the picture over the next 10 days. When Abel Meeropol saw a copy of the photo in 1937, it inspired him to write the poem “Bitter Fruit”, later adapted into the Billie Holiday song, “Strange Fruit.” James Cameron, who escaped the lynching, became a civil rights activist and director of the Black Holocaust Museum. No one has ever been charged in the deaths of Shipp and Smith. Behind the Gare Saint-Lazare, Place de l’Europe (1932) – Henri
Cartier-Bresson French street photographer Henri Cartier-Bresson almost never cropped his photos as a matter of principle, but in this case, he was looking through a hole in a fence that was not quite large enough for the lens of his Leica camera, so he found it necessary to crop the left side of the image, which was blocked by the fence. In other respects, the photograph is the quintessential example of Cartier-Bresson’s philosophy of finding ‘the decisive moment’ when subject and composition come together to create memorable images. Here, we see the puddle-jumper blurred in motion, suspended over water and his own reflection, while a circus poster behind him (also reflected) echoes his jumping stance. The title, which refers to a train station, is echoed by the name on the poster, which contains the English word ‘rail’, and the train-track appearance of the ladder from which the man has jumped. Within the borders of the frame, Cartier-Bresson gives us the sense of a moment frozen in time, yet filled with potentiality. Chân dung Winston Churchill & nbsp; Hồi The Roared Lion Hồi (1941)-Chính phủ Canada Yousuf Karshthe đã thuê nhiếp ảnh gia người Canada gốc Thổ Nhĩ Kỳ Yousuf Karsh chụp ảnh Thủ tướng Anh Winston Churchill 30, 1941, trong sâu thẳm của Thế chiến II. & nbsp; Khi Churchill đến, điếu xì gà trong miệng, anh ta nói với Karsh rằng anh ta chỉ có hai phút để chụp ảnh. & nbsp; Karsh yêu cầu Churchill đưa điếu xì gà ra ngoài để chụp ảnh, nhưng Churchill đã từ chối. Trong một cuộc biểu tình về lòng can đảm thô, Karsh sau đó bước đến Churchill, nói, Tha thứ cho tôi, thưa ngài và rút điếu xì gà ra khỏi miệng. Karsh quay trở lại máy ảnh để đối mặt với một Churchill không có điếu xì gà hiếu chiến, và chụp bức chân dung nổi tiếng tượng trưng cho sự thách thức của người Anh đối với Đức quốc xã và tạo ra trang bìa của tạp chí Life. & nbsp; Churchill sau đó bắt tay Karsh, và nói với anh ta rằng, bạn thậm chí có thể làm cho một con sư tử gầm rú đứng yên để được chụp ảnh, sau đó Karsh có tựa đề là bức chân dung, con sư tử gầm. “The Roaring Lion” (1941) – Yousuf Karsh The Canadian government hired Turkish-born Armenian-Canadian photographer Yousuf Karsh to photograph British Prime Minister Winston Churchill when he came to Ottawa to speak to the Canadian House of Commons on December 30, 1941, in the depths of World War II. When Churchill arrived, cigar in mouth, he brusquely told Karsh that he had only two minutes to take the picture. Karsh asked Churchill to take the cigar out for the photo, but Churchill refused. In a demonstration of raw courage, Karsh then walked up to Churchill, said, “Forgive me, sir” and pulled the cigar out of his mouth. Karsh went back to the camera to face a belligerent cigar-less Churchill, and snapped the famous portrait that symbolized British defiance of the Nazis and made the cover of Life magazine. Churchill later shook Karsh’s hand and told him, “You can even make a roaring lion stand still to be photographed”, after which Karsh titled the portrait, The Roaring Lion. Ruby bắn Oswald (1963) - Bob Jacksonon ngày 24 tháng 11 năm 1963, Dallas Times Nhiếp ảnh gia Herald Bob Jackson đang chờ nghi ngờ Assassin Lee Harvey bị nghi ngờ được chuyển từ nhà tù thành phố đến nhà tù quận khi một phóng viên từ tờ giấy nói với anh ta đã nói với anh ta Được chỉ định lại để đưa tin về một cuộc họp báo tại Bệnh viện Parkland, nơi vợ của Thống đốc John Connally, Nellie dự định nói. May mắn cho phóng viên ảnh, Jackson, người đã đi trong đoàn xe hai ngày trước đó và bỏ lỡ những cảnh sát của Kennedy, vì anh ta đã rời khỏi phim, đã bỏ qua các hướng dẫn. Vài phút sau, Oswald đi ra và chủ hộp đêm địa phương Jack Ruby đã lao về phía anh ta bằng một khẩu súng lục. Nhiếp ảnh gia Jackson và Dallas Morning News Jack Beers cả hai đều bị gãy & nbsp; cửa chớp của họ. & nbsp; không ai biết họ có gì cho đến khi họ quay trở lại phòng tối của họ và phát triển bộ phim. Các loại bia đã nhận được sự đột biến của Ruby, với phần còn lại của đám đông vẫn không biết, nhưng bức ảnh giành giải thưởng Jackson Jackson Pulitzer, đã chụp 6/10 giây sau khi bia, đã chụp được phản ứng của Oswald khi viên đạn tấn công anh ta và trở thành biểu tượng ngay lập tức. Bản in gốc, được hiển thị bên dưới, đã được cắt xén đáng kể để tạo ra hình ảnh quen thuộc ở trên. Trivia ngẫu nhiên: Một số thủ thuật Internet đã thao túng bức ảnh trong một & nbsp; văn hóa nhạc pop không liên quan & nbsp; nhại (có thể hài hước hoặc trong mùi vị xấu, tùy thuộc vào sự nhạy cảm của bạn), bằng cách thêm các nhạc cụ & nbsp; và biến đổi & nbsp; Cảnh sát trưởng trên bàn phím và giọng hát chính hát Oswald. & NBSP; (1963) – Bob Jackson On November 24, 1963, Dallas Times Herald photographer Bob Jackson was waiting for suspected JFK assassin Lee Harvey Oswald to be transferred from the city jail to the county jail when a reporter from the paper told him he had been reassigned to cover a press conference at Parkland Hospital, where Gov. John Connally’s wife Nellie was due to speak. Fortunately for photojournalism, Jackson, who had been riding in the motorcade two days before and missed shots of Kennedy’s assassination because he was out of film, disregarded the instructions. A few minutes later, Oswald came out and local nightclub owner Jack Ruby surged toward him with a pistol. Jackson and Dallas Morning News photographer Jack Beers both snapped their shutters. Neither one knew what they had until they went back to their darkrooms and developed the film. Beers got Ruby’s surge, with the rest of the crowd still unaware, but Jackson’s Pulitzer Prize winning photograph, snapped 6/10 sec after Beers’, captured Oswald’s reaction as the bullet hit him and became instantly iconic. The original print, shown below, was cropped considerably to create the familiar image above. Random Trivia: Some Internet trickster has manipulated the photo in an irreverent pop culture parody (either funny or in bad taste, depending on your sensibilities), by adding instruments and morphing the murder into a rock concert, with guitarist Ruby, the sheriff on keyboards and Oswald singing lead vocals. Tank Man & nbsp; (1989)- Jeff Widenerthere là một số hình ảnh tương tự & nbsp; Các cuộc biểu tình của nền dân chủ trong đó hàng trăm ngàn công dân chiếm đóng & NBSP; Quảng trường trung tâm của Bắc Kinh trong vài tuần vào mùa xuân năm 1989. & nbsp; người đàn ông không xác định đã đứng trước các xe tăng của chính phủ để ngăn họ tiến lên. Khi xe tăng cố gắng di chuyển xung quanh anh ta, anh ta sẽ di chuyển để chặn chúng một lần nữa. Cuối cùng, ai đó đã đưa người đàn ông sang một bên, và những chiếc xe tăng tiến hành. Nhiếp ảnh gia AP Jeff Widener cách đó khoảng nửa dặm, trên tầng sáu của khách sạn Bắc Kinh, vào thời điểm cuộc biểu tình của Tank Man. Anh ta đã sử dụng máy ảnh & NBSP của A & NBSP; với Nikkor 400mm 5.6 ED nếu ống kính và TC-301 Teleconverter và một cuộn phim âm Fuji 100 ASA màu. Hình ảnh về sự kiện của Stuart Franklin và Charlie Cole cũng nhận được sự chú ý rộng rãi, cũng như các video. (1989) – Jeff Widener There are several similar photos of the famous Tiananmen Square Tank Man by different photographers, all taken on June 4, 1989, the morning after the Chinese government had violently suppressed the massive pro-democracy protests in which hundreds of thousands of citizens occupied Beijing’s central square for several weeks in spring 1989. The unidentified man stood in front of the government tanks to stop them from going forward. When the tanks tried to move around him, he would move to block them again. Eventually, someone took the man aside, and the tanks proceeded. AP photographer Jeff Widener was about a half mile away, on the sixth floor of the Beijing Hotel, at the time of the Tank Man’s protest. He used a Nikon FE2 camera with a Nikkor 400mm 5.6 ED IF lens and TC-301 teleconverter and a roll of Fuji 100 ASA color negative film. Photographs of the event by Stuart Franklin and Charlie Cole also received wide attention, as did videos. Trên 6 danh sách chân dung của Louis Daguerre (1844)-Jean Baptiste Sabatier-Blotin 1844, khi nhiếp ảnh gia chân dung người Pháp (và sinh viên của Daguerre) & nbsp; Trong quá trình chụp ảnh thành công đầu tiên & nbsp; & nbsp; Daguerre bắt đầu làm việc với nhiếp ảnh với & nbsp; Chính phủ & nbsp; đổi lại cho anh ta một khoản trợ cấp trọn đời. Pháp & nbsp; sau đó đã phát hành quy trình ra thế giới không có bất kỳ bản quyền hoặc hạn chế nào. & NBSP; Daguerreotypes được biết đến với sự rõ ràng và trung thực cực độ của chúng với chủ đề, nhưng dễ dàng bị hư hại bởi ánh sáng hoặc cảm ứng và không tạo ra một hình ảnh có thể dễ dàng nhân đôi. & NBSP; Mặc dù phát minh ra các quá trình collodion và collodion ướt, Daguerreotypes vẫn phổ biến với các nhiếp ảnh gia chân dung châu Âu vào những năm 1850 - & NBSP; thậm chí còn lâu hơn ở Hoa Kỳ. In 1844, when French portrait photographer (and Daguerre’s student) Jean Baptiste Sabatier-Blot took this portrait, Louis Daguerre was world famous for his invention of the first successful photographic process. Daguerre began working on photography with Nicéphore Niépce in 1829 and continued after Niépce’s 1833 death, eventually developing the daguerreotype process, which he announced in 1839. Daguerre gave the rights to his invention to French government in return for granting him a lifetime pension. France then released the process to the world free of any copyrights or restrictions. Daguerreotypes were known for their extreme clarity and fidelity to the subject, but were easily damaged by light or touch and did not produce an image that could be easily duplicated. Despite the invention of the calotype and wet collodion processes, daguerreotypes remained popular with European portrait photographers into the 1850s – even longer in the United States. Hai cách sống (1857) - Oscar Gustav Rejlanderborn ở Thụy Điển, họa sĩ và nhiếp ảnh gia & NBSP; Oscar Gustav Rejlander đã dành phần lớn & nbsp; sự nghiệp của anh ta ở Pháp và Anh. Sau khi bắt đầu & nbsp; với tư cách là một họa sĩ, Rejlander & nbsp; trở nên bị thu hút bởi khả năng làm nghệ thuật với các bức ảnh. Ông được biết đến với những bức ảnh giống như hội chợ, giống như hội họa, thường kết hợp nhiều hơn một hình ảnh và là một người đề xuất ban đầu cho phong cách được gọi là chủ nghĩa hình ảnh. & nbsp; Nhiếp ảnh kết hợp thương hiệu của anh ấy & nbsp; bắt đầu khi, với tư cách là một nhiếp ảnh gia mới làm quen, Rejlander gặp khó khăn trong việc giữ tất cả các yếu tố của thành phần tập trung, vì vậy anh ấy đã tạo ra một tiêu cực riêng cho từng yếu tố và sau đó & nbsp; đã in chúng lại với nhau trong một quá trình photomontage phức tạp. & nbsp; Hai cách sống là tác phẩm nổi tiếng nhất của Rejlander. Sử dụng một tác phẩm phụ thuộc rất nhiều vào Raphael, Trường Athens, Rejlander mô tả một người cha (hoặc một nhà hiền triết) cho thấy hai anh em trẻ một sự lựa chọn giữa hai lối sống: & nbsp; Virtue ở bên phải và phó bên trái. Có lẽ vô tình, người anh em về phía Vice, với những người phụ nữ khỏa thân và hành vi mê hoặc, dường như quan tâm hơn người anh em có những thú vui tinh tế hơn. Điều dường như là một cảnh duy nhất & nbsp; thực sự là một đoạn phim liền mạch gồm 32 tiêu cực riêng biệt, một thực tế là & nbsp; cho phép & nbsp; Tuy nhiên, ảnh khoả thân đã gây tranh cãi, và một bảo tàng đã trưng bày bức ảnh với một bức màn trên & nbsp; bên trái. & nbsp; Phần lớn những lời chỉ trích lắng xuống sau khi Nữ hoàng Victoria mua một trong số ít các bản in làm quà tặng cho Hoàng tử Albert. & NBSP; (1857) – Oscar Gustav Rejlander Born in Sweden, painter and photographer Oscar Gustav Rejlander spent most of his career in France and England. After starting as a painter, Rejlander became entranced by the possibility of making art with photographs. He became known for allegorical, painting-like photos that often combined more than one image and was an early proponent of the style that became known as pictorialism. His trademark combination photography began when, as a novice photographer, Rejlander had difficulty keeping all the elements of the composition in focus, so he made a separate negative for each element and then printed them together in a complicated process of photomontage. Two Ways of Life was Rejlander’s best known work. Using a composition that relies heavily on Raphael’s The School of Athens, Rejlander depicts a father (or a sage) showing two young brothers a choice between two lifestyles: Virtue on the right and Vice on the left. Perhaps unintentionally, the brother on the side of Vice, with its nude women and lascivious behavior, seems more interested than the brother presented with the more refined pleasures of Virtue. What appears to be a single scene is actually a seamless montage of 32 separate negatives, a fact that allowed Rejlander to reassure his proper Victorian audience that the nude women and the men were never in the same room together. The nudity was controversial nonetheless, and one museum exhibited the photo with a curtain over the left side. Much of the criticism subsided after Queen Victoria purchased one of the few prints as a gift for Prince Albert. Power House Mechanic làm việc trên Steam Pump (1920) - Người Lewis Hineamericans mất hứng thú với lao động trẻ em sau Thế chiến I, vì vậy nhiếp ảnh gia Lewis Hine rời khỏi Ủy ban Lao động Trẻ em Quốc gia và bắt đầu làm việc cho các dự án khác. & nbsp; Bắt đầu từ năm 1919, ông bắt đầu tạo ra 'chân dung công việc', những bức ảnh nhằm nâng cao tầm vóc của công nhân công nghiệp. của các hình ảnh lao động trẻ em theo cách tiếp cận cách điệu hơn, với các hình ảnh được đặt ra và ánh sáng cẩn thận nhớ lại theo một số cách các công thức của chủ nghĩa hiện thực của Liên Xô. & nbsp; Ở đây, một công nhân linh cảm trước một máy tròn (bao quanh anh ta như một bụng mẹ), làm căng cơ của anh ta để di chuyển đai ốc bằng cờ lê của anh ta. & nbsp; anh ta đấu tranh với cỗ máy, nhưng anh ta dường như trở thành một phần của nó. & nbsp; Thông điệp là có nhân phẩm trong công việc khó khăn. (1920) – Lewis Hine Americans lost interest in child labor after World War I, so photographer Lewis Hine left the National Child Labor Committee and began to work on other projects. Beginning in 1919, he began to create ‘work portraits’, photographs intended to raise the stature of industrial workers. This shift in subject matter also brought about a change in photographic style, from the gritty realism of the child labor images to a more stylized approach, with posed figures and careful lighting that recall in some ways the formulas of Soviet Realism. Here, a worker hunches over in front of a circular machine (which encloses him like a womb), straining his muscles to move the nut with his wrench. He struggles with the machine, yet he seems to become part of it. The message is that there is dignity in hard work. Bãi biển Omaha, Normandy & NBSP; (1944)-Robert Capaon D-Day, ngày 6 tháng 6 năm 1944, nhiếp ảnh gia tạp chí Life Robert Capa đến Bãi biển Omaha ở Normandy, Pháp cùng với quân đội Mỹ xâm lược. & nbsp; Khi súng máy Đức bắn vào nước xung quanh anh ta, anh ta đã phơi bày ba cuộn phim & nbsp; khi anh ta & nbsp; chụp ảnh & nbsp; những người đàn ông chiến đấu và chết, sau đó trốn thoát & nbsp; đến London trên A & nbsp; trở về tàu. & nbsp; Có, một kỹ thuật viên phòng thí nghiệm quá mức đã phá hủy hầu hết các bộ phim quý giá; Capa đã có thể cứu vãn 11 tiêu cực, tất cả đều bị mờ đáng kể. . (1944) – Robert Capa On D-Day, June 6, 1944, Life magazine photographer Robert Capa arrived at Omaha Beach in Normandy, France along with the invading American troops. As German machine gun fire hit the water around him, he exposed three rolls of film as he photographed the men fighting and dying, then escaped to London on a returning ship. There, an overeager lab technician destroyed most of the precious film; Capa was able to salvage 11 negatives, all of which were significantly blurred. The best of the surviving photos shows an American GI lying on his belly in the surf, grim determination on his face, with the wreckage of war strewn about him. The accidental blurring of the image conveys a sense of agitated movement and the chaotic intensity of the D-Day landings, and it became an iconic portrait of the Normandy invasion. Bom nguyên tử trên Hiroshima & nbsp; (1945)-George R. Caronby ngày 6 tháng 8 năm 1945, dự án Manhattan đã sản xuất hai quả bom nguyên tử: Fat Man, một quả bom plutonium với cơ chế phát nổ kiểu nổ, và một cậu bé với một cơ chế phân hạch loại súng. Cả hai quả bom đã được vận chuyển đến Đảo Tinian ở Thái Bình Dương và & NBSP; Cậu bé được đưa lên một máy bay ném bom tên là Enola Gay, sau đó bay đến mục tiêu chính của nó, thành phố Hiroshima của Nhật Bản. Vào khoảng 8:15 sáng giờ Nhật Bản, phi hành đoàn đã thả quả bom từ 31.000 feet. Nó đã rơi trong 44 giây và phát nổ ở độ cao 1900 feet, giết chết 70.000 người ngay lập tức và phá hủy 69% các tòa nhà của thành phố. 70.000 người khác đã chết vì bỏng hoặc ngộ độc phóng xạ trong năm năm tới. Bức ảnh của đám mây nấm được chụp bởi & nbsp; nhân viên xạ thủ đuôi Sgt. George Caron, người nằm ở phía sau Enola Gay. Các bản sao của bức ảnh đã bị bỏ qua Nhật Bản trong những ngày tiếp theo như một cảnh báo và lời mời đầu hàng, điều này sẽ không đến sau khi Fat Boy rơi vào Nagasaki. & NBSP; (1945) – George R. Caron By August 6, 1945, the Manhattan Project had produced two atomic bombs: Fat Man, a plutonium bomb with an implosion-type detonation mechanism, and Little Boy, a uranium-235 bomb with a gun-type fission mechanism. Both bombs were transported to Tinian Island in the Pacific Ocean and Little Boy was loaded onto a bomber named Enola Gay, which then flew to its primary target, the Japanese city of Hiroshima. At about 8:15 a.m. Japanese time, the crew dropped the bomb from 31,000 feet. It fell for 44 seconds and detonated at 1900 feet, killing 70,000 people immediately and destroying 69% of the city’s buildings. Another 70,000 people died of burns or radiation poisoning in the next five years. The photo of the mushroom cloud was captured by tail gunner Staff Sgt. George Caron, who was situated in the rear of the Enola Gay. Copies of the photo were dropped over Japan in the next days as a warning and invitation to surrender, which would not come until after Fat Boy fell on Nagasaki. Einstein Sticks His Tongue Out (1951) – Arthur Sasse It was March 1951 and the paparazzi were hounding Albert Einstein on the night of his 72nd birthday celebration at Princeton’s Institute for Advanced Study. After the birthday banquet, the world-famous physicist walked back to a car with Dr. Frank Aydelotte and his wife, all the while being asked by photographers to smile for the camera. UPI photographer Arthur Sasse waited until Einstein and the Aydelottes were seated in the car to ask for a birthday smile. In response, the Nobel Prize winning genius stuck out his tongue for an instant, then quickly turned away. Quick on the shutter, Sasse got the shot that turned Einstein from a genius to a pop culture icon. Einstein liked the image so much that he cropped out his companions and sent the picture as a greeting card to friends. This cropped version continues to adorn t-shirts and other paraphernalia, reminding us that even geniuses have a sense of humor. Bolivian Army with the Corpse of Che Guevara (1967) – Freddy Alborta In 1967, Cuban revolutionary Che Guevara was fighting with Marxist insurgents in Bolivia when the CIA-trained Bolivian army captured and killed him. In a small mountain town they displayed his corpse for the press, including Bolivian photographer Freddy Alborta, whose portrait of Che in death was soon distributed around the world. The Bolivian government’s intent in parading the body before the cameras was to demonstrate their might but the photo, with its resemblance to paintings of the dead Christ, only furthered Che’s legend and made him a martyr to the cause. 5 Before Daguerre and his daguerrotypes, there was William Henry Fox Talbot. In 1835, he took a photograph of a latticed window at his Wiltshire home, Lacock Abbey. Setting the camera indoors, which permitted an uninterrupted long exposure, at a point where bright sunlight streamed through the window, led to Talbot’s first successful experiments. Talbot’s process created what we today call negatives, with the darks and lights reversed; the negative above, which is located in the National Media Museum in Bradford, England, is only about an inch square. The next phase, creating a positive print from the negative, was more troublesome. It wasn’t until 1839, about the same time that Daguerre was announcing the daguerreotype process, that Talbot figured out how to create permanent prints from his negatives in what became known as the calotype process. An print made in 1839 from Talbot’s 1835 Latticed Window at Lacock Abbey negative is shown below. Still Life: The Artist’s Studio (1837) – Louis Daguerre The Artist’s Studio is one of Louis Daguerre’s first daguerreotypes and is an early example of pictorialism, in which photographers sought to raise photography to the level of an art by imitating the look, style and genres (in this case, the still life) of the art of painting. The daguerrotype is now in the collection of the Societe Francaise de Photographie in Paris. Le Stryge (The Vampire) (1853) – Charles Nègre Photographers and friends, Charles Nègre and Henri Le Secq both loved Paris and Gothic architecture, so it is no surprise that they photographed each other on the parapets of Notre Dame Cathedral overlooking their beloved city. Nègre’s 1853 photo, made using the wet-plate calotype process, was never exhibited in his lifetime, but its value was recognized after his death. The photo has acquired the title Le Stryge (The Vampire), after an 1853 engraving of the same gargoyle by Charles Méryon (see below). Fading Away (1858) – Henry Peach Robinson A student of Oscar Gustaf Rejlander, British pictorialist photographer Henry Peach Robinson combined five different negatives to create a single print of the fictional deathbed scene he called Fading Away. The storytelling quality of the photo and the deep sentiment it aroused made it a bestseller for Robinson, who exhibited it at no fewer than five exhibitions in 1858-1859. But the subject matter – a young girl dying of tuberculosis – and the artificiality of the technique raised some criticisms, particularly from those who thought death was not a proper subject for photography. Once again, the royal family saved the day – Prince Albert purchased a copy and issued a standing order for every subsequent composite photo by Robinson. Tartan Ribbon (1861) – James Clerk Maxwell & Thomas Sutton James Clerk Maxwell, a Scottish scientist best known for his discovery that light, electricity and magnetism are all forms of the same energy, was also fascinated by the nature of color and in 1861 produced what is believed to be the first color photograph. Working with photographer Thomas Sutton, Maxwell photographed a tartan ribbon (a Scottish emblem) three times, each time with a different color filter (red, green and blue) over the lens. Maxwell and Sutton then developed the three images and projected them onto a screen with three different projectors, each with the same color filter used to take the picture. When brought into focus, the three images formed a full color image. Maxwell presented his discovery as an illustration for a lecture on color he gave at the Royal Institution in London. The Maxwell-Sutton separation process became the basis for most subsequent color photography. The original three plates are now located in a museum in the house where Maxwell was born in Edinburgh. Chân dung của Georges Sand (1864)-Nhiếp ảnh gia chân dung Nadarfbler Nadar đã chụp bức ảnh này của nhà văn người Pháp sung mãn George Sand (sinh ra Amantine-Lucile-Aaurore Dupin) vào năm 1864, khi cô 60 tuổi. & NBSP; Sand được biết đến với việc đẩy ranh giới của bản sắc giới tính bằng cách hút thuốc và mặc quần áo nam. & nbsp; mối quan hệ của cô với Frederic Chopin là huyền thoại. Bức ảnh được thực hiện bằng cách sử dụng quy trình WoodburyType mới được phát minh. (1864) – Nadar French portrait photographer Nadar took this photograph of prolific French writer George Sand (born Amantine-Lucile-Aurore Dupin) in 1864, when she was 60 years old. Sand was known for pushing the boundaries of gender identity by smoking and dressing in men’s clothes. Her affair with Frederic Chopin was legendary. The photograph was made using the newly invented woodburytype process. Thung lũng Yosemite từ General View & NBSP; (1866)-Carleton E. Watkinsamerican nhiếp ảnh gia Carleton Watkins rời studio của mình ở San Francisco nhiều lần để chụp ảnh Thung lũng Yosemite từ xa và ít bị khám phá. & nbsp; anh ta mang theo gần 2000 pound thiết bị bằng tàu Mule, bao gồm hai máy ảnh-một máy ảnh đã tạo ra các bức ảnh lập thể-đôi để xem trong các lập thể phổ biến-và một máy ảnh khác, một chiếc máy ảnh 'Mammoth' được chế tạo tùy chỉnh, giữ các bản âm của kính đo 18 bằng 22 inch. & nbsp; Những bức ảnh kết quả từ chuyến đi Yosemite đầu tiên của Watkins vào năm 1861 đã được thực hiện thành một cuốn sách phiên bản giới hạn được đưa đến bàn của Tổng thống & NBSP; và có khả năng ảnh hưởng đến quyết định của ông để đặt Thung lũng đầu tiên là vùng đất công cộng được bảo vệ đầu tiên trong The Hoa Kỳ vào năm 1864. & nbsp; Trong một chuyến trở về Yosemite vào năm 1866, Watkins đã thực hiện cú sút cổ điển này, trong Thác Yosemite (ở trung tâm), Thác cô dâu, Half Dome, El Capitan và Nhà thờ. Sử dụng một đối tượng tiền cảnh (ở đây, cây cao) để tương phản với nền tảng hùng vĩ là một kỹ thuật thương hiệu Watkins sẽ được Ansel Adams và những người khác áp dụng. (1866) – Carleton E. Watkins American photographer Carleton Watkins left his studio in San Francisco several times to photograph the remote and little-explored Yosemite Valley. He carried nearly 2000 pounds of equipment by mule train, including two cameras – one that made stereographs – double shots for viewing in the popular stereoscopes – and the other, a custom-built ‘mammoth’ camera that held glass plate negatives measuring 18 by 22 inches. The photos resulting from Watkins’ first Yosemite trek in 1861 were made into a limited edition book that made its way to the desk of President Lincoln, and likely influenced his decision to set aside the valley as the first protected public land in the U.S. in 1864. On a return trip to Yosemite in 1866, Watkins took this classic shot, which takes in Yosemite Falls (in the center), Bridal Veil Falls, Half Dome, El Capitan and Cathedral Rock. Using a foreground object (here, the tall tree) to contrast with the majestic background was a trademark Watkins technique that would be adopted by Ansel Adams and others. Núi Thánh giá (1873) - William Henry Jacksonin 1873, nhiếp ảnh gia người Mỹ William Henry Jackson đã đến Colorado để tìm một ngọn núi huyền thoại hiển thị một cây thánh giá tuyết. Jackson tìm thấy Núi Thánh Thánh ở High Rockies - đó là đầu mùa hè và tuyết vừa đủ tan chảy để cho phép tuyết còn lại trong các khe núi để tạo ra hình dạng của một cây thánh giá Kitô giáo. Jackson leo lên một ngọn núi khác để có được tốt nhất & nbsp; góc và ánh sáng sáng sớm và chụp tám bức ảnh, trong đó tốt nhất là & nbsp; hiển thị ở trên. & nbsp; bức ảnh đã xác nhận truyền thuyết. Trong những năm qua, Jackson đã trở lại vị trí trong nỗ lực nhân đôi hình ảnh, & nbsp; không thành công. (1873) – William Henry Jackson In 1873, American photographer William Henry Jackson went to Colorado to find a legendary mountain that displayed a cross of snow. Jackson found the Mount of the Holy Cross in the high Rockies – it was early summer and just enough snow had melted to allow the snow remaining in crossing ravines to create the shape of a Christian cross. Jackson climbed up another mountain to get the best angle and the early morning light and took eight photographs, the best of which is shown above. The photo confirmed the legend. Over the years, Jackson returned to the spot in an attempt to duplicate the image, without success. Nhìn xuống Phố Sacramento, San Francisco, ngày 18 tháng 4 năm 1906 & nbsp; (1906) - Động đất Arnold Genthethe San Francisco xảy ra vào lúc 5 giờ sáng ngày 18 tháng 4 năm 1906. Nhiếp ảnh gia Arnold Genthe's Studio và tất cả các máy ảnh bị phá hủy bởi Debris, Debris, Vì vậy, anh ấy đã đến cửa hàng máy ảnh của một người bạn vào buổi sáng cùng buổi sáng và mượn một chiếc máy ảnh đặc biệt 3A Kodak và rất nhiều bộ phim và bắt đầu chụp ảnh sự tàn phá. Cú sút nổi tiếng nhất là một bức ảnh được chụp trên phố Sacramento trên Nob Hill, nhìn xuống phía ngọn lửa tiến. & nbsp; bên phải, chúng ta thấy một ngôi nhà có phía trước đã rơi xuống đường. & nbsp; lên và xuống đồi, các nhóm người đứng hoặc ngồi trên ghế ngắm cảnh tượng. (1906) – Arnold Genthe The San Francisco earthquake occurred at just after 5 a.m. on April 18, 1906. Photographer Arnold Genthe’s studio and all the cameras in it were destroyed by falling debris, so he went to a friend’s camera shop the same morning and borrowed a 3A Kodak Special camera and lots of film and began photographing the devastation. The best known shot is one taken on Sacramento Street on Nob Hill, looking down toward the advancing fire. On the right, we see a house whose front has fallen into the street. Up and down the hill, groups of people stand or sit in chairs watching the spectacle. Spinner trong Whitnel Cotton Mill & NBSP; (1908) - Chú thích ban đầu của Lewis Hinelewis Hine, cho Ủy ban Lao động Trẻ em Quốc gia như sau: Một trong những người quay vòng trong Whitnel Cotton Mill. Cô ấy cao 51 inch. Đã ở trong nhà máy một năm. Đôi khi làm việc vào ban đêm. Chạy 4 mặt - 48 [xu] một ngày. Khi được hỏi cô ấy bao nhiêu tuổi, cô ấy do dự, sau đó nói, 'Tôi không nhớ,' sau đó thêm một cách tự tin, 'Tôi không đủ tuổi để làm việc, nhưng làm như vậy.' Trong số 50 nhân viên, có mười nhân viên Trẻ em có kích thước của cô ấy. Whitnel, Bắc Carolina.(1908) – Lewis Hine Lewis Hine’s original caption for the National Child Labor Committee was as follows: “One of the spinners in Whitnel Cotton Mill. She was 51 inches high. Has been in the mill one year. Sometimes works at night. Runs 4 sides – 48 [cents] a day. When asked how old she was, she hesitated, then said, ‘I don’t remember,’ then added confidentially, ‘I’m not old enough to work, but do just the same.’ Out of 50 employees, there were ten children about her size. Whitnel, North Carolina.” Blind & nbsp; Woman, New York & NBSP; (1916)- Paul Strandin 1916, Paul Strand đã chụp một số chân dung đường phố thẳng thắn sử dụng máy ảnh cầm tay với ống kính đặc biệt cho phép anh ta chỉ camera theo một hướng trong khi chụp ảnh tại một số chín mươi góc độ. Trong trường hợp này, mưu mẹo phức tạp là vô nghĩa, vì đối tượng không thể nhìn thấy máy ảnh Strand Strand hoặc hình ảnh anh ta tạo ra. & nbsp; Như một nhà bình luận đã lưu ý, Strand quản lý để nắm bắt sự khốn khổ và sức chịu đựng, đấu tranh và suy thoái trong con người này, người có giấy phép cầu xin và một dấu hiệu giảm cô ấy thành một thuộc tính duy nhất. . Thành phần chính thức. Woman, New York (1916) – Paul Strand In 1916, Paul Strand took a number of candid street portraits using a handheld camera with a special lens that allowed him to point the camera in one direction while taking the photograph at a ninety-degree angle. In this case, the elaborate ruse was pointless, as the subject could not see either Strand’s camera or the image he created. As one commentator noted, Strand manages to capture the “misery and endurance, struggle and degradation” in this human being, who has a license to beg and a sign that reduces her to a single attribute. (In fact, many publications give this photo the one-word title, “Blind.”) Alfred Stieglitz published Strand’s image in his magazine Camera Work in 1917 as an example of the new modernism, which integrated social documentation with boldly simplified formal compositions. Bức chân dung của mẹ tôi (1924) - Nhiếp ảnh gia Alexander Rodchenkorussian và mẹ của Alexander Rodchenko vừa mới biết đọc khi con trai cô ấy làm bức chân dung vào năm 1924. & NBSP; tạp chí. & nbsp; Tuy nhiên, trong phòng tối, Rodchenko nghĩ lại tác phẩm, và tập trung vào mẹ của anh ấy, khuôn mặt anh hùng/bi thảm tập trung mạnh mẽ, bàn tay tầng lớp lao động của cô ấy và chiếc kính quay kỳ lạ của cô ấy. & nbsp; Gone là tạp chí và bức tường theo ngữ cảnh và những gì còn lại là một hình ảnh kịch tính hơn, phổ biến hơn. (1924) – Alexander Rodchenko Russian photographer and montagist Alexander Rodchenko’s mother had just recently learned to read when her son made her portrait in 1924. His original shot (see below) shows her holding up her glasses to decipher a Soviet magazine. In the darkroom, however, Rodchenko rethought the composition, and focused on his mother’s intensely-concentrating heroic/tragic face, her working class hands and the strange swirl of her glasses. Gone are the contextual magazine and walls and what remains is a more dramatic, more universal image. Băng tải chéo chéo, nhà máy River Rouge, Ford Motor Company & NBSP; (1927)-Charles Sheelerit đã không lâu sau khi sinh ra nhiếp ảnh mà doanh nghiệp lớn đã phát hiện ra cách sử dụng phương tiện để tăng lợi nhuận và cải thiện hình ảnh của nó. Hình ảnh trên được tạo ra bởi Charles Sheeler như một nhiệm vụ cho một công ty quảng cáo làm việc cho Ford Motor Company. Tầm trống của cuộc sống của con người, cảnh tượng mô tả các máy móc và cấu trúc kim loại của một nhà máy hiện đại, với những chiếc máy hút thuốc cao vút lên trời, như một loại không tưởng về công nghệ, như Bảo tàng Bình luận viên Nghệ thuật Metropolitan chỉ ra. & nbsp; Ống kính Sheeler, tìm thấy sự hài hòa và năng lượng năng động trong những gì đối với một số mắt có thể là một mớ hỗn độn của các cấu trúc công nghiệp trần tục. Ford đã sử dụng hình ảnh trong nhiều ấn phẩm của nó, nhưng các băng tải vượt qua vượt lên trên nguồn gốc quảng cáo của nó để trở thành một ví dụ về nhiếp ảnh như nghệ thuật. (1927) It wasn’t long after the birth of photography that big business discovered ways to use the medium to increase profits and improve its image. The image above was created by Charles Sheeler as an assignment for an advertising company working for Ford Motor Company. Empty of human life, the scene depicts the machinery and metallic structures of a modern factory, with soaring smokestacks reaching heavenward, as a kind of technological utopia, as the Metropolitan Museum of Art’s commentator points out. Sheeler’s lens finds harmony and dynamic energy in what to some eyes might be a jumble of mundane industrial structures. Ford used the image in many of its publications, but Criss-Crossed Conveyors rose above its advertising origins to become an example of photography as art. Cook bánh ngọt, Cologne (1928) - Nhiếp ảnh gia chân dung August Sandergerman August Sander không tin vào mánh lới quảng cáo. Mục tiêu của ông là tạo ra các tài liệu xã hội xác định người dân Đức theo tầng lớp xã hội, tình trạng kinh tế và nghề nghiệp của họ. Để đạt được mục tiêu này, Sander đã sử dụng một máy ảnh định dạng lớn và chụp ảnh các đối tượng của mình đầy đủ và đối mặt với máy ảnh. Anh ấy thích thể hiện những người làm việc với các công cụ giao dịch của họ, nhưng anh ấy cũng thu hẹp độ sâu của trường để tránh gây mất tập trung chi tiết nền. Ngay cả khi không có tiêu đề, chúng ta có thể dễ dàng xác định đầu bếp bánh ngọt của Sander, 1928 bởi trang phục, whisk và bát của anh ấy. Mắt Sander, đã bắt gặp nhân vật hùng vĩ với một biểu hiện dao động giữa tính trung lập của người giao dịch khiêm tốn, chỉ cần làm công việc của tôi và niềm tự hào được thực hiện tốt. Cook Pastry được đưa vào cuốn sách Sander, 1929 Face of Our Time, được bán rất tốt trong nhiều năm cho đến khi Đức quốc xã gỡ nó ra khỏi kệ với lý do nó mô tả quá nhiều khuôn mặt không phải của người Arya. (1928) – August Sander German portrait photographer August Sander did not believe in gimmicks. His goal was to create social documents that identified the people of Germany according to their social class, economic status and occupation. To achieve this goal, Sander used a large format camera and photographed his subjects full length and facing the camera. He liked to show working people with the tools of their trade, but he also narrowed the depth of field to avoid distracting background details. Even without the title, we can easily identify the eponymous Pastry Cook of Sander’s 1928 portrait by his costume, whisk and bowl. Sander’s eye has caught the imposing figure with an expression that hovers between the neutrality of the humble tradesman “just doing my job” and the pride taken in job well done. Pastry Cook was included in Sander’s 1929 book Face of our Time, which sold well for years until the Nazis removed it from the shelves on the grounds that it depicted too many non-Aryan faces. Bữa trưa trên đỉnh một tòa nhà chọc trời (1932) - Charles C. Ebbets (?) Bức ảnh năm 1932 được gọi là bữa trưa trên đỉnh một tòa nhà chọc trời không phải là những gì nó có vẻ. Nó cho thấy 11 công nhân xây dựng & nbsp; của các nền tảng dân tộc khác nhau & nbsp; - một số trong số họ là người nhập cư - & nbsp; ngồi trên một chùm trên tầng 69 của tòa nhà RCA gần như đã hoàn thành tại 30 Trung tâm Rockefeller ở New York. Và vâng, họ đang ăn trưa. Nhưng các nhà sử học đã tiết lộ rằng đây không phải là phát súng thẳng thắn, nhưng một người đóng thế công khai được lên kế hoạch cẩn thận được thiết kế để có được sự bảo hiểm tích cực cho tòa nhà chọc trời mới nhất của thành phố. Theo một lá thư được viết bởi một trong những công nhân vào thời điểm đó, có một tầng ngay bên dưới chùm tia nhưng bên ngoài khung, làm giảm đáng kể rủi ro. Bức ảnh được chạy ở New York Herald American nhưng Charles Ebbets không được xác định là nhiếp ảnh gia cho đến năm 2003. Tuy nhiên, gần đây, Corbis, người sở hữu bức ảnh, đã dán nhãn cho nhiếp ảnh gia là ‘không rõ. (1932) – Charles C. Ebbets (?) The 1932 photograph known as Lunch Atop a Skyscraper is not what it seems. It does show 11 construction workers of varying ethnic backgrounds – some of them immigrants – sitting on a beam on the 69th floor of the nearly finished RCA building at 30 Rockefeller Center in New York. And yes, they are having lunch. But historians have revealed that this was no candid shot, but a carefully-planned publicity stunt designed to get positive press coverage for the city’s latest skyscraper. According to a letter written by one of the workers at the time, there was a floor just below the beam but outside the frame, reducing the risk considerably. The picture ran in the New York Herald American but Charles Ebbets was not identified as the photographer until 2003. More recently, however, Corbis, which owns the photo, has labeled the photographer as ‘unknown.’ Vào thời điểm Louisville Lũ & NBSP; (1937)-Margaret Bourke-Whitein tháng 1 năm 1937, sông Ohio tràn ngập, giết chết gần 400 người và khiến gần một triệu người vô gia cư. & NBSP; Tạp chí Life đã gửi Margaret Bourke-White đến Louisville, Kentucky để ghi lại thảm kịch. & nbsp; Hình ảnh của cô về các gia đình người Mỹ gốc Phi xếp hàng ăn uống trước một bảng quảng cáo mỉa mai đau đớn đã được xuất bản trong số phát hành ngày 15 tháng 2 năm 1937 của cuộc sống. Billboard là một phần của chiến dịch Thỏa thuận chống mới của Hiệp hội các nhà sản xuất quốc gia. Trong những năm qua, bức ảnh đã trở thành một biểu tượng không chỉ của trận lụt Louisville, mà nói chung là Đại suy thoái. & nbsp;(1937) – Margaret Bourke-White In January 1937, the Ohio River flooded, killing nearly 400 people and leave almost a million people homeless. Life magazine sent Margaret Bourke-White to Louisville, Kentucky to document the tragedy. Her image of African-American families lined up for food in front of a painfully ironic billboard was published in the February 15, 1937 issue of Life. The billboard was part of an anti-New Deal campaign by the National Association of Manufacturers. Over the years, the photograph has become a symbol not just of the Louisville flood, but of the Great Depression generally. Vụ nổ của Hindenburg (1937) - Sam Sherethe Aribenger Airship Airship LZ 129 Hindenburg đã băng qua Đại Tây Dương và đang cố gắng cập bến tại một cột buồm đang neo đậu tại Trạm Hải quân Lakehurst ở New Jersey vào khoảng 7:25 tối. vào ngày 6 tháng 5 năm 1937 khi nó bốc cháy và đốt cháy xuống đất, giết chết 35 trong số 97 người trên tàu và một người trên mặt đất. Nhiều nhà báo đã có mặt, bao gồm phát thanh viên phát thanh Herbert Hồi Oh, The Humanity! Morrison, nhà quay phim Newsreel và một số phóng viên ảnh. Bức ảnh mang tính biểu tượng về sự bùng nổ ban đầu của hydro rực lửa được chụp bởi Sam Shere, sử dụng máy ảnh đồ họa tốc độ. Theo Shere, sự kiện xảy ra rất nhanh, anh ta phải bắn từ hông, siết chặt màn trập ngay cả trước khi anh ta đưa máy ảnh vào mắt. & nbsp; Do thảm họa Hindenburg và sự công khai xung quanh nó, công chúng đã mất niềm tin vào các khí cầu cứng nhắc và toàn bộ ngành công nghiệp khí cầu chở khách, rời khỏi & nbsp; chỉ có Goodyear Blimp và họ hàng của nó như nhắc nhở về thời kỳ đã qua. (1937) – Sam Shere The German passenger airship LZ 129 Hindenburg had crossed the Atlantic and was attempting to dock at a mooring mast at the Lakehurst Naval Station in New Jersey at about 7:25 p.m. on May 6, 1937 when it caught fire and burned to the ground, killing 35 of the 97 people on board, and one person on the ground. Numerous journalists were present, including radio announcer Herbert “Oh, the humanity!” Morrison, newsreel cameramen and several photojournalists. The iconic photograph of the initial burst of flaming hydrogen was taken by Sam Shere, using a Speed Graphic camera. According to Shere, the event happened so fast, he had to ‘shoot from the hip’, squeezing the shutter even before he got the camera to his eye. As a result of the Hindenburg disaster and the publicity surrounding it, the public lost its faith in rigid airships and the entire passenger airship industry, leaving only the Goodyear blimp and its kin as reminders of a bygone era. Sunday on the Banks of the River Marne (1938) – Henri Cartier-Bresson In 1936, the progressive French government passed a law giving French workers two weeks of paid vacation every year, a fact that gives Henri Cartier-Bresson’s photo of two couples picnicking at the riverside a political subtext. Even though we see only part of one of the faces, there is an intimacy to the photograph, a sense that may be enhanced by Cartier-Bresson’s decision to eliminate the horizon line and the opposite bank of the river from the frame. The Tetons and the Snake River (1942) – Ansel Adams In 1941, the U.S. Department of the Interior National Park Service hired American landscape and nature photographer Ansel Adams to photograph America’s national parks, Indian reservations and other federal lands to decorate the Interior Department’s new headquarters with large prints. Using large format cameras and paying close attention to darkroom techniques, Adams captured the drama of the natural landscapes in the American West. His photo of the Snake River winding through a valley with the Tetons towering in the background was taken in Grand Teton National Park in Wyoming. It is one of the photographs included in the Voyager spacecraft for viewing by any extraterrestrials it may encounter. Buchenwald Victims (1945) – Margaret Bourke-White American photojournalist Margaret Bourke-White joined General Patton’s Third Army in April 1945 when it liberated the Buchenwald concentration camp in Weimar, Germany. Many of Bourke-White’s photos were published in a Life magazine article, but the photo of haunted survivors standing against a barbed-wire fence staring at their rescuers was not seen until 1960, when Life presented it as part of a retrospective issue. Another famous photo from the same time and place shows German citizens forced by General Patton to tour the prison and view the piles of corpses. Atomic Bomb over Nagasaki (1945) – Charles Levy By August 6, 1945, the Manhattan Project had produced two atomic bombs: Fat Man, a plutonium bomb with an implosion-type detonation mechanism, and Little Boy, a uranium-235 bomb with a gun-type fission mechanism. Both bombs were transported to Tinian Island in the Pacific Ocean. Little Boy was dropped on Hiroshima on August 6, 1945. On August 9, a bomber named Bocks Car dropped Fat Man over Nagasaki, its secondary target, causing significant destruction and deaths, although a row of hills protected much of the city from destruction. Using a 5X4 camera, Lt. Charles Levy took 16 photographs of the Nagasaki mushroom cloud from the transparent nose of one of the other B-29 bombers that made the run. Dali Atomicus (1948) – Philippe Halsman Latvian-born American photographer Philippe Halsman had been collaborating with Spanish surrealist Salvador Dali since 1941, but their most famous production is Dali Atomicus, from 1948. The genesis of the photo was the recent scientific discovery that, because atoms consisted of electrons suspended in orbit around the nucleus, all solid matter was actually suspended in space. Dali began a painting on the theme, Leda Atomica, which can be seen on an easel at the far right, and Dali and Halsman collaborated on a portrait of suspended reality. (Although some have identified Dali Atomicus as one of Halsman’s famous jumping photos, it actually precedes Halsman’s adoption of that technique – here the jumping is incidental to the notion of being suspended.) The photo shoot took 28 tries over six hours. When Halsman finally got the shot he wanted, he retouched it to insert a painting on Dali’s easel and eliminate an assistant’s hand holding up a chair and wires holding up other articles (see unretouched version below). The photo was published in a two-page spread in Life magazine. Death Watch (from Spanish Village) (1951) – W. Eugene Smith In 1951, Life magazine sent American photographer W. Eugene Smith to the Spanish village of Deleitosa, population 2,300, which is situated in the Estramadura in western Spain. Smith’s photo essay highlights numerous aspects of daily life for the poorest subjects of Franco’s Fascist regime, including a traditional ‘death watch’, a type of wake for a deceased elder of the community. Included among the watchers are the man’s wife, daughter, granddaughter and friends. Another popular image from the Spanish Village series is Guardia Civil, shown below. Tomoko Uemura in Her Bath, Minamata, Japan (1972) – W. Eugene Smith W. Eugene Smith and his wife moved to Minimata, Japan in 1971 to bring attention to the victims of Minimata disease, which was caused by mercury poisoning from a nearby manufacturer. Smith took many graphic photos, some of which were published, but he decided he needed a shot with more symbolic value. He discussed the idea with Ryoko Uemura, whose daughter Tomoko was afflicted. She agreed to allow Smith to photograph Tomoko’s paralyzed body and suggested the bath as a setting. The resulting photo, which was the centerpiece of an article in Life magazine, brought Minimata disease to the world’s attention and helped pressure the polluting company to compensate victims. In 1997, Smith’s widow gave the copyright for the photo to Tomoko’s parents (Tomoko died in 1977 at age 21) and the family has chosen not to allow further distribution of the image (although it is widely available on the Internet). Footprint on the Moon (1969) – Buzz Aldrin One of the tasks given to Apollo 11’s Neil Armstrong and Buzz Aldrin, the first men to walk on the Earth’s moon, was to study the lunar soil (called regolith) in part to determine what acts the astronauts could perform safely while on the lunar surface. As part of this soil mechanics investigation, Buzz Aldrin took a photograph of the lunar surface, then he stepped on the spot with his boot and took a picture of the resulting footprint. Aldrin’s experiment took place on July 20, 1969, about one hour after Armstrong first set foot on the moon’s surface. The experiment gave scientists information about the behavior of the regolith when compressed by a heavy object. Once made public, the photo of Aldrin’s bootprint took on weightier significance as a symbol of man’s foothold on a new frontier and the permanent mark that humans had made on a celestial body other than Earth. Buzz Aldrin on the Moon (1969) – Neil Armstrong Apollo 11 astronaut Buzz Aldrin stands on the surface of the moon on July 20, 1969. The photographer is Neil Armstrong, who managed to capture his reflection and that of the lunar module in Aldrin’s visor. The photograph had worldwide significance as it showed, for the first time, a man walking on the moon. Kent State Massacre
(1970) – John Filo Kent State University journalism student John Filo took this May 4, 1970 photograph of Mary Ann Vecchio, a 14-year-old runaway, as she knelt over the body of Kent State University student Jeffrey Miller, who had just been fatally shot by the Ohio National Guard. The Guard had been sent to quell student protests against the Vietnam War, and in particular the bombing of Cambodia, which President Nixon had announced on April 30, 1970. Three other students were killed and nine were injured, including one who was permanently paralyzed. The shootings led to a nationwide student strike involving four million students and contributed to turning public opinion against the war. Filo, who was working part-time at a local newspaper, used a Nikkormat camera with Tri X film at 1/500 sec. He won a Pulitzer Prize for his iconic anti-war image. Fire Escape Collapse (Fire on Marlborough Street) (1975) – Stanley J. Forman Stanley Forman was a photographer for the Boston Herald American in July 1975 when he took this controversial photo of a fire rescue turned tragic. Diana Bryant, age 19, and her two-year-old goddaughter Tiare Jones were standing on the fire escape ladder outside their burning apartment as a firefighter approached to save them. Forman stood on the fire truck and photographed the dramatic scene when the fire escape suddenly gave way, sending Bryant and Jones tumbling to the ground. Miraculously, the two-year-old survived, but her godmother died from her injuries. The photo, which won Forman a Pulitzer Prize, is credited with motivating the state to toughen building codes for fire escapes. John Lennon and Yoko Ono (1980) – Annie Leibowitz American photographer Annie Leibovitz was working for Rolling Stone magazine in December 1980 when she received an assignment to photograph John Lennon for the cover. Lennon had just released a new album, Double Fantasy, his first in five years. Leibovitz suggested a portrait of John and his wife Yoko Ono, similar to the one on the cover of the new album, but in the nude. Yoko balked at complete nudity, so Leibovitz had a nude John pose with a fully-clothed Yoko. Leibovitz captured John’s touching fetal wraparound with an instant camera. Both subjects felt that the photo captured their relationship exactly, Leibovitz recalled. The photograph took on additional significance when, just hours after the photo session, Lennon was shot and killed by a demented fan. Rolling Stone printed a somewhat altered version of the photograph on the cover of its January 1981 issue (see below). 4 Portrait of William Henry Fox Talbot (c. 1844)
– Antoine Claudet There is more than a little irony in the fact that the best surviving portrait of William Henry Fox Talbot, inventor of the calotype photographic process, is a daguerrotype, made using the technology of his arch-rival, Louis Daguerre. French photographer Antoine Claudet, a student of Daguerre, had a portrait studio in London and it was there that Talbot came to have several daguerrotypes made in about 1844. Talbot would have the last laugh, however, as his calotype process, which allowed multiple prints from a single negative, would eventually win out over the non-reproducible daguerrotype. Fire at Ames Mill, Oswego, NY (1853) – George N. Barnard Self-Portrait
of Nadar (1855) – Nadar Gaspard-Felix Tournachon, known professionally as Nadar, was a newspaper caricaturist in 1853 when he discovered photography. In 1855, Nadar opened a studio, where many artists and other well-known figures from France and elsewhere came to have their portraits made. Nadar made numerous self-portraits, both to create a public image of himself as an artist and also to experiment with poses, lighting and other techniques. This Self-Portrait is from about the time he opened his studio. In addition to making portraits, Nadar was a pioneer in lighting dark settings and was the first photographer to take aerial photos, using a hot-air balloon. Portrait of Sir John Herschel (1867) – Julia Margaret Cameron To pioneering female photographer Julia Margaret Cameron, Sir John Herschel was not just an illustrious scientist and photography innovator in his twilight years – he was also a good friend. Cameron, who took up photography relatively late in life after receiving a camera as a gift, was known for breaking the rules of portraiture. Instead of cluttering the space with faux classical columns, books, or symbols of the subject’s profession, Cameron chose to arrange the lighting carefully (here, from the right side) and use emotional truth as a guide for focus and pose, avoiding perfect sharpness that accentuates every detail. The result is a Gestalt instead of a collection of attributes; it is a truly human portrait – no distractions and full of life. Communards in their Coffins (1871) – André-Adolphe-Eugène Disdéri Also known by the more prosaic title Dead Communards, this image depicts 12 men who had participated in the failed 1871 Paris Commune uprising, were arrested and executed, then placed in shabby wooden coffins and unmercifully photographed. Each one has a number placed on his chest, but there is no reason or rhyme to this apparent attempt at efficiency – two ‘4’s, no ’12’? It is not clear whether the photographer is seeking merely to document the dead, perhaps at the government’s behest, or whether he intends some political commentary about the cruelty of those who put down the revolt or the price one pays for rebellion. For reasons that are not clear to me, Amazon.com offers a mug with this image printed on it. Ancient Ruins in the Canyon de Chelly (1873) – Timothy O’Sullivan American photographer Timothy O’Sullivan was working for George Montague Wheeler’s surveying team of the U.S. Army Corps of Engineers when he photographed the White House ruins in Canyon de Chelly in what what then New Mexico Territory and is now in the state of Arizona. O’Sullivan emphasizes the vast striated cliffs, which dwarf the remains of an Anasazi pueblo and serve as a substitute sky over the man-made dwellings. The Crawlers (from Street Life in London) (1877) – John Thomson After many years of travel in the Far East, British photographer John Thomson settled in London where in 1876 he embarked on a collaborative project with journalist Adolphe Smith. Together, they published a monthly magazine called Street Life in London, in which Thomson’s photos (made using the woodburytype process) and Smith’s text documented the lives of the city’s desperate poor. The magazine ran from 1876-1877, after which Thomson and Smith published a book of the same name in 1878. In the most well-known of the Street Life photos, an older woman sits on the steps of a workhouse, caring for the child of a woman who has managed to find some work. In return, the woman received some scraps of food. She and others were called crawlers because they no longer had the strength to beg. TERMINAL, New York (1892) - Alfred Stieglitzalfred Stieglitz gần đây đã trở về từ nhiều năm ở châu Âu khi anh thấy mình ở phía trước Bưu điện New York nơi hai tuyến xe điện khác nhau chấm dứt. Khung cảnh mùa đông của những con ngựa hấp và những người lái xe của họ nằm ở cuối dòng thể hiện cảm giác của Stieglitz, là một người lạ ở quê nhà. Về mặt phong cách, bức ảnh chia sẻ rất nhiều với chủ nghĩa hình ảnh, nhưng khung cảnh đô thị thẳng thắn (và sử dụng máy ảnh 4 x 5 của Stieglitz, di động hơn nhiều so với giá đỡ chân máy 8 x 10 thông thường) đã định hình trước phong trào nhiếp ảnh thẳng của thế kỷ 20. (1892) – Alfred Stieglitz Alfred Stieglitz had recently returned from several years in Europe when he found himself in front of the New York post office where two different streetcar lines terminated. The winter scene of steaming horses and their drivers restIng at the end of the line expressed Stieglitz’s sense of being a stranger in his hometown. Stylistically, the photo shares much with pictorialism, but the candid urban setting (and Stieglitz’s use of a 4 X 5 camera, which was much more mobile than the usual tripod-bound 8 X 10) prefigured the straight photography movement of the 20th Century. Tòa nhà Flatiron, NYC (1905)-Edward Steichenone của các tòa nhà chọc trời đầu tiên ở Manhattan, tòa nhà Flatiron 22 tầng được mở vào năm 1902 và ngay lập tức trở thành nam châm cho các nhiếp ảnh gia. & nbsp; Nhiếp ảnh gia hình ảnh Edward Steichen, sinh ra ở Luxembourg nhưng làm việc ở Mỹ, đã chọn lấy bức chân dung Flatiron của mình vào chạng vạng vào mùa đông, với cành cây trần và xe ngựa trong hình bóng, để tạo ra cảm giác mơ hồ của một bức tranh. & nbsp; Steichen đã thử nghiệm màu sắc bằng cách thêm thuốc nhuộm trong quá trình sản xuất - ông đã sử dụng ba loại thuốc nhuộm riêng biệt, mỗi loại để phản ánh một khía cạnh khác nhau của bóng tối ngày càng tăng của Twilight, để tạo ra ba bản in gốc từ một âm. (1905) – Edward Steichen One of the first skyscrapers in Manhattan, the 22-story Flatiron Building opened in 1902 and immediately became a magnet for photographers. Pictorialist photographer Edward Steichen, born in Luxembourg but working in the US, chose to take his Flatiron portrait at twilight in winter, with bare tree branches and horse carriages in silhouette, to create the hazy sense of a painting. Steichen experimented with color by adding dyes in the production process – he used three separate dyes, each one to reflect a different aspect of the growing darkness of twilight, to create three original prints from a single negative. Sân chơi ở khu vực Tenement Alley & NBSP; (1909) - Lewis Hine trong khi làm việc cho Ủy ban Lao động Trẻ em Quốc gia, nhiếp ảnh gia người Mỹ Lewis Hine không chỉ ghi lại trẻ em tại nơi làm việc mà còn chơi, như trong bức ảnh của một trò chơi bóng trong một con hẻm đông đúc giữa hai bộ của hai bộ Căn hộ chung cư ở Boston, bên dưới giặt khô. Bức ảnh rất hữu ích trong việc quảng bá việc xây dựng các sân chơi và công viên cho trẻ nhỏ ở các thành phố nội địa.(1909) – Lewis Hine While working for the National Child Labor Committee, American photographer Lewis Hine not only documented children at work but also at play, as in this photo of a ball game in a crowded alley between two sets of tenement apartments in Boston, beneath drying laundry. The photograph was useful in promoting the building of playgrounds and parks for young children in the inner cities. Avenue des Gobelins (1925)-& nbsp; eugène atgetthe ký hiệu trên hãng phim Paris của nhiếp ảnh gia người Pháp Eugène & nbsp; Đơn giản & nbsp; ghi lại người dân và địa điểm của Paris và môi trường của nó. Atget tránh được điều hiển nhiên - ví dụ, anh ta không bao giờ chỉ ống kính máy ảnh của mình vào tấm bưu thiếp yêu thích đó, Tháp Eiffel. Đến cuối đời, Atget trở nên say mê với cửa sổ cửa hàng. Ông đánh giá cao tính sân khấu của phương tiện, đặc biệt là người giả (và sự nhầm lẫn của các thư ký con người với những người không phải là người ăn mặc giống như vậy, như đã thấy trong 1925 Avenue Avenue des Gobelins). Anh ta cũng rất thích chất lượng phản chiếu của các cửa sổ kính, cho phép anh ta đối chiếu các tòa nhà cũ với thời trang mới và đặt các vật thể của màn hình trong môi trường xung quanh xa lạ, ở đây là trụ sở của nhà sản xuất tấm thảm Gobelins nổi tiếng trực tiếp trên đường phố. & nbsp; Atget & nbsp; Ngoài ra & nbsp; đã in một bức ảnh thứ hai của cùng một màn hình cửa sổ từ một góc khác (xem bên dưới). (1925) – Eugène Atget The sign over the Paris studio of French photographer Eugène Atget read ‘Documents for Artists’, and when avant-garde artist Man Ray suggested that Atget was making Surrealist photos, Atget insisted that he was simply documenting the people and places of Paris and its environs. Atget avoided the obvious – for example, he never pointed his camera lens at that postcard favorite, the Eiffel Tower. Toward the end of his life, Atget became fascinated with shop windows. He appreciated the theatricality of the medium, particularly mannequins (and the confusion of human clerks with non-humans dressed the same way, as seen in 1925’s Avenue des Gobelins). He also enjoyed the reflective quality of the glass windows, which allowed him to contrast the old buildings with new fashion and place the objects of the display in unfamiliar surroundings, here the headquarters of the famous Gobelins tapestry manufacturer directly across the street from the storefront. Atget also printed a second photograph of the same window display from a different angle (see below). Vũ công Satiric, Paris (1926) - André Kertészhungarians Andre Kertesz đã đến Paris vào những năm 1920 để tham gia phong trào hiện đại phát triển mạnh ở đó. Vũ công châm biếm, được sản xuất tại Paris vào năm 1926, bao gồm sự tham gia của hai người Hungary khác: István & nbsp; Beöthy cung cấp cả bối cảnh - studio của anh ta - và tác phẩm điêu khắc ở bên trái; Người biểu diễn vũ công và Cabaret Magda & NBSP; Förstner là người mẫu, lấy cảm hứng từ bức tượng hiện đại để áp dụng một tư thế hấp dẫn. (1926) – André Kertész Hungarian photographer Andre Kertesz came to Paris in the 1920s to join the thriving Modernist movement there. Satiric Dancer, made in Paris in 1926, includes the participation of two other Hungarian émigrés: István Beöthy provided both the setting – his studio – and the sculpture on the left; dancer and cabaret performer Magda Förstner was the model, drawing her inspiration from the modernist statue to adopt a fetching pose. Madrid & nbsp; (1933)-Henri Cartier-Bresonhenri Cartier-Bresson đã mua chiếc máy ảnh Leica đầu tiên của mình ở Brussilles vào năm 1932 và từ thời điểm đó, ông hẹn hò với sự nghiệp với tư cách là nhiếp ảnh gia. Anh ấy thích Leica vì nó nhỏ và vì anh ấy có thể nhanh chóng mang nó ra để có được một phát bắn. Để thu hút thậm chí ít chú ý đến bản thân mình, Cartier-Bresson đã quấn cơ thể bạc sáng bóng của máy ảnh bằng cách ngụy trang băng đen. Anh ta không bao giờ sử dụng đèn flash, mà anh ta cảm thấy là bất lịch sự, và được sáng tác trong máy ảnh để anh ta gần như không bao giờ phải cắt. Mặc dù anh ta được biết đến là nhiếp ảnh gia của khoảnh khắc quyết định, nhưng cụm từ đó đã được mượn từ một người khác. Cartier-Bresson có lẽ tốt nhất thể hiện triết lý của mình khi ông nói, với tôi, nhiếp ảnh là sự công nhận đồng thời, trong một phần của một giây, về tầm quan trọng của một sự kiện. Madrid, 1933 (hoặc đơn giản là Madrid) tập hợp một khung cảnh khác thường - một bức tường trắng khổng lồ với các cửa sổ nhỏ - và một thế giới của trẻ em, một trong số đó đang tiến về phía trước, trong khi một người trưởng thành đơn độc dường như không đúng chỗ. Chúng tôi không biết chính xác những gì đang xảy ra với trẻ em ở phía trước - chúng có đang chơi một trò chơi không? - Nhưng hình ảnh truyền đạt một cảm giác rằng một sự kiện có ý nghĩa (ít nhất là đối với trẻ em) đang xảy ra. (1933) – Henri Cartier-Bresson Henri Cartier-Bresson bought his first Leica camera in Marseilles in 1932 and it is from that point that he dates the beginning of his career as as photographer. He liked the Leica because it was small and because he could bring it out quickly to get a shot. To draw even less attention to himself, Cartier-Bresson wrapped the shiny silver body of the camera with disguising black tape. He never used a flash, which he felt was impolite, and composed within the camera so that he almost never had to crop. Although he is known for being the photographer of “the decisive moment’, that phrase was borrowed from another. Cartier-Bresson perhaps best expressed his philosophy when he said, “To me, photography is the simultaneous recognition, in a fraction of a second, of the significance of an event.” Madrid, 1933 (or simply Madrid) brings together an unusual setting – a massive white wall with tiny windows – and a world of children, one of whom is moving forward, while a lone adult seems out of place. We don’t know exactly what is going on with the children in the foreground – are they playing a game? – but the picture conveys a sense that an event of significance (at least to the children) is occurring. Loch Ness Monster & nbsp; (1934) - Ian Wetherellthe niềm tin rằng một con rắn biển hoặc còn sống sót là người bơi trong vùng đất của Scotland về việc nhìn thấy xảy ra, sau đó là một bức ảnh mờ mà một số người được giải thích là một con chó với một cây gậy chạy trên vùng nông. Sau đó, vào năm 1934, một bức tranh rõ ràng hơn về một sinh vật kiểu Plesiosaur đã được cung cấp cho các tờ báo bởi Tiến sĩ Robert Wilson, người đã hỏi rằng tên của anh ta không được sử dụng, để bức ảnh có được tên, ảnh của bác sĩ phẫu thuật. & NBSP; & NBSP ; Cuộc tranh luận nổ ra về tính xác thực của bức ảnh cho đến khi phân tích năm 1975 cho thấy rằng vật thể dường như chỉ dài hai đến ba feet, và có một số bằng chứng cho thấy nó đang được kéo qua nước. & nbsp; Sau đó, Christian Spurling thú nhận rằng bức ảnh là một trò lừa bịp mà anh ta và một số người khác đã gây ra và bức ảnh chỉ cho thấy một chiếc tàu ngầm đồ chơi với đầu và cổ bằng đất sét. & nbsp; trong khi sự phơi bày của trò lừa bịp chỉ xác nhận với một số Vẫn tin rằng sự tồn tại của Nessie một ngày nào đó sẽ được chứng minh. (1934) – Ian Wetherell The belief that a sea serpent or surviving plesiosaur swims the murky depths of Scotland’s Loch Ness is a fish tale that goes back possibly as far as the 6th Century CE, but at least to 1933 when a series of sightings occurred, followed by a blurry photograph that some interpreted as a dog with a stick running in the shallows. Then, in 1934, a much clearer picture of a plesiosaur-type creature was provided to the newspapers by Dr. Robert Wilson, who asked that his name not be used, so that the photo acquired the name, The Surgeon’s Photo. Debate raged about the authenticity of the photo until a 1975 analysis revealed that the object appeared to be only two to three feet long, and there was some evidence that it was being towed through the water. Subsequently, Christian Spurling confessed that the photo was a hoax that he and several others had perpetrated and that the photo merely showed a toy submarine with a clay head and neck attached. While the exposure of the hoax merely confirmed to some that the monster is a myth, true believers fell into two camps: those who claim that the ‘hoax’ is itself a hoax, and those who accept that the photo is not real but still believe that Nessie’s existence will someday be proven. Martha Graham - Thư gửi đến thế giới: Kick (1940) - Barbara Morganafter Nhiếp ảnh gia người Mỹ Barbara Morgan đã xem một buổi biểu diễn của Martha Graham và công ty khiêu vũ của cô ở New York, Morgan đã ở hậu trường để giới thiệu bản thân. Tiếp theo là sự hợp tác nhiều năm giữa nhiếp ảnh gia và vũ công, đỉnh cao là một cuốn sách năm 1941, Martha Graham: Mười sáu điệu nhảy trong ảnh. Morgan đã bắt được các vũ công trong môi trường được kiểm soát của studio của chính mình, và đó là nơi cô chụp ảnh Martha Graham biểu diễn cú đá từ bức thư múa ba lê của mình đến thế giới, dựa trên cuộc sống lãng mạn của Emily Dickinson. Để nắm bắt chuyển động của vũ công, Morgan đã liên kết bốn chiếc đèn với nhau trên một mạch duy nhất và đưa chúng cho bốn trợ lý, người đứng quanh Graham, huấn luyện bóng đèn trên cô. Morgan sau đó đã đồng bộ hóa các bóng đèn bằng máy ảnh của mình, đồ họa tốc độ 4x5. Mỗi lần cô chụp một bức ảnh, các bóng đèn lóe lên khoảng 1/600 giây, đóng băng trong thời gian một khoảnh khắc phù du trong vở ballet nội tâm Graham. (1940) – Barbara Morgan After American photographer Barbara Morgan watched a performance of Martha Graham and her dance company in New York, Morgan went backstage to introduce herself. What followed was a multi-year collaboration between photographer and dancers, culminating in a 1941 book, Martha Graham: Sixteen Dances in Photos. Morgan captured the dancers in the controlled environment of her own studio, and that was where she photographed Martha Graham performing The Kick from her ballet Letter to the World, which was based on the romantic life of Emily Dickinson. To capture the movement of the dancer, Morgan linked four lamps together on a single circuit and gave them to four assistants, who stood around Graham, training the bulbs on her. Morgan then synchronized the bulbs with her camera, a 4X5 Speed Graphic. Each time she took a photograph, the bulbs flashed for about 1/600 sec., freezing in time an ephemeral moment in Graham’s introspective ballet. Moonawn, Hernandez, New Mexico (1941) - Ansel Adamswhiile lái xe qua New Mexico tại một số điểm sau 4 giờ chiều. Vào ngày 1 tháng 11 năm 1941, Ansel Adams đã chứng kiến mặt trăng mọc trên dãy núi Sangre de Christo. & nbsp; Khi anh ta đến thị trấn Hernandez, với những điểm đánh dấu nghĩa trang lấp lánh trong những tia nắng mờ dần, anh ta biết rằng anh ta có một cơ hội tuyệt vời cho một bức ảnh. & nbsp; Anh ta kéo sang bên đường và con trai và trợ lý của anh ta đã giúp anh ta thu thập tất cả các thiết bị anh ta cần: máy ảnh 8 x 10, bộ lọc Cooke Triple Convertible, Wratten số 15 (g) - nhưng không ai có thể tìm thấy Weston của anh ta Đồng hồ đo ánh sáng. & nbsp; Adams nhớ rằng độ chói của mặt trăng là 250 feet và tiếp xúc với 1 giây ở f/32. & nbsp; Vào thời điểm anh ta thiết lập cho một phát súng thứ hai, những cây thánh giá trắng của nghĩa trang nằm trong bóng tối và cơ hội đã trôi qua. & nbsp; Moonrise trở thành một trong những bức ảnh phổ biến nhất của Adam - cá nhân anh ấy đã thực hiện hơn 1300 bản in từ một bản tiêu cực, mỗi người độc đáo khi Adams chơi với tối và làm sáng một số khu vực nhất định trong quá trình phát triển và in ấn, và cập nhật công nghệ phòng tối của anh ấy trong những năm qua. (1941) – Ansel Adams While driving through New Mexico at some point after 4 p.m. on November 1, 1941, Ansel Adams watched the moon rise over the Sangre de Christo mountains. When he reached the town of Hernandez, with its cemetery markers gleaming in the fading rays of sunshine, he knew he had an excellent opportunity for a photograph. He pulled to the side of the road and his son and assistant helped him collect all the equipment he needed: 8 X 10 camera, Cooke triple convertible lens, Wratten No. 15 (G) filter – but no one could find his Weston light meter. Adams remembered that the moon’s luminance was 250 footcandles and made an exposure of 1 second at f/32. By the time he set up for a second shot, the white crosses of the cemetery were in shadow and the opportunity had passed. Moonrise became one of Adam’s most popular photos – he personally made over 1300 prints from the one negative, each one unique as Adams played with darkening and lightening certain areas during development and printing, and updated his darkroom technology over the years. Nhà phê bình (đêm khai mạc tại vở opera) (1943) - Nhiếp ảnh gia Weegeeamerican Arthur Fellig, người có tên chuyên nghiệp là Weegee, là một nhà tài liệu của The Seedier Side of Life ở thành phố New York vào những năm 1930 và 1940 và là nhà vô địch của người nghèo. & nbsp; Trong hình ảnh nổi tiếng nhất của mình, hai con số ăn mặc đẹp, bà George Washington Kavanaugh và Lady Decies, đến để khai mạc Opera Metropolitan vào tháng 11 năm 1943, chỉ được chào đón bởi một người phụ nữ say sưa, có thể say xỉn, dường như lẩm bẩm một cái gì đó tục tĩu. & nbsp; Những nỗ lực của Grand Dames để duy trì sự điềm tĩnh làm biến dạng các đặc điểm của chúng để, dưới ánh đèn flash khắc nghiệt, toàn diện của máy ảnh Weegee, chúng dường như hầu như không phải là con người. & nbsp; Nhiều năm sau, trợ lý của Weegee, thú nhận rằng ông chủ của cô đã hướng dẫn cô đến một quán bar Bowery, tìm một người phụ nữ say rượu (hoặc, trong một phiên bản khác, tìm một người phụ nữ và say rượu) và đưa cô đến opera. Tạp chí Life lần đầu tiên xuất bản hình ảnh vào tháng 12 năm 1943 với tiêu đề The Fashion People, sau khi đã cắt ra một dòng người bình thường đang chờ vào nhà hát opera ở phía bên trái của bản in. & nbsp; Năm 1945, Weegee đã xuất bản phiên bản chưa được đăng ký (xem bên dưới) và đổi tên thành nhà phê bình cho cuốn sách của ông, The Naked City. (1943) – Weegee American photographer Arthur Fellig, whose professional name was Weegee, was a documenter of the seedier side of life in New York City in the 1930s and 1940s and a champion of the poor. In his most famous image, two well-dressed matrons, Mrs. George Washington Kavanaugh and Lady Decies, arrive for opening night of the Metropolitan Opera in November 1943, only to be greeted by a disheveled, possibly drunk woman who appears to be muttering something obscene. The attempts of the grand dames to maintain composure distort their features so that, under the harsh, all-seeing flash of Weegee’s camera, they barely seem human. Years later, Weegee’s assistant confessed that her boss had instructed her to go to a Bowery bar, find a drunk woman (or, in another version, find a woman and get her drunk) and bring her to the opera. Life magazine first published the image in December 1943 with the title The Fashionable People, after having cropped out a line of ‘ordinary’ people waiting to get into the Opera House on the left side of the print. In 1945, Weegee published the uncropped version (see below) and renamed it The Critic for his book, The Naked City. Segregated Water Fountains (1950) – Elliott Erwitt Having been born in Paris to Russian parents, moved to Italy, then having to flee Fascism, Elliott Erwitt arrived in the US with a lot of emotional baggage. His photography shows us a different way of looking at things we see every day, as well as capturing some unexpected (often funny) juxtapositions. In some ways, Segregated Water Fountains is one of his more straightforward documents – there are no hidden jokes here. The stark, day-to-day reality of life in the segregated South is illustrated very simply by showing two water fountains and a man who can only drink from the worse of the two. Erwitt shows us the man’s glance to his left but leaves it to us to guess what he is thinking and feeling. It is as if, in this moment, this man, like us, has paused to notice the degrading reality of segregation and he (through Erwitt) invites us to do the same. Erwitt took the photograph in North Carolina in 1950. Political Rally, Chicago (from The Americans) (1956) – Robert Frank Swiss-born American photographer Robert Frank used a Guggenheim Fellowship to travel all over the United States in 1955 and 1956 taking pictures of Americans doing what they do. After all the traveling was over, Frank had 27,000 images. He winnowed those down to 83 sometimes challenging, sometimes caustically funny, sometimes sublimely beautiful photographs, which were published in The Americans (1958 in France, 1959 in the US). Some at the time found Frank’s vision of life in these United States too dark and his attitude too critical. Over time, however, Frank’s personal portrait of his adopted homeland has been recognized as a milestone in the history of photography. Political rally – Chicago is emblematic of Frank’s polemical style: by obliterating the tuba player’s face behind his tuba, Frank is making a visual joke, but on a deeper level, he has something to say about how organized politics drowns out the voice of the individual, and about the ridiculous pageantry of political campaigns. Marilyn Monroe (1956) – Cecil Beaton Cecil Beaton was a British photographer who spent much of his career in the United States, working for such established magazines as Vogue and Harper’s Bazaar. In the latter capacity, he photographed many of the most powerful and famous people in the world. Beaton’s assignment on February 22, 1956 was to meet Marilyn Monroe in a suite at the Ambassador Hotel in New York and photograph her for Harper’s. At the time, Monroe was seeking to change her reputation from a sex symbol to a serious actress, and Beaton appears to have obliged by producing tasteful results. Beaton’s favorite photo from the shoot, and the one that is most highly regarded today shows Monroe lying on a Japanese print (brought by Beaton), holding a carnation, and wearing an enigmatic smile that seems to express childlike innocence and knowing sensuality at the same time. Marilyn Monroe herself chose a different photo from the same shoot as her favorite – it was the one she would sign and send to fans (see below). Assassination of Inejiro Asunama in Japan (1960) – Yasushi Nagao Japanese political figure Inejiro Asanuma was the leader of the Japan Socialist Party in the post-war era. He represented Tokyo’s 1st District in the Japanese House of Representatives from 1936-1942 and 1946-1960. On October 12, 1960, 17-year old Otoya Yamaguchi, a militant nationalist, ran up on stage during a televised debate in Tokyo’s Hibiya Hall while Asanuma was speaking and fatally stabbed him in the abdomen with a Samurai sword known as a wakizashi. After the stabbing, as Yamaguchi was attempting a second sword thrust, photojournalist Yasushi Nagao (then working for Mainichi Shimbun newspaper) snapped a photo of the mad teen, now being restrained, facing the fatally-stricken politician that ultimately won the Pulitzer Prize (the first for a Japanese photographer) and the World Press Photo of the Year award. Child with Toy Hand Grenade in Central Park, New York City (1962) – Diane
Arbus After leaving commercial photography in the late 1950s, American photographer Diane Arbus set out on her own and soon became one of the most recognized and revered in her field. Always armed with her Rolleiflex camera, she was attracted to those on the margins of society, who did not look or act the way that ‘normal’ people are supposed to. One warm day in 1962, Arbus was walking through Central Park when she spotted a 7-year-old boy (later identified as Colin Wood). She asked to take some pictures, but was not satisfied with the results and continued to try new angles. The process was taking so long that Colin, who had been smiling and playful in earlier shots, finally became so frustrated that he put on the grimace and posture seen in the final print. The physical manifestations of the boy’s frustration – the face, the claw-like hand, even the fallen strap – when coupled with the simmering violence represented by the toy hand grenade, made this photo an iconic representation of troubled, violent youth produced by a decaying and morally-ambivalent society. Arbus’s lens also seems to see the unrest in American youth that would result in such disparate movements as Flower Power, Tune In, Turn On and Drop Out, and the Weather Underground. New York (1968) – Garry Winogrand When someone asked American photographer Garry Winogrand why he did what he did, he responded, “I photograph to find out what something will look like photographed.” This became his mantra; he even had it stenciled on the walls of a gallery exhibiting his work. Winogrand is considered one of the great American street photographers – it was the act of finding and taking the photos that thrilled him, whether (as here) in his native New York or across the U.S. He didn’t like the darkroom, and liked books and exhibitions even less. As a result, new treasures are still being discovered years after his death in 1984, although there is controversy about exhibiting prints made posthumously from thousands of rolls of film that Winogrand exposed but never developed. The enigmatic photo of a woman in white standing against a store window, holding an ice cream cone and laughing (with a sliver of street life on the far left) adorned the cover of Winogrand’s 1975 book Women Are Beautiful. The shot, with its joke that we will never be in on, seems to illustrate the “you’re either on the bus or off the bus” attitude of Bob Dylan’s Ballad of a Thin Man: “Something is happening here, but you don’t know what it is, do you, Mr. Jones?” Beatles Abbey Road Cover (1969) – Iain Macmillan Horse Training for the Militia, Inner Mongolia, China (1979) – Eve Arnold American-born photographer Eve Arnold – a member of the prestigious Magnum Photos cooperative – is best known for her photographs of Marilyn Monroe taken throughout her short career, but Arnold’s lens captured many other subjects. In 1979, Arnold, by then living in the UK, became one of the first Western photographers to visit China, where she traveled extensively for several months. Using color film (Arnold began using color in the early 1970s), she took a series of photos of young women training to be horse riders in the national militia in Inner Mongolia, a region of China, including the evocative portrait shown above. Missionary holding hand of starving child in Uganda (1980) – Mike Wells A drought in the Karamoja section of Uganda in 1979-1980, combined with the effects of a war to overthrow dictator Idi Amin, resulted in a famine in 1980 that killed between 20,000 and 50,000 people, most of them children. British photographer Mike Wells went to Karamoja in April 1980 and took this photograph of a missionary and a starving child. He sent it to the magazine he was working for but instead of publishing the photo, the publishers entered it in the World Press Photo competition, which it won, much to the chagrin of the photographer, who did not want starving children’s images used to win contests. They’re Coming! (1981) – Helmut Newton Born in Germany to a Jewish family, Helmut Neustädter (later Newton) and his family escaped Nazi Germany in 1938. A photographer from the age of 16, when he studied with Yva, Newton lived in Singapore, Australia, London, Paris, Monte Carlo and Los Angeles at various points in his life. He was best known for his fashion photography., particularly for French Vogue, and his willingness to push the boundaries of what was acceptable. One of his interests was the contrast between the nude and clothed body, exemplified by They’re Coming!, a diptych showing the same five models in the same poses with and without clothing. Newton received praise for presenting his female models – nude or clothed – as bold, forceful and in charge, unlike many of the degrading ‘sex object’ images of women in later fashion photography. Omayra
Sánchez after Colombia volcano (1985) – Frank Fournier Chicago Board of Trade II (1999) – Andreas Gursky German photographer Andreas Gursky trained with Hilla and Bernd Becher, famous for their documentation of industrial buildings. Gursky is also a documentarian, but unlike the dour monochrome productions of his mentors, Gursky’s photos are large format, in color and – gasp! – sometimes digitally manipulated. Like so many of Gursky’s photos, Chicago Board of Trade II is taken from a high angle, in this case from the visitor gallery. Gursky shows us the trading floor without the walls, creating the impression that this organized chaos might go on forever. He has double exposed some areas, creating a sense of movement, and digitally enhanced the colors, giving the impression, noted Rachel Taylor of the Tate Modern, “that mimics mosaic or stained glass.” The Falling
Man (9/11/01) – Richard Drew 3 Portrait of Gustave Doré (1855) – Nadar The Valley of the Shadow of Death (1855) – Roger Fenton In 1855, British photographer Roger Fenton set out to become the first photographer to document war with the new technology. He and his assistant loaded a van and traveled to the Crimea, where war was raging among the European powers. As official photographer for the United Kingdom, Fenton spent almost four months photographing the war, although the limits of the medium prevented him from taking battle photos and the tastes of the time precluded images of dead bodies. Of the 360 photographs he produced, the most highly regarded is The Valley of the Shadow of Death, which shows a battle scene, cleared of bodies, but strewn with cannonballs, their density a testament to the intensity of the battle. Unfortunately, there was little public interest in the photos, and Fenton left the field in 1862. Some controversy arose when a photograph surfaced of the same scene with no cannonballs on the road (see image below), which opened Fenton to accusations of manipulating the scene. For an in-depth argument that the photograph was faked, see Errol Morris’s series in The New York Times (http://opinionator.blogs.nytimes.com/2007/09/25/which-came-first-the-chicken-or-the-egg-part-one/?_r=0). Thăng thiên của Mont-Blanc & NBSP; (Sê-ri) (1861)-Louis-Auguste & Auguste-Rosalie Bissonthe French & NBSP; Bisson Brothers đã phát triển một chuyên ngành về nhiếp ảnh Alpine khi họ quyết định cố gắng lên đỉnh Mont-Blanc, đỉnh cao nhất ở châu Âu, nơi Straddles biên giới giữa Pháp và Ý. & NBSP; Một nỗ lực năm 1860 đã thất bại, nhưng Auguste đã xoay sở để đứng đầu vào năm 1861 và phơi bày ba tiêu cực tại Hội nghị thượng đỉnh. & NBSP; Trên đường xuống (theo một tài khoản), anh ta đã nghỉ ngơi việc leo lên, dẫn đến những hình ảnh trên, trong đó những người leo núi có vẻ giống côn trùng trong cảnh quan rộng lớn, và bên dưới. (series) (1861) – Louis-Auguste & Auguste-Rosalie Bisson The French Bisson Brothers had developed a specialty in alpine photography when they decided to attempt to summit Mont-Blanc, the highest peak in Europe, which straddles the border between France and Italy. An 1860 attempt failed, but Auguste managed to make it to the top in 1861 and expose three negatives at the summit. On the way down (according to one account), he restaged the climb up, resulting in the images above, in which the climbers seem insect-like in the vast landscape, and below. Hầm mộ của Paris & NBSP; (Sê-ri) (1861-1862)-Nadar vào giữa thế kỷ 19, một trong những điểm tham quan chính của người Paris thời trang là chuyến viếng thăm Catacombs, một loạt & NBSP; kho lưu trữ bộ xương của người chết. & nbsp; Nadar, người đã chụp những bức ảnh trên không đầu tiên, hiện bắt đầu chụp một số bức ảnh được chiếu sáng nhân tạo đầu tiên, & NBSP; sử dụng đèn flash hoạt động bằng pin và đèn hồ quang Magiê. & NBSP; Không hài lòng với kết quả của những bức ảnh của các đối tượng của con người ở dưới lòng đất, Nadar đã mang theo người giả để đứng lên cho các công nhân thực sự. (series) (1861-1862) – Nadar In the mid-19th Century, one of the major attractions for fashionable Parisians was a visit to the catacombs, a series of underground tunnels, formerly quarries, that had become the repository of the skeletons of the dead. Nadar, who had taken the first aerial photographs, now embarked on taking some of the first artificially-illuminated photographs, using a battery operated flash lamp and a magnesium arc lamp. Unhappy with the results of photographs of human subjects in the underground, Nadar brought in mannequins to stand in for the real workers. Tổng thống Lincoln trên chiến trường tại Antietam (1862) - Alexander Gardner Trận chiến Antietam, với 23.000 thương vong, là một trong những người đẫm máu nhất trong Nội chiến Hoa Kỳ. Đã chiến đấu vào ngày 17 tháng 9 năm 1862 tại Antietam, Maryland, đó không phải là một chiến thắng quyết định của Liên minh, nhưng thật đủ để đưa Tướng Robert E. Lee trở lại Virginia. & NBSP; Hai tuần sau trận chiến, Tổng thống Abraham Lincoln đã đến thăm chiến trường, đưa Tướng McClernand (hiển thị bên phải). & NBSP; Cũng trong hình là Allan Pinkerton, trưởng phòng bí mật. & NBSP; Trong chuyến thăm, Lincoln cũng đã gặp kẻ thù của mình, Tướng Robert McClellan (xem ảnh dưới đây). & NBSP; Ở đó để chụp những bức ảnh là Alexander Gardner, một nhiếp ảnh gia sinh ra ở Scotland làm việc cho Matthew Brady. & NBSP; Mặc dù những bức ảnh của Gardner, của Lincoln ở phía trước, với những người lính, đồ giặt bẩn treo trên cây, rất tốt cho tinh thần ở nhà ở phía bắc, nhưng đó là những bức ảnh của Gardner về người chết Antietam đã di chuyển sâu sắc nhất & nbsp; những người nhìn thấy họ. & NBSP; Các nhà sử học bây giờ tin rằng chính chiến thắng của Liên minh trong Trận Antietam đã trao cho Lincoln thủ đô chính trị để đưa ra tuyên bố giải phóng, và thuyết phục các cường quốc châu Âu tránh xa tranh chấp Mỹ này. & NBSP; Suối nước nóng trên sông Gardiner, Upper Basin & nbsp; (lập thể) (1871) - William Henry Jacksonwhen Ferdinand Hayden đang tổ chức một cuộc thám hiểm địa chất Hoa Kỳ đến bang Utah của người đầu tiên nắm bắt những điều kỳ diệu của Yellowstone thông qua phương tiện tương đối mới. & nbsp; Bản in ở trên được thiết kế cho một trình xem lập thể, tạo ra hiệu ứng 3-D (tương tự như ViewMaster, cho những người đủ cũ để nhớ lại). & NBSP; Bức ảnh cho thấy sân thượng của suối nước nóng trên sông Gardiner. & NBSP; Người đàn ông với lưng vào máy ảnh có lẽ là Thomas Moran, nghệ sĩ nhân viên. & NBSP; Các bức ảnh của Jackson và các bản phác thảo và tranh vẽ của Moran là một yếu tố quan trọng trong quyết định biến Yellowstone thành công viên quốc gia đầu tiên của quốc gia vào năm 1872. (1862) – Alexander Gardner When Ferdinand Hayden was organizing a U.S. Geological Survey expedition to Wyoming, he selected William Henry Jackson as his team photographer, thus giving Jackson the opportunity to be one of the first to capture the wonders of Yellowstone through the relatively new medium. The print above is designed for a stereograph viewer, which created a 3-D effect (similar to Viewmaster, for those old enough to recall). The photo shows the terraces of the Mammoth Hot Springs on the Gardiner River. The man with his back to the camera is probably Thomas Moran, the staff artist. Jackson’s photos and Moran’s sketches and paintings were an important factor in the decision to make Yellowstone the nation’s first National Park in 1872. Số 27, một lần hơi mơ hồ; Số 28, giờ là một công nhân nhỏ (khoảng năm 1875) - Thomas John Barnardo & Thomas John Barnesthomas Barnardo là một nhà từ thiện người Anh, người đã thành lập 112 ngôi nhà cho trẻ em vô gia cư từ năm 1870 và cái chết của ông vào năm 1905. Trẻ em khi đến và sau đó vài tháng để cho thấy những cải tiến do giáo dục, thực phẩm bổ dưỡng, chăm sóc yêu thương và sử dụng thời gian của chúng. & nbsp; Barnardo đã thuê nhiếp ảnh gia Thomas John Barnes để thực hiện những bức ảnh này trước khi và sau khi các bức ảnh được bán trong các bộ như một cách để công khai tổ chức từ thiện và cũng để gây quỹ. & nbsp; Một cặp ảnh như vậy được hiển thị ở trên: Số 27, một khi hơi mơ hồ và số 28, bây giờ là một người lao động nhỏ & NBSP; Không ăn cắp ví của bạn, đã được Tiến sĩ Barnardo biến thành một người học việc cần cù, người sẽ có lợi cho xã hội thay vì săn lùng nó. (c. 1875) – Thomas John Barnardo & Thomas John Barnes Thomas Barnardo was a British philanthropist who founded 112 homes for homeless children between 1870 and his death in 1905. In 1874, Barnardo began photographing each child upon arrival and then several months later to show the improvements brought on by education, nutritious food, loving care and the gainful use of their time. Barnardo hired photographer Thomas John Barnes to make these ‘before’ and ‘after’ photographs, which were sold in sets as a way to publicize the charity and also to raise funds. One such pair of photos is shown above: No. 27, Once a Little Vagrant, and No. 28, Now a Little Workman focuses on the worst fears and best hopes of the average citizen: the shiftless homeless child, likely as not to steal your purse, has been transformed by Dr. Barnardo into an industrious cobbler’s apprentice, who will benefit society instead of preying upon it. COWS (Sê-ri) (1884)-Nhiếp ảnh gia Ottomar Anschützgerman & NBSP; Ottomar Anschütz quan tâm đến việc chụp các vật thể và chúng sinh trong chuyển động, vì vậy anh ấy đã phát minh ra & NBSP; & nbsp; Sử dụng thiết bị độc đáo của mình, anh ấy đã sản xuất một loạt hình ảnh nổi tiếng của những con cò (còn được gọi là cò trong chuyến bay) sẽ chứng tỏ là nguồn cảm hứng cho Otto Lilienthal, sau đó là những thí nghiệm với tàu lượn. (series) (1884) –
Ottomar Anschütz The Art of Living a Hundred Years (series) (1886) – Paul Nadar The September 8, 1886 edition of Le Journal illustré, a Paris newspaper, contained an extensive interview with 100-year-old French chemist Michel Eugène Chevreul conducted by Nadar (Felix Tourncheon), the famous French photographer. Accompanying the article, which was titled “The Art of Living 100 Years” were 13 half-tone prints of Chevreul, both alone and with Nadar, using photographs taken by Nadar’s son Paul Nadar. The resulting article is considered the first photo-interview, a blending of photographs and text that was made possible by the invention of the half-tone process. An Ancient Lodger and the Plank on Which She Slept, at Eldridge Police Station (c. 1888-1890) – Jacob A. Riis Born in Denmark, Jacob Riis came to New York and became a journalist. In 1878, he obtained a prime position as a police-beat reporter for the New York Tribune, covering the notorious slum neighborhood of Mulberry Bend. He documented the squalor and misery of the tenement dwellers and the homeless in newspaper articles and lectures, all of which were designed to bring about social reform. In 1888, Riis began supplementing his articles and lectures with photographs: he used glass-plate negatives and the recently-invented magnesium flash to pierce the dark tenements, alleys and hideouts that so often featured in his stories. For ten years, Riis made images of searing power, and then, satisfied that he had enough documentation, he put down his camera. This image, with an unexplained hand entering from the right, is part of a series of photos of indigent men and women who lodged at the de facto homeless shelters set up at various police stations. Riis was convinced that these police lodging houses were breeding grounds for crime and disease. The Onion Field (1889) – George Davison The Onion Field is the most highly-regarded photograph by British photographer George Davison. After experimenting with techniques that rendered sharp, realistic images of landscapes, Davison opted instead for the hazy impressionism that would become the hallmark of pictorialism. The Onion Field was made with a pinhole camera and printed on rough paper to create the impression of a painting. Davison’s pictorialist views found no favor in the Royal Photographic Society, so he left that organization and founded his own, the Linked Ring Brotherhood. Raised in poverty as the son of a shipyard carpenter, Davison obtained employment at Eastman Kodak UK in 1888 and eventually became a millionaire. Chronophotographic Study of Man Pole Vaulting (1890-1891) – Etienne-Jules Marey Etienne-Jules Marey was a French physician who became fascinated by animal movement and became a pioneer in the fields of both photography and cinema. Beginning in the 1870s, he began experimenting with cameras that could create multiple exposures within a single frame, thus allowing a scientific study of motion. After early work with birds and a famous series showing how a cat always lands on its feet, Marey turned to human beings. In 1882, he developed a chronophotographic camera that could take 12 photographs per second. On at least two occasions, he aimed the camera’s gun-like barrel at a man performing a pole vault. An earlier version dates to 1886-1887, while the above image (or images) dates to 1890-1891. Like Harold Edgerton’s strobe-flash photos, Marey’s scientifically-titled “chronographic study” also has much artistic beauty in it. Portrait of Miss N (1902) – Gertrude Käsebier As photographer and subject, Gertrude Käsebier and Evelyn Nesbit could not have been more different: Käsebier was the mother of three, married to a man she did not love, who had decided to go to art school at the age of 37 and become a professional photographer. At 18, Evelyn Nesbit was already a notorious celebrity: a fashion model and stage actress who had been associated with numerous men, especially architect Stanford White, who began his relationship with Nesbit when she was 16 and he was 47. Years after this photo was taken, Nesbit’s unstable millionaire husband would shoot and kill Stanford White in a restaurant. Käsebier was the first woman in Alfred Stieglitz’s Photo Secession group, and she was considered the best portraitist of her day. She adhered to the dominant pictorialist style,, which emphasized hazy painting-like effects and composition over harshly etched realism. The Portrait of Miss N. is clear enough to be a useful portrait, but the composition (particularly the gesture of offering the pitcher) and the gauzy overlay place the photography squarely within the pictorialist tradition. Ironically, after becoming one of the first women to be accepted by her male cohorts, Käsebier split from Stieglitz and others over the issue of commercialism. With three mouths to feed, and a chronically ill husband, Käsebier found the Photo Secession’s ‘art for art’s sake’ philosophy a luxury she could not afford. RODIN với nhà tư tưởng (1902) - Nhiếp ảnh gia Edward Steichenamerican Edward Steichen khao khát được chụp ảnh nhà điêu khắc người Pháp Auguste Rodin bên cạnh hai tác phẩm vĩ đại nhất của ông: tượng đài của Victor Hugo và nhà tư tưởng. & nbsp; Hãy tưởng tượng Steichen, mất tinh thần khi anh ấy đến Studio Rodin, Paris vào năm 1901 và thấy rằng hai tác phẩm điêu khắc lớn cách xa nhau đến nỗi anh ấy không thể phù hợp với chúng trong cùng một khung. & nbsp; Thay vào đó, Steichen đã mượn một kỹ thuật từ những người hình ảnh những năm 1850, Henry Peach Robinson và Gustav Rejlander và chụp những bức ảnh riêng biệt - một của Rodin và Victor Hugo và một người tư tưởng khác - và sau đó kết hợp những tiêu cực trong phòng tối. & nbsp; Kết quả là một kiệt tác theo phong cách hình ảnh họa sĩ, quản lý để cho chúng ta thấy nghệ sĩ dưới dạng sáng tạo anh hùng của anh ta đồng thời làm mềm các bức tượng bằng đồng và đá cẩm thạch cho kết cấu gần như của con người. (1902) – Edward Steichen American photographer Edward Steichen longed to photograph French sculptor Auguste Rodin next to two of his greatest works: the Monument to Victor Hugo and The Thinker. Imagine Steichen’s dismay when he arrived in Rodin’s Paris studio in 1901 and found that the two massive sculptures were so far apart that he could not fit them in the same frame. Instead, Steichen borrowed a technique from 1850s pictorialists Henry Peach Robinson and Gustav Rejlander and took separate photos – one of Rodin and the Victor Hugo and another of the Thinker – and then combined the negatives in the darkroom. The result is a masterpiece in the painterly pictorialist style that manages to show us the artist in the form of his heroic creations while at the same time softening the bronze and marble statues to almost human textures. Chuyến bay đầu tiên của Wright Brothers, (1903) - John T. Daniels, Jr.Aln Anh đã chụp một trong những bức ảnh nổi tiếng nhất trong lịch sử, John T. Daniels, Jr. không phải là một nhiếp ảnh gia. & nbsp; Ông là một thành viên của Trạm cứu trợ Kill Devil Hills ở Bắc Carolina, được điều hành bởi Lực lượng bảo vệ bờ biển Hoa Kỳ. & nbsp; Daniels và các thành viên khác của trạm cứu sinh đã hỗ trợ và chứng kiến Orville và Wilbur Wright khi họ thực hiện các chuyến bay nặng hơn, có người lái, có người lái, vào ngày 17 tháng 12 năm 1903. & NBSP; Xem camera với âm tính phủ kính năm tỷ inch để ghi lại sự kiện (và ngăn chặn tranh chấp bằng sáng chế). Họ đặt máy ảnh lên giá ba chân và Orville đã hỏi Daniels - người thậm chí chưa bao giờ nhìn thấy máy ảnh trước đây - để siết bóng đèn khi máy bay trên không. & nbsp; Orville đã giành được một đồng xu và thực hiện chuyến bay đầu tiên, lần đầu tiên chạy máy bay dọc theo một con đường monorail được lắp đặt trên cát, sau đó cất cánh. & nbsp; Daniels đã chụp bức ảnh khi biplane đang lên và đã đạt được độ cao hai feet. & nbsp; Chuyến bay đầu tiên chỉ dài 12 giây. & nbsp; Những bức ảnh khác được chụp vào ngày hôm đó đã không xuất hiện rõ ràng, bao gồm cả bức ảnh của chuyến bay thứ ba dài hơn nhiều. & nbsp; (1903) – John T. Daniels, Jr. Although he took one of the most famous photos in history, John T. Daniels, Jr. was not a photographer. He was a member of the Kill Devil Hills Lifesaving Station in North Carolina, which was run by the U.S. Coast Guard. Daniels and other members of the Lifesaving Station assisted and witnessed Orville and Wilbur Wright when they made the first heavier-than-air, manned, powered flights, on December 17, 1903. The Wrights had come equipped with a Gundlach Korona view camera with a five-by-seven inch glass-plate negative to record the event (and stave off patent disputes). They set the camera on a tripod and Orville asked Daniels – who had never even seen a camera before – to squeeze the bulb when the plane was airborne. Orville won a coin toss and made the first flight, first running the plane along a monorail installed in the sand, then taking off. Daniels took the picture as the biplane was rising up and had reached an elevation of two feet. The first flight was only 12 seconds long. Other photos taken that day did not come out clearly, including a photo of the much longer third flight. Tòa nhà Flatiron (1903) - Alfred Stieglitz giống như rất nhiều nhà đổi mới, Alfred Stieglitz có mối quan hệ phức tạp với nghệ thuật của mình. & nbsp; anh ấy được biết đến nhiều nhất với cuộc thập tự chinh đam mê để chụp ảnh nghiêm túc như một hình thức nghệ thuật. & nbsp; Ông đã thành lập The Photo-Secession và Studio 291 (với Edward Steichen) và tác phẩm Camera Magazine có ảnh hưởng. Lúc đầu, ông tin rằng chủ nghĩa hình ảnh-thao túng các bức ảnh để tạo ra các hiệu ứng giống như bức tranh-là phong cách nghệ thuật, trong khi phim tài liệu hoặc nhiếp ảnh thẳng-chỉ cần chỉ máy ảnh và chụp ảnh-không thể được bảo vệ như nghệ thuật. & nbsp; Nhưng trong suốt sự nghiệp của mình, tác phẩm của Stieglitz, phản bội một nhiếp ảnh gia thẳng thắn ẩn giấu bên dưới những cái bẫy hình ảnh. Bức ảnh của ông về tòa nhà Flatiron - sau đó là một biểu tượng của chủ nghĩa hiện đại - tin rằng một sự quan tâm đến hình thức thuần túy (đặc biệt là cây) sẽ xuất hiện trở lại trong công việc và công việc của Paul Strand. (1903) – Alfred Stieglitz Like so many innovators, Alfred Stieglitz had a complicated relationship with his art. He is best known for his passionate crusade to have photography taken seriously as an art form. He founded the Photo-Secession and studio 291 (with Edward Steichen) and the influential magazine Camera Work. At first, he believed that pictorialism – manipulating photos to create painting-like effects – was the artistic style, while documentary or straight photography – just pointing the camera and taking the picture – could not be defended as art. But throughout his career, Stieglitz’s work betrays a straight photographer hiding beneath the pictorialist trappings. His photo of the Flatiron Building – then a symbol of modernism – belies an interest in pure form (particularly the tree) that would resurface in The Steerage and the work of Paul Strand. BREAKER BOYS trong máng than, South Pittston, Pennsylvania (1911) - Các chàng trai Lewis Hinebreaker đã được sử dụng trong các mỏ than Anthracite để tách đá phiến ra khỏi than sau khi nó được đưa ra khỏi trục. Các chàng trai thường làm việc 14 đến 16 giờ một ngày. & nbsp; Ghi chú của nhiếp ảnh gia Lewis Hine, sau đó làm việc cho Ủy ban Lao động Trẻ em Quốc gia, & NBSP; chỉ ra rằng bức ảnh này được chụp vào buổi trưa, mặc dù mặt trời chiếu qua một cửa sổ phía sau hầu như không chiếu sáng nội thất buồn tẻ, tràn ngập. Anh ta hỏi các chàng trai ở độ tuổi của họ, nhưng lưu ý rằng họ nghi ngờ anh ta và thường nói dối, nói với Hine rằng họ 12 hoặc 14 tuổi khi rõ ràng họ trẻ hơn nhiều. & NBSP; Điều này và Hine, nhiều bức ảnh khác & nbsp; của trẻ em tại nơi làm việc là công cụ trong việc thông qua các luật cấm lao động trẻ em ở Hoa Kỳ & NBSP; (1911) – Lewis Hine Breaker boys were used in the anthracite coal mines to separate slate rock from the coal after it had been brought out of the shaft. The boys often worked 14 to 16 hours a day. Notes taken by photographer Lewis Hine, then working for the National Child Labor Committee, indicate that this picture was taken at the noon break, although the sun shining through a rear window barely illuminates the dreary, soot-drenched interior. He asked the boys their ages, but noted that they were suspicious of him and often lied, telling Hine they were 12 or 14 when it was clear they were much younger. This and Hine’s many other photos of children at work were instrumental in the passage of laws prohibiting child labor in the U.S. Octopus (1912) - Nhiếp ảnh gia Alvin Langdon Coburnamerican Alvin Langdon Coburn pha trộn tính thẩm mỹ tập trung mềm mại của chủ nghĩa hình ảnh với sự nhạy cảm hiện đại ở Octopus, một bức ảnh của Quảng trường Madison ở thành phố New York được chụp từ đỉnh của một tòa nhà chọc trời. & nbsp; Phối cảnh từ trên xuống khác thường tạo ra cảm giác trật khớp chóng mặt; Những con đường đen (cánh tay của con bạch tuộc) cuộn qua tuyết trắng và bóng phallic của tòa nhà vô hình có chức năng nhiều như các hình thức trừu tượng như các yếu tố kiến trúc. & nbsp; Được kết hợp với nhau, các yếu tố này vận chuyển hình ảnh này cách xa những cảnh họa sĩ của những người theo đạo diễn trước đó và vào một loại hình nghệ thuật hiện đại mới sẵn sàng thách thức người xem. (1912) – Alvin Langdon Coburn American photographer Alvin Langdon Coburn blends the soft focus aesthetic of pictorialism with a modernist sensibility in The Octopus, a photo of Madison Square in New York City taken from the top of a skyscraper. The unusual top-down perspective creates a dizzying sense of dislocation; the black paths (the arms of the octopus) winding through the white snow and the phallic shadow of the unseen building function as much as abstract forms as architectural elements. Taken together, these elements transport this image far from the painterly scenes of earlier pictorialists and into an new type of modernist art that is willing to challenge the viewer. Làm rác rưởi (poster) (1915) - Lewis Hine với tư cách là nhiếp ảnh gia chính thức cho Ủy ban Lao động Trẻ em Quốc gia từ năm 1908 cho đến Thế chiến thứ nhất, Lewis Hine chụp ảnh trẻ em làm việc trong tất cả các ngành công nghiệp để & NBSP; Lao động trẻ em và khuyến khích việc thông qua luật cấm thực hành. & nbsp; Chủ nhân của ông, một nhóm vận động phi lợi nhuận, thường xuyên trình bày các bức ảnh của ông tại các triển lãm công cộng. & NBSP; Đối với một trong những triển lãm này, Hine đã tạo ra một đoạn phim trên một tấm áp phích mang tên làm cho rác của con người cho thấy rằng lao động trẻ em đã đưa trẻ nhỏ khỏe mạnh và xử lý chúng thành 'rác' & nbsp; tiền lương. Hine sau đó đã hỏi, ngành công nghiệp sẽ được phép đặt chi phí này cho xã hội? Một số người đã ca ngợi poster vì tác động chính trị mạnh mẽ của nó nhưng những người khác đã chỉ trích nó là phán xét. & NBSP; Không giống như các bức ảnh độc lập của Hine, mà & nbsp; Đáy là rác của con người. Có lẽ vô tình, & nbsp; poster Hine, khi cố gắng đưa ra một quan điểm hợp lệ, lạm dụng hình ảnh của những đứa trẻ mà nó tìm cách giúp đỡ. (poster) (1915) – Lewis Hine As official photographer for the National Child Labor Committee from 1908 until the First World War, Lewis Hine photographed children working in all sorts of industries in order to publicize the degrading and unhealthy conditions of child labor and encourage the passage of laws banning the practice. His employer, a non-profit advocacy group, regularly presented his photographs at public exhibitions. For one of these exhibitions, Hine created a montage of photographs on a poster entitled Making Human Junk showing that child labor took healthy young children and processed them into ‘junk’ – unhealthy young people who could look forward to “no future and low wages.” Hine then asked, “Shall Industry be Allowed to Put this Cost on Society?” Some have praised the poster for its powerful polemic impact but others have criticized it as judgmental. Unlike Hine’s stand-alone photographs, which present the children as individuals without making value judgments, Making Human Junk categorizes the children according to their worth: the children in the top photos are “good material” while those at the bottom are “human junk.” Perhaps unintentionally, Hine’s poster, in trying to make a valid point, misuses the images of the children it seeks to help. PORCH Shadows & nbsp; (1916) - Phao -lô nhiều đổi mới nghệ thuật được sinh ra do tai nạn hoặc chỉ được phát hiện trong quá trình nhìn lại, nhưng Paul Strand, các thí nghiệm táo bạo về hình học và trừu tượng phát sinh từ một nỗ lực có ý thức & nbsp; sang & nbsp; dịch hình lập hình thành phương tiện chụp ảnh. Bóng hiên, được thực hiện vào mùa hè năm 1916 tại nhà tranh gia đình của Strand ở Connecticut, trình bày các đối tượng và tình huống của quotidian & nbsp; Xóa các bảng tính của bảng điều khiển của bảng, và thay vào đó là các đối tượng này & nbsp; Bóng hiên đã được giới thiệu trong số cuối cùng của công việc máy ảnh của Stieglitz và đại diện cho & nbsp; một hướng đi mới trong nhiếp ảnh hiện đại, với các thao tác mờ nhạt của hình ảnh bị bỏ lại, & nbsp; được trang bị công cụ mới của nhiếp ảnh thẳng, & nbsp; về sự trừu tượng - hình ảnh tập trung mạnh mẽ & nbsp; của thực tế, nhưng được hiển thị trừu tượng bởi nhiếp ảnh gia & nbsp; art. & nbsp; Một bản in khác của cảnh trong bóng hiên, trong đó bảng chiếm nhiều khung hình hơn, tạo ra một tam giác chiếm ưu thế, & nbsp; được hiển thị bên dưới .. (1916) – Paul Strand Many artistic innovations are born by accident or discovered only in retrospect, but Paul Strand’s daring experiments in geometry and abstraction arose out of a conscious effort to translate Cubism into the photographic medium. Porch Shadows, taken in the summer of 1916 at Strand’s family cottage in Connecticut, presents quotidian objects and situations – a table on a porch on a sunny day – in a way that obscures their functionality. Strand choses an angle that removes the table’s “tableness” and instead presents these objects (and the shadows they cast) as two-dimensional abstract geometric figures: straight lines, curved lines, alternating dark and light parallels. Porch Shadows was featured in the last issue of Stieglitz’s Camera Work and represents a new direction in modernist photography, with pictorialism’s fuzzy manipulations left behind, armed with the new tool of straight photography, Strand and others embarked on a new aesthetic of abstraction – sharply focused images of reality, but rendered abstract by the photographer’s art. Another print of the scene from Porch Shadows, in which the table takes up more of the frame, creating a dominant triangle, is shown below. Bánh xe dây (1917) - Paul Strandpaul Strand & nbsp; bánh xe tiếp tục trong tĩnh mạch của bóng hiên; đối tượng. & nbsp; Nhưng bức ảnh của Strand cho thấy chúng ta đủ để cho chúng ta biết rằng đây là một ô tô, và cái nhìn thoáng qua về chức năng của đối tượng vang vọng sự mê hoặc của các nghệ sĩ trong những năm trước thế giới với tôi với máy móc và tốc độ. & NBSP; Những người tương lai ở Ý là những kẻ lập dị tốc độ rõ ràng nhất, nhưng trên toàn thế giới, các nghệ sĩ trên nhiều phương tiện truyền thông đã tôn vinh những cỗ máy khiến họ đi nhanh hơn. & NBSP; Sau cuộc chiến vĩ đại, trong đó chứng minh sức mạnh của & nbsp; máy móc gây ra sự khốn khổ chưa được kể, một thái độ bi quan hơn sẽ thay thế sự nhiệt tình như trẻ con này. (1917) – Paul Strand Paul Strand’s Wire Wheel continues in the vein of Porch Shadows; he photographs a common object – an automobile – in such a way that emphasizes the lines and abstract shapes over the practical purpose of the object. But Strand’s photo shows us enough to let us know that this is an auto, and that glimpse of the object’s functionality echoes the fascination of artists in the years before World Wor I with machines and speed. The Futurists in Italy were the most obvious speed freaks, but all over the world, artists in various media were celebrating the machines that made them go faster. After the Great War, which demonstrated the power of machines to cause untold misery, a more pessimistic attitude would replace this childlike enthusiasm. Vortograph số 1 (1917) - Alvin Langdon Coburnin 1913, nhiếp ảnh gia người Mỹ Alvin Langdon Coburn & NBSP; đã chuyển đến Anh, nơi ông gặp Wyndham Lewis, & NBSP; trong nghệ thuật. & nbsp; Coburn & nbsp; đã tự mình xây dựng một chiếc máy ảnh có khả năng chụp & nbsp; hình ảnh & nbsp; của các đối tượng thực sự thực sự trừu tượng. & Nbsp; Ông đã chế tạo một thiết bị giống như kính vạn hoa & nbsp; sử dụng ba gương và gắn nó là & nbsp; cuối máy ảnh. . (1917) – Alvin Langdon Coburn In 1913, American photographer Alvin Langdon Coburn relocated to England, where he met Wyndham Lewis, Ezra Pound and their group of abstract artists, the Vorticists, who were inspired by the Cubist revolution in art. Coburn took it upon himself to construct a camera that was capable of taking photographs of real objects that were truly abstract. He constructed a kaleidoscope-like device using three mirrors and attached it the end of the camera. The results were what Pound called “Vortographs”, the most highly abstract photos to date. Vortograph No. 1 includes household objects and crystal, which create a myriad of reflections in Coburn’s mirrors. The experiment was short-lived, however, and only a couple of dozen vortographs are known to exist. Echeveria & nbsp; (khoảng năm 1922)-Albert Renger-Patzschalbert Renger-Patzsch là một nhiếp ảnh gia người Đức, người có liên quan đến phong trào nghệ thuật Neue Sachlichheit (tính khách quan mới). & NBSP; Những bức ảnh của ông về thực vật, động vật và các đặc điểm khác của thế giới chúng ta được thiết kế để nắm bắt bản chất của chủ đề mà không giới thiệu bất kỳ hiệu ứng nghệ thuật nào. & NBSP; Cách tiếp cận của ông có thể được nhìn thấy trong sự lựa chọn của ông cho tiêu đề của cuốn sách thứ hai của ông. & NBSP; Nhà xuất bản khăng khăng về tiêu đề vui vẻ, thế giới rất đẹp, từ chối & nbsp; renger-patzsch, thêm đề xuất bình thường: & nbsp; mọi thứ. (c. 1922) – Albert Renger-Patzsch Albert Renger-Patzsch was a German photographer who was associated with the Neue Sachlichheit (New Objectivity) artistic movement. His photographs of plants, animals and other features of our world were designed to capture the essence of the subject without introducing any ‘artistic’ effects. His approach may be seen in his choice for the title of his second book. The publisher insisted on the cheery title, The World is Beautiful, rejecting Renger-Patzsch’s more prosaic suggestion: Things. Lathe No. 3, Akeley Shop, NY (1923) – Paul Strand In 1917, the United States entered World War I and photographer Paul Strand joined the Army Medical Corps, where he worked as an X-ray technician. After the war, Strand’s artistic focus changed from still photography to film. He purchased a movie camera from the Akeley Shop in New York and collaborated with painter/photographer Charles Sheeler on an avant-garde film portrait of Manhattan. (You can watch the 10-minute film Manhatta here.) Sheeler worked in the realistic style known as precisionism, and Strand came under his influence in the 1920s. Among the few still photographs Paul Strand made in the years after the war are a series of images depicting the lathes and other machines used by the Akeley Shop to repair the movie cameras they sold. Despite the horrors wreaked by modern machinery in World War I, Americans in the 1920s still had a general faith in the ability of machines to bring about progress and a better life. The idealized portrait of Lathe No. 3 (notice that the gleaming surfaces appear brand new, and not in their working state) reflects this confidence in mechanical salvation, the same confidence that Charlie Chaplin would later lampoon in Modern Times. Illustrations for Mayakovsky’s “About This” (1923) – Alexander Rodchenko Soviet Constructivist Alexander Rodchenko made art in a variety of media, including photography and graphic design. In the early 1920s, he began experimenting with photomontage, using his own photographs and images clipped from magazines. His masterpiece is the set of eight photomontage illustrations he created for a book-length poem by his friend Vladimir Mayakovsky. The poem, “About This: To Her and to Me”, details Mayakovsky’s love affair with Lily Brik. The illustrations, one of which is pictured above, include photographs of Mayakovsky, Brik and their friends, set in a topsy-turvy world in which Rodchenko ignores both the rules of linear perspective and the traditional hierarchy of sizes. Two Shells (1927) – Edward Weston After abandoning his Pictorialist past, Edward Weston began to explore classic art subjects such as the nude and the still life. His notebooks show an obsession with trying every possible combination of background, lighting and arrangement to achieve his goal of depicting both the physical and spiritual natures of his subjects. While identifiable as natural objects, Weston’s vegetables, shells and nudes take on symbolic meaning through abstraction and manipulation. In Two Shells, for example, Weston nestles one chambered nautilus shell inside another, creating a hybrid form that does not exist in nature. The man-made construction rests on the top of a barrel, creating a sense of depth, and stands out starkly against a black void. The non-reflective matte finish of the lower shell contrasts with the glossy polished upper shell, which catches and reflects the light source, as if some bright idea was flashing through the head of this fantastic being. On the
Telephone (1928) – Alexander Rodchenko Among the new aesthetic theories thriving in the Soviet Union in the 1920s was the idea that art should renew the immediacy of human experience by showing us familiar things in an unfamiliar way. Photographer Alexander Rodchenko put this maxim into action by photographing ordinary scenes from extraordinary (usually oblique) angles. He began in his own apartment building, where his bird’s eye view gives us a new perspective on an otherwise banal subject – a person talking on the telephone. Portrait of James Joyce (1928) – Berenice Abbott Before becoming famous for her portraits of New York City, American artist Benenice Abbott traveled to Europe, where, in 1923, she signed on as Man Ray’s assistant in his Paris photography studio. In 1926, after her first show of original work, Abbott opened her own Paris studio and began photographing artists, celebrities and others seeking portraiture. She photographed Irish expatriate writer James Joyce twice, in 1926, in his home, and in 1928, in the studio. The 1928 portrait, taken after Ulysses and before Finnegan’s Wake, is shown above. It is considered the definitive Joyce portrait. Equivalent (1929) – Alfred Stieglitz Alfred Stieglitz, one of the great early photographers and an American modernist pioneer, made at least 220 photographs of the sky with clouds (and occasionally the sun or some trees) between 1922 and 1935. This was a significant technical achievement, as the early chemical processes tended to wash out the sky, making the clouds disappear. But Stieglitz’s goal was not merely technical. He wanted to use these straight, representational photos to create the first fully abstract artworks in the medium. Beginning in the mid-1920s, Stieglitz began to title these works Equivalents, based on the theory, proposed by Wassily Kandinsky and discussed at the 291 Gallery, that abstract colors, shapes and lines were the equivalent of emotions and other mental states, what Kandinsky called the inner “vibrations of the soul.” Glass Tears (1930-1932)-Người đàn ông Rayman Ray đã tạo ra Les Larmes (thường được dịch là nước mắt thủy tinh) vào thời điểm mối quan hệ lãng mạn của anh ta với trợ lý Lee Miller đang kết thúc. Khuôn mặt bị cắt sát của đối tượng nữ cho thấy các chi tiết như các khối mascara trên lông mi của cô ấy và rõ ràng phơi bày những giọt nước mắt của cô ấy là những hạt thủy tinh giả. Những giọt nước mắt thủy tinh này khiến chúng tôi đặt câu hỏi liệu người phụ nữ có ánh mắt đau khổ cũng được sản xuất hay không. Nước mắt thủy tinh kết hợp các yếu tố của tự truyện với Dada và siêu thực. Itsresemblance cho một bộ phim cận cảnh của một bộ phim nhắc nhở chúng ta rằng ngoài tác phẩm được hoan nghênh của ông là một nhiếp ảnh gia và họa sĩ, Man Ray đã thực hiện một số bộ phim thử nghiệm-có phải là nước mắt thủy tinh trong một phần phê bình của nghệ thuật điện ảnh? (1930-1932) – Man Ray Man Ray created Les Larmes (often translated as Glass Tears) at a time when his romantic relationship with assistant Lee Miller was ending. The closely-cropped face of the female subject reveals details such as clumps of mascara on her eyelashes and clearly exposes her tears as fake – mere glass beads. These glass tears lead us to question whether the woman’s distressed glance is also manufactured. Glass Tears combines elements of autobiography with dada and surrealism. Itsresemblance to a still of a film close-up reminds us that in addition to his acclaimed work as a photographer and painter, Man Ray made a number of experimental films – is Glass Tears in part a critique of the artifice of cinema? Cặp đôi trong Raccoon Coats (1932) - James Van der Zeeborn ở Lenox, Massachusetts, James Van der Zee chuyển đến thành phố New York với tư cách là một chàng trai trẻ với niềm đam mê nhiếp ảnh. & NBSP; Đến năm 1916, ông đã mở studio của riêng mình ở Harlem, đúng lúc để bắt Harlem Phục hưng. & NBSP; Chân dung của anh ta về cư dân Harlem, bao gồm nhiều bức ảnh cưới và sau khi chết, thường được phơi bày gấp đôi hoặc bị thao túng, đã chụp được tầng lớp trung lưu đen đang phát triển trong những năm giữa các cuộc chiến. & NBSP; Cặp đôi trong áo khoác Raccoon (đôi khi được gọi là cặp vợ chồng Harlem trong Coats Raccoon) cung cấp nhiều dữ liệu cho & nbsp; nhà xã hội học và nhà phê bình nghệ thuật. & NBSP; Người đàn ông và người phụ nữ tốt làm việc & nbsp; tự hào thể hiện sự giàu có cá nhân của họ thông qua áo khoác raccoon sang trọng của họ và chiếc ô tô Cadillac Roadster sáng bóng của họ. & NBSP; Ánh nắng mặt trời thực sự lấp lánh khỏi chrome của mặt trước và lốp dự phòng. & Nbsp; Lưu ý các tư thế - & nbsp; Man & nbsp; nằm thoải mái, bóng tối & nbsp; che khuất khuôn mặt anh ta một chút, trong khi người phụ nữ đứng & nbsp; bên cạnh xe, cương cứng, rời mắt khỏi máy ảnh. ; các dòng để đóng khung chiếc xe và cũng cung cấp độ sâu. Là chiếc xe và áo khoác & nbsp; còn sót lại từ & nbsp; & nbsp; thịnh vượng & nbsp; hồi 20s; Có phải cặp vợ chồng này cho thấy họ đã thoát khỏi vụ tai nạn, hay đây là một loại & nbsp; fakery được thiết kế để đánh lừa mọi người ở nhà? (1932) – James Van Der Zee Born in Lenox, Massachusetts, James Van Der Zee moved to New York City as a young man with a passion for photography. By 1916, he had opened his own studio in Harlem, just in time to catch the Harlem Renaissance. His portraits of Harlem residents, including many wedding and post-mortem photographs, often double-exposed or otherwise manipulated, captured the growing black middle class in the years between the wars. Couple in Raccoon Coats (sometimes called Harlem Couple in Raccoon Coats) provides a wealth of data for the sociologist and the art critic alike. The well-to-do man and woman proudly display their personal wealth through their luxurious raccoon coats and their shiny Cadillac Roadster automobile. The sunshine truly gleams off the chrome of the front end and spare tire. Note the poses – the man sits comfortably, shadows obscuring his face slightly, while the woman stands beside the car, erect, looking away from the camera. The brownstones in the background provide both vertical and horizontal lines to frame the car and also provide depth. Those who have studied the photograph note that by 1932, when it was taken, the US was in the depths of the Great Depression. Were the car and coats left over from the prosperous ’20s; Was this couple showing that they had escaped the Crash, or Was this some kind of fakery designed to fool the folks back home? Chi tiết nội thất, Nhà khai thác than West Virginia (1935) - Nhiếp ảnh gia Walker Evansamerican Walker Evans có được vị trí với Cơ quan tái định cư Hoa Kỳ (sau đó là Cơ quan An ninh Nông trại) vào năm 1935. & NBSP; Nhiệm vụ đầu tiên của ông là chụp ảnh một cộng đồng tái định cư do chính phủ xây dựng các công ty khai thác than thất nghiệp ở West Virginia. & NBSP; Ở đây, & nbsp; Walker đối chiếu sự vui vẻ của các quảng cáo (và lời hứa thịnh vượng mà họ dường như giữ, nếu chế giễu) với chiếc ghế bập bênh trống rỗng và cây chổi không sử dụng. & Nbsp; Một sự cô đơn sâu thẳm trên bức ảnh-người khai thác than thất nghiệp không tận hưởng những niềm vui ít ỏi của chính phủ do chính phủ chế tạo-có lẽ anh ta đang tìm kiếm một công việc. & NBSP; Ngay cả ánh nắng mặt trời cũng mơ hồ - nó vào nhà, nhưng không đến được ghế, khiến phần còn lại của căn phòng trong bóng tối. (1935) – Walker Evans American photographer Walker Evans obtained a position with the US Resettlement Administration (later the Farm Security Administration) in 1935. His first assignment was to photograph a government-built resettlement community of unemployed coal miners in West Virginia. Here, Walker contrasts the unholy glee of the advertisements (and the promise of prosperity they seem to hold out, if mockingly) with the empty rocking chair and the unused broom. A deep loneliness creeps over the photo – the unemployed coal miner is not enjoying the meager delights of his government-built ‘castle’ – maybe he is out looking for a job. Even the sunshine is ambivalent – it enters the house, but fails to reach the chair, leaving the rest of the room in shadow. Mainbocher Corset, Paris (1939)-Horst P. Horstmainbocher Corset, bức ảnh nổi tiếng nhất của nhiếp ảnh gia sinh ra ở Đức Horst P. Horst, đã được chụp tại các hãng phim của Paris Vogue vào tháng 8 năm 1939, chỉ vài ngày trước khi Horst trốn khỏi Paris như Thế chiến II bắt đầu. & nbsp; Bức ảnh làm nổi bật kỹ năng kỳ lạ của anh ấy trong việc kiểm soát & nbsp; ánh sáng và bóng tối, chủ đề và nền & nbsp; để tạo ra một hỗn hợp tâm trạng. & Nbsp; ở đây, & nbsp; Mystery và & nbsp; của siêu thực. & nbsp; Vì vậy, nhiều hơn một quảng cáo đồ lót, Mainboter Corset là một tác phẩm nghệ thuật. (1939) – Horst P. Horst Mainbocher Corset, the most famous photo by German-born photographer Horst P. Horst, was taken at the studios of Paris Vogue in August 1939, just days before Horst fled Paris as World War II began. The photo highlights his uncanny skill at controlling light and shadow, subject and background to create a mixture of moods. Here, mystery and eroticism blend with a feeling of classical elegance, and over it all there is a touch of the surreal. So much more than a lingerie advertisement, Mainbocher Corset is a work of art. HITLER TẠI PARIS (1940) - Heinrich Hoffmannfollowing France, đầu hàng Đức trong Thế chiến II, Adolf Hitler quyết định tham gia một chuyến tham quan Paris. & NBSP; Vào ngày 23 tháng 6 năm 1940, anh lái xe qua thành phố bị chinh phục trong một chiếc ô tô với kiến trúc sư của mình, Albert Speer, và tác phẩm điêu khắc yêu thích của anh, Arno Breker. & NBSP; Gần tòa tháp Eiffel, Hitler đã dừng lại như vậy & nbsp; nhiếp ảnh gia cá nhân của anh ta, Heinrich Hoffmann, có thể chụp một bức ảnh du lịch của ba người đàn ông (Speer ở bên trái) với địa danh có thể nhận ra cao đằng sau họ. & NBSP; Bức ảnh đã sớm đi khắp thế giới, nơi nó cung cấp & nbsp; bằng chứng gây sốc về sức mạnh của Wehrmacht. & NBSP; Với Hitler kiểm soát thủ đô văn hóa của & nbsp; Châu Âu, dường như & nbsp; không ai an toàn trước mối đe dọa của Đức Quốc xã. & NBSP; (1940) – Heinrich Hoffmann Following France’s surrender to Germany in World War II, Adolf Hitler decided to take a tour of Paris. On June 23, 1940, he drove through the conquered city in a car with his architect, Albert Speer, and his favorite sculpture, Arno Breker. Near the Eiffel Tower, Hitler stopped so his personal photographer, Heinrich Hoffmann, could take a touristy photo of the three men (Speer is on the left) with the highly-recognizable landmark behind them. The photograph soon made its way around the world, where it provided shocking evidence of the power of the Wehrmacht. With Hitler in control of the cultural capital of Europe, it seemed that no one was safe from the Nazi menace. Năng lượng thuần túy và người đàn ông thần kinh (1940 hoặc 1941) - Barbara Morganbest được biết đến với những bức ảnh của Martha Graham và các vũ công khác, Barbara Morgan của Mỹ đã thể hiện một khía cạnh thử nghiệm hơn với một loạt các bản vẽ ánh sáng. Trong năng lượng thuần túy và người đàn ông thần kinh, Morgan đã tắt tất cả các đèn trong studio của mình, mở màn trập và thu hút các hình trong không khí bằng đèn pin. Năng lượng thuần túy là một sự nhộn nhịp điên cuồng - một điệu nhảy không có vũ công. Bàn tay con người, có lẽ là người đàn ông thần kinh, cân bằng và làm phức tạp thành phần, nối đất những tia sáng nóng này với thứ gì đó chúng ta có thể nắm bắt. (1940 or 1941) – Barbara Morgan Best known for her photographs of Martha Graham and other dancers, American Barbara Morgan displayed a more experimental side with a series of light drawings. In Pure Energy and the Neurotic Man, Morgan turned off all the lights in her studio, opened the shutter and drew figures in the air with a flashlight. ‘Pure Energy’ is a whirling frenzied bustle – a dance without a dancer. The human hand, presumably the ‘Neurotic Man’, balances and complicates the composition, grounding these hot flashes with something we can grasp. Người Do Thái cuối cùng ở Vinnitsa (Ukraine) (1941)- một phần chưa biết của sự chuẩn bị cho cuộc xâm lược của Hitler vào Liên Xô năm 1941, ông đã thành lập các đội tử thần được gọi là Einsatzg Lãnh thổ bị bắt. Einsatzgruppen đã bắn 28.000 người Do Thái ở thành phố Vinnitsa Ukraine trong hai vụ thảm sát riêng biệt vào tháng 9 năm 1941 và chôn chúng trong các ngôi mộ tập thể. Bức ảnh trên được phát hiện sau cuộc chiến trong album ảnh của một người lính Einsatzgruppen. Được viết ở mặt sau là những từ, người Do Thái cuối cùng ở Vinnitsa. (1941) – Unknown As part of the preparations for Hitler’s invasion of the Soviet Union in 1941, he established death squads called the Einsatzgruppen, whose task was to murder the Jews, Gypsies and Communists in the newly-captured territories. The Einsatzgruppen shot 28,000 Jews in the Ukrainian city of Vinnitsa in two separate massacres in September 1941 and buried them in mass graves. The photo above was discovered after the war in the photo album of an Einsatzgruppen soldier. Written on the back were the words, “The last Jew in Vinnitsa.” Thủy quân lục chiến dưới lửa, Saipan (1943)-Nhiếp ảnh gia W. Eugene SmithLife W. Eugene Smith đi cùng Thủy quân lục chiến Hoa Kỳ khi họ nhảy qua Thái Bình Dương chiến đấu với người Nhật vào năm 1944. & NBSP; , & nbsp; Smith theo dõi PFC-WEARY T.E. Underwood, vẫn còn dưới & nbsp; lửa, & nbsp; lấy một vệt nước từ căng tin của mình. Cú sút trở thành một hình ảnh mang tính biểu tượng của cuộc chiến ở Thái Bình Dương. (1943) – W. Eugene Smith Life photographer W. Eugene Smith accompanied the U.S. Marines as they island-hopped through the Pacific fighting the Japanese in 1944. During the fierce Battle of Saipan, during June and July 1944, Smith spied battle-weary PFC T.E. Underwood, still under fire, taking a swig of water from his canteen. The shot became an iconic image of the war in the Pacific. Vào hàm của cái chết (1944) - Những người lính Robert F. Sargentamerican từ Sư đoàn 1 Bộ binh, Bộ binh 16, Công ty E & NBSP; rời khỏi tàu đổ bộ của Lực lượng bảo vệ bờ biển và diễu hành đến Bãi biển Omaha ở Normandy, Pháp vào sáng ngày 6 tháng 6, & NBSP; 1944 (D-Day). & NBSP; Hai phần ba công ty E đã bị giết hoặc bị thương trong cuộc đổ bộ ban đầu khi họ phải đối mặt với tiếng súng máy nặng của Đức. & NBSP; Bức ảnh được chụp bởi nhiếp ảnh gia chính, người bạn đời Robert F. Sargent và tiêu đề ban đầu & nbsp; đã vào hàm của cái chết - quân đội Hoa Kỳ lội qua nước và tiếng súng của Đức Quốc xã. & NBSP;(1944) – Robert F. Sargent American soldiers from the 1st Infantry Division, 16th Infantry, Company E leave their Coast Guard landing craft and march onto Omaha Beach in Normandy, France on the morning of June 6, 1944 (D-Day). Two-thirds of Company E was killed or injured during the initial landing as they faced heavy German machine gunfire. The photo was taken by Chief Photographer’s Mate Robert F. Sargent and the original title was Into the Jaws of Death – U.S. Troops wading through water and Nazi gunfire. Churchill, Roosevelt và Stalin tại Yalta & NBSP; (1945) - Không biết từ ngày 4 đến 11 tháng 2 năm 1945, các nhà lãnh đạo của Hoa Kỳ, & NBSP; Vương quốc Anh và & NBSP; USSR đã gặp ; Mỗi nhà lãnh đạo có một chương trình nghị sự: (1) Winston & NBSP; Churchill (Anh) đã tìm kiếm các cuộc bầu cử và dân chủ miễn phí cho & nbsp; Ba Lan và phần còn lại của & nbsp; Đông Âu; (2) Franklin Roosevelt (Hoa Kỳ) muốn Liên Xô hỗ trợ đánh bại & NBSP; Nhật Bản; và & nbsp; (3) & nbsp; Joseph Stalin (Liên Xô) muốn có một phạm vi ảnh hưởng ở Đông Âu. & NBSP; Vào thời điểm hội nghị Potsdam vào tháng 7, FDR đã chết, Churchill & nbsp; đã được thay thế bởi Clement Atlee và chỉ Stalin mới đạt được mục tiêu Yalta của mình. & NBSP; & NBSP; Roosevelt lắng nghe trong khi Churchill nói. & NBSP; Cũng trong hình còn là Liên Xô & NBSP; Bộ trưởng Ngoại giao Vyacheslav Molotov (xa bên phải); Nguyên soái Alan Brooke; Đô đốc của hạm đội Ngài Andrew Cickyham; Nguyên soái của cổng thông tin RAF Sir Charles, (đứng sau Churchill); Tham mưu trưởng quân đội George Marshall; và Hạm đội Đô đốc William D. Leahy, USN, (đứng sau Roosevelt). (1945) – Unknown From February 4 to 11, 1945, the leaders of the U.S., UK and USSR met near the Crimean resort town of Yalta to decide the fate of postwar Europe. Each leader had an agenda: (1) Winston Churchill (UK) sought free elections and democracy for Poland and the rest of Eastern Europe; (2) Franklin Roosevelt (US) wanted the Soviets to assist in defeating Japan; and (3) Joseph Stalin (USSR) wanted a sphere of influence in Eastern Europe. By the time of the Potsdam conference in July, FDR was dead, Churchill had been replaced by Clement Atlee and only Stalin would have achieved his Yalta goal. In the photo above, taken by an anonymous official photographer, Roosevelt listens while Churchill speaks. Also pictured are Soviet Foreign Minister Vyacheslav Molotov (far right); Field Marshal Alan Brooke; Admiral of the Fleet Sir Andrew Cunningham; Marshal of the RAF Sir Charles Portal, (standing behind Churchill); Army Chief of Staff George Marshall; and Fleet Admiral William D. Leahy, USN, (standing behind Roosevelt). Weed chống lại Sky, Detroit & NBSP; (1948) - Harry Callahanmuch về tác phẩm của nhiếp ảnh gia và nhà giáo dục người Mỹ Harry Callahan liên quan đến việc chụp ảnh vợ và con gái của mình, nhưng anh ta cũng được biết đến với các tác phẩm trừu tượng độc đáo của mình bằng cách sử dụng thực vật và các đối tượng khác đã đưa lên bầu trời không đặc trưng. & nbsp; Trong cỏ dại chống lại Sky, Detroit, Callahan & NBSP; làm giảm một cây không lá thành một loạt các dòng và vòng tròn - không có tiêu đề cho & nbsp; hướng dẫn chúng tôi, chúng tôi có thể chụp bức ảnh này để trở thành một bản vẽ đơn giản. (1948) – Harry Callahan Much of the work of American photographer and educator Harry Callahan involved photographing his wife and daughter, but he was also known for his unique abstract compositions using plants and other subjects silhouetted against a featureless sky. In Weed Against Sky, Detroit, Callahan reduces a leafless plant to a series of lines and circles – without the title to guide us, we might take this photo to be a simple drawing. Công nhân mỏ (1950)-Margaret Bourke-White vào năm 1949 và 1950, phóng viên ảnh người Mỹ Margaret Bourke-White đã đến thăm Tạp chí Nam Phi cho cuộc sống và mang lại những bức ảnh giới thiệu công chúng Mỹ về hệ thống phân biệt chủng tộc gần đây. Bourke-White đã di chuyển hơn một dặm dưới lòng đất ở nhiệt độ 95 độ và độ ẩm gần 100 % để chụp ảnh các thợ mỏ vàng đen ở mỏ Deep Deep, phía nam thành phố Johannesburg. & NBSP; Bức chân dung của hai người khai thác không tên là hình ảnh đầu tiên trong một bài tiểu luận ảnh cuộc sống có tựa đề, Nam Nam Phi và vấn đề của nó. Bức ảnh cho thấy phẩm giá và sức mạnh của những người đàn ông & nbsp; tham gia vào công việc mệt mỏi của mỏ; Một số người đã ví & nbsp; mũ của họ với & nbsp; haloes. (1950) – Margaret Bourke-White In 1949 and 1950, American photojournalist Margaret Bourke-White visited South Africa for Life magazine and brought back photographs that introduced the American public to the recently-imposed system of racial apartheid. Bourke-White traveled more than a mile underground in 95 degree heat and nearly 100 percent humidity to photograph black gold miners in the Robinson Deep mine, south of Johannesburg. The portrait of two unnamed miners was the first image in a Life photo essay entitled, “South Africa and Its Problem.” The photograph shows the dignity and strength of the men engaged in the grueling work of the mine; some have likened their hats to haloes. Pedestrian’s Foot, Paris (1950) – Otto Steinert German physician-turned-photographer Otto Steinert was one of the founders of Fotoform, an avant-garde movement that promoted subjectivity in photography through the use of multiple exposure, unusual angles and similar techniques. In Pedestrian’s Foot, Steinert has used darkroom technique to turn most of the pedestrian into a hazy blur, leaving only the left foot and a portion of the left leg to represent the otherwise invisible passerby. The bird’s eye view composition is balanced by the tree and its protective circular grating, which seem as static and permanent as the pedestrian is evanescent. Pool in a Brook, Near Whiteface, New Hampshire (1953) – Eliot Porter The intensity and high saturation of American nature photographer Eliot Porter’s colors are achieved through the dye transfer method. The original color image is separated into its primary colors with separation negatives, which are then used to produce positive gelatin relief images. The gelatin soaks up dyes in proportion to the gelatin’s thickness. The dye-soaked image is transferred onto another sheet to reproduce the original color image. This October 1953 photograph highlights the colors of Autumn in a near-abstract composition, connected with the detail of reality by the fallen leaves, the reflections of the trees and the unmistakable chaos in the surface of a body of moving water. Marilyn Monroe in The Seven Year Itch (1955) – Sam Shaw James Dean in Times Square (1955) – Dennis Stock When Magnum photographer Dennis Stock met James Dean at a Hollywood party in early 1955, Dean was a relative unknown, whose first movie, East of Eden, was just about to be released. When Stock saw the film and realized Dean would be a star in the vein of Marlon Brando and Montgomery Clift, he proposed an unusual photo essay idea: to follow Dean from Hollywood to his Indiana hometown and to New York, where he learned acting. Dean agreed and Stock convinced Life magazine to pay him. Life published many of Stock’s images, which showed a moody, troubled young man on the cusp of fame. Stock’s image of Dean walking through Times Square in the rain has become iconic. Dean died while racing his Porsche in September 1955. USA. New York City. Brooklyn Gang. Coney Island. Kathy fixing her hair in a cigarette machine mirror. (1959) – Bruce Davidson For several months during 1959, 25-year-old Magnum photographer Bruce Davidson immersed himself in an Italian-American teenage gang from Brooklyn, New York known as the Jokers, following them around until they eventually allowed him to photograph them in all their unsettling and disaffected moods and activities. Davidson wrote that, “In staying close to [the gang members], I uncovered my own feelings of failure, frustration and rage.” Many of the gang’s members eventually succumbed to drug overdoses. Kathy, shown here with her boyfriend Junior, lived longer, only to commit suicide. Aid from the Padre (Navy Chaplain Luis Padillo give last rites to soldier in Venezuela) (1962) – Héctor Rondón Lovera On June 2, 1962, rebel soldiers began the El Porteñazo revolt against the government of Rómulo Betancourt in Puerto Cabello, Venezuela. During the failed five-day rebellion, Catholic priest and Navy Chaplain Luis Padillo walked the streets amid gunfire to give Catholic soldiers the Last Rites. Padillo knew that the soldiers on both sides were Catholics and would think twice about shooting a priest. Here, Padillo approached an injured soldier, who managed to climb up on the priest to receive the sacrament before collapsing in death. As bullets flew from all directions, Héctor Rondón Lovera, a photographer for La Republica newspaper, lay flat on the ground and captured this image, which won a World Press Photo of the Year award. Those who can read Spanish will recognize that Lovera has not only captured a moment of heart-wrenching tragedy and personal courage but also a bitter irony: the store behind the priest and dying solider is a butcher’s shop, or carnicería, a word that also means “slaughter” and “carnage.” JFK Jr. salutes father’s coffin (1963) – Stan Stearns November 25, 1963 was the day John F. Kennedy, Jr. turned three years old. It was also the day of his father’s funeral. Stan Stearns was one of several UPI photographers assigned to follow the procession with President Kennedy’s coffin to Arlington Cemetery that day. He and 69 other photographers crammed into a much-too-small space as the hearse and white horse passed Kennedy’s brothers Bobby and Teddy, his wife Jackie and his children, Caroline and John. By instinct, Stearns kept his eyes on Jackie. When she leaned down and whispered in John, Jr.’s ear, Stearns immediately began pressing the shutter button. His watchful eye and a bit of luck made him the only photographer of the 70 present to capture the poignant salute of son to father. At that point, Stearns knew he had the best shot and returned to the office. When his superiors discovered he’d left the procession without permission, they were furious – until they saw the photograph, which is now generally regarded as “the picture of the funeral.” (original version above, cropped version below). Cathedral in the Desert, Glen Canyon, Utah (1964) – Philip Hyde The Cathedral in the Desert is an extraordinary sandstone formation that is part of Glen Canyon in Utah. Discovered in 1954, the cathedral and 125 major side canyons were submerged as the result of the giant reservoir (named Lake Powell) that was created by the building of the Glen Canyon Dam over the Colorado River. Landscape photographer Philip Hyde was instrumental in protecting many areas from the devastating effects of dams and other developments, but he could not save Glen Canyon from Lake Powell. Instead, he journeyed on several occasions in the early 1960s to document in black and white as well as color the marvels that would soon lie beneath up to 100 feet of water. American Photo magazine named the image above one of the top 100 photographs of the 20th Century. Ironically, fluctuations in the water levels of Lake Powell due to drought, evaporation and other causes, have led to the periodic exposure of the Cathedral in the Desert in recent times. Mother Holding Her Child, N.J. (1967) – Diane Arbus Diane Arbus took this photograph at a 1967 Diaper Derby in New Jersey and it accompanied a March 21, 1968 article in the Sunday Times (London) Magazine by Pauline Peters titled “How to Train a Derby Winner.” The original caption was, “Loser at a Diaper Derby, N.J.” In a diaper derby, crawling infants are placed in a line facing their mothers, who call to the children. The first child to reach its mother wins the derby. This child is one of the losers. Is Arbus implying that he will always be thought of as a loser? Or is this just one awful moment in a long life of highs and lows? Arbus’s flash highlights the baby’s skin and spittle, and the mother’s clutching fingers, but sends all the rest into the shadows. Patriotic Boy with a Straw hat, buttons and flag, waiting to march in a pro-war parade,
NYC (1967) – Diane Arbus The year 1967 was filled with protests against the Vietnam War by people young and old, but mostly young. So there is a fair amount of irony in Arbus’s photograph of a pro-war youth, whose corn-fed boy-next-door looks are belied by the casual violence of the “Bomb Hanoi” button he wears. Arbus was known (and sometimes criticized) for looking down on her subjects, for presenting them to the viewer not as fellow humans but as wholly other. She did say she was attracted to “freaks” and people’s flaws, but it was more likely because she saw herself (and maybe all of us) as flawed individuals, most of whom had yet to come to terms with their unique otherness. Those with the most obvious visual oddities – the ‘freaks’ – had “already passed the test”, Arbus once said, and so they had learned something about themselves that most of the rest of us had not. Unlike many of the characters in Arbus’s world, however, the “Bomb Hanoi” boy does not look particularly self-aware and there is a certain amount of mocking in Arbus’s portrait. But there is another layer here; this is not mere exploitation. Arbus shows us a defiantly uncool teenager whose over-the-top normalcy was freakish at a time when mainstream youth culture was dominated by so-called “hippie freaks.” While not sympathizing with her subject (she seems both amused and frightened by the combination of innocence and rage), Arbus rather asks us to engage with him through our curiosity: Who is he? Why is he like this? How did he come to be this way? What is it like to be so unlike so many of your peers – to deliberately choose a life that, in New York City in 1967, would subject him to ridicule? Black Power Salute at Olympics (1968) – John Dominis The 1968 Summer Olympics in Mexico City took place at a time when the West was in turmoil. Protests against the Vietnam War had grown stronger in the U.S. and elsewhere; the assassinations of Martin Luther King, Jr., and Presidential hopeful Robert F. Kennedy shocked the nation and led to violence in the streets across America. In France, students nearly toppled the government during the month of May. MLK’s death signaled a crisis in the civil rights movement for African Americans. In 1967, King had changed the course of the movement. He entered a more controversial political arena by opposing the Vietnam War and, with segregation now technically illegal, he focused his sights on the much more difficult subject of economic injustice. In 1968, the Black Panther movement, which rejected King’s nonviolent approach, was nearing its peak popularity, and James Brown’s “Say It Loud (I’m Black and I’m Proud”) topped the charts. Amid this turmoil, two American sprinters chose to highlight racial injustice by raising their fists and bowing their heads in the Black Power salute during the playing of the U.S. National Anthem at their medal ceremony in Mexico City. Tommie Smith won gold in the 200 meter sprint, and John Carlos won the bronze medal. Time-Life/Getty photographer John Dominis captured the defiant gestures, which led both men to be removed from the U.S. Olympic team. Silver medalist Peter Norman of Australia fully supported the protest and wore the badge of the Olympic Project for Human Rights during the ceremony as a sign of solidarity. Despite the outrage many expressed about incident at the time, Smith and Carlos never apologized. “We were just human beings who saw a need to bring attention to the inequality in our country,” Smith said later. Untitled (from The Los Alamos Project) (1965-1974) – William Eggleston In 1976, New York’s Museum of Modern Art took a big risk in art circles by giving American photographer William Eggleston a one-man exhibit called William Eggleston’s Guide. The photographs in the show were shocking to many because they were so utterly unlike traditional art photography, whether landscapes by Ansel Adams, social documents by Dorothea Lange or Walker Evans, or the street photography of Henri Cartier-Bresson or Helen Levitt. The photographs seemed to depict random moments in time – it was as if the photographer had merely lifted up his camera to his eye, collected a few disparate elements within the frame and clicked the shutter, without consideration of the meaning or truth behind the image. One imagines that Seinfeld character George Costanza would have described the Eggleston exhibit as a show about nothing. To make matters worse, these prints were in full, lurid color – like a snapshot from a family vacation or a commercial fashion spread! Without the dignity and character of black & white, how was the public to distinguish between art and trash? The critics were merciless. When MOMA curator John Szarkowski described Eggleston’s photography as “perfect”, New York Times critic Hilton Kramer responded, “Perfectly banal, maybe.” Art history has favored Szarkowski’s view over Kramer’s. In particular, the art world eventually embraced Eggleston’s daring use of color. Eggleston began working with color film in 1965 but was not satisfied with the results until he discovered the complicated dye-transfer process in the early 1970s. The colors in the photographs are not additions to the composition but are essential elements of the composition itself, to the extent that the same photograph, seen in black & white, would lack the artistic value of the original. Virginia Creeper, Northern Sierra Nevada, California (1977) – Philip Hyde Landscape photographers work hard to provide us with the perfect visual documents of what we think we see when we look at nature, but in this photograph, Philip Hyde gives us nature as our eyes really see it, even when our brains convince us otherwise. According to a published account by Hyde’s son David Leland Hyde (http://landscapephotographyblogger.com/58-years-in-the-wilderness-introduction-2/), the Virginia creeper vine that is the subject of this photograph was growing up the side of Hyde’s gray cedar shingle home in northeastern California. One autumn day, when the vine’s leaves had begun to turn red, yellow and orange, Hyde noticed that some of the leaves were reflecting the blue sky above, producing an almost metallic sheen. He hurried inside the house, grabbed his 4 X 5 Baby Deardorf view camera, set it on his wooden Reis tripod, and took the picture. While our brains would normally convert such unusual effects into the more recognizable green (or red) leaf underlying the blue reflection, Hyde’s camera makes no such adjustment, and records the actual color of the leaves, creating a unique palette in which a familiar vine becomes something strange and fantastic. Untitled Film Still #21 (1978) – Cindy Sherman American photographer Cindy Sherman has spent her career exploring the way we perceive humans – almost always women – by photographing herself in a variety of different roles. These are not self-portraits in the traditional sense, though. The subject matter of the photograph is not Cindy Sherman but a character she plays. Commentators have theorized that Sherman’s photos treat women’s images and roles as a series of masks and personas presented either to conform with or rebel against society/patriarchal expectations, while never revealing the true self under the mask. Each of Sherman’s photographs belongs to one of a number of series, each with its own formats and themes. Her first true series was Untitled Film Stills, a collection of about 70 black & white photographs created between 1977 and 1980. In each Untitled Film Still, Sherman photographs herself as an actress playing a role in an imaginary film. Sherman provides no accompanying text or explanatory title for each image, so we must rely on her character’s face, hair, clothing and situation to find meaning. Most of the Untitled Film Stills reproduce tropes and stereotypes that are familiar to moviegoers, even though they are not taken directly from any actual film, and they explore the way that culture generally and film in particular shape the way we look at women and the roles they are allowed to play. In Untitled Film Still #21, shown here, a young career woman scans the big city anxiously. We have seen seen her before, or others like her – we know that she will face obstacles, if she is not in crisis already, and either overcome them or not. Of course, there is no film to accompany this still, so we will never know what happens to this young lady or the 69 others in the series. The rest of the film only exists in the imaginations of the viewers. Basilicata, Italia (1978) – Franco Fontana Like William Eggleston, Italian photographer Franco Fontana found that the dye transfer process, while difficult, produced the best color prints. Fontana uses color and shape to produce almost abstract compositions, whether of natural landscapes, architecture or human bodies. Basilicata, Italia (also known as Italian Landscape) is typical in that it reduces the landscape to a series of geometric patches of color. Specifics, such as what plants or other features are creating the color, are suppressed so that even the patch of blue sky becomes another geometric form. Fontana is said to have invented the photographic concept of line, although it must also be said that I’m not sure what that means. Cirio Tree, Granite Boulder, Baja California, Mexico (II) (1981) – Philip Hyde According to Philip Hyde’s son David Leland Hyde (http://landscapephotographyblogger.com), Philip and his wife Ardis fell in love with Baja California after a four-wheel-drive camping trip there in 1973. They returned on many occasions, including the 1981 trip when Hyde took this photo of a cirio or Boojum tree (Fouquieria columnaris) casting a curved shadow onto a granite boulder. The photograph was first published in Tom Turner’s 1991 book, Sierra Club: 100 Years of Protecting Nature. By 1981, Hyde was working exclusively in color photography. He had begun experimenting with color as early as 1948, but continued to produce both black & white and color work until the 1970s. Untitled #119 (1983) – Cindy Sherman After completing the Untitled Film Stills series in 1980, Cindy Sherman switched to color photography and abandoned the conceit that her photographs were film stills. Sherman continued to portray characters in her photos, usually grouping them together in series according to a theme. Her first color theme was Centerfolds, from 1981, which upended the traditional conception of the magazine centerfold as simply an object of male sexual desire (although the resemblance of some of the characters to victims of abuse alarmed some feminists). Sherman also received commissions to do fashion photography for Diane Benson and others, although the resulting images skewered the beauty factory paradigm. Untitled #119, shown here, is part of the Fashion series of 1983-1984 and was one of the works commissioned by Diane Benson’s Diane B. boutique. It was published as a black & white advertisement in Interview magazine in 1983. Untitled #119 is one of the few Sherman works that depicts the subject in action – here probably singing or possibly shouting – with her mouth open, as if she is devouring the attention of the spotlight. It is also shot horizontally, unlike most of Sherman’s other works (excluding the Centerfolds, which adopt the horizontal format to mimic the magazine spreads). The black background is also an anomaly; most of Sherman’s photos place the subject in context, whether palpably real or obviously fake. As Sherman certainly intended, this dark character study in no way resembles the seductive models and poses of traditional fashion photography. It is as if Sherman is saying, Instead of using sex to sell, why not depict the people who are actually going to buy these overpriced clothes? In this case, not a pouting ingénue but a brash woman of a certain age with more self-confidence than talent and money to burn. Vụ nổ Challenger (1986) - Nasaon ngày 28 tháng 1, & NBSP; 1986, Chương trình không gian Hoa Kỳ đã bị ảnh hưởng & NBSP; một trong những bi kịch vĩ đại nhất của nó khi Mission Shuttle Challenger & NBSP; Mission kết thúc trong thảm họa chỉ hơn một phút trong chuyến bay của mình. & NBSP; Trước áp lực của công chúng để tiến hành ra mắt thành công sau nhiều sự chậm trễ trước đó, NASA đã bỏ qua các cảnh báo của các kỹ sư làm việc cho nhà thầu của mình, Morton Thiokol và đã gửi bảy phi hành gia-bao gồm & NBSP; Các kết nối trong các tên lửa đẩy tên lửa nhiên liệu rắn đã thất bại trong thời tiết lạnh bất thường. & NBSP; Những con đường khói kỳ quái được gây ra bởi những tên lửa đẩy nhiên liệu rắn, tiếp tục bay không kiểm soát được sau khi tàu vũ trụ bị phá vỡ. & NBSP; Các nhà điều tra đã đưa ra giả thuyết rằng phi hành đoàn & nbsp; đã sống sót sau khi chia tay nhưng có thể đã mất ý thức trong suốt 2 phút rưỡi của họ xuống đại dương bên dưới, nơi họ đã chết vì Impact. & NBSP; & NBSP; Hình ảnh vẫn còn về sự kiện này, mặc dù & NBSP; nhiếp ảnh gia AP Bruce Weaver về quả cầu lửa màu cam của nhiên liệu đốt, Taken & nbsp; một phần nhỏ của một giây trước đó, & nbsp; cũng nổi tiếng (xem bên dưới). (1986) – NASA On January 28, 1986, the United States space program suffered one of its greatest tragedies when the Space Shuttle Challenger mission ended in disaster just over a minute into its flight. In the face of public pressure to conduct a successful launch after many prior delays, NASA had ignored the warnings of engineers working for its contractor, Morton Thiokol, and sent seven astronauts – including school teacher Krista McAuliffe – to their deaths after O-ring connectors in the solid fuel rocket boosters failed in the unseasonably cold weather. The bizarre smoke trails were caused by the solid fuel boosters, which continued to fly uncontrolled after the spacecraft broke apart. Investigators have theorized that the crew survived the break-up but may have lost consciousness during their 2 1/2 minute plunge to the ocean below, where they died on impact. The official NASA photo shown above is the most iconic still image of the event, although AP photographer Bruce Weaver’s shot of the orange fireball of combusting fuel, taken a fraction of a second earlier, is also justly famous (see below). Tank Man & NBSP; (1989)-Stuart Franklinin Một cuộc phỏng vấn tháng 6 năm 2014 với tờ báo Guardian, nhiếp ảnh gia người Anh Stuart Franklin đã nhớ lại các trường hợp của bức ảnh Tank Man nổi tiếng của anh ấy (https://www.theguardian.com/artanddesign Jun/03/Stuart-Franklin-Tiananmen-Square-Tank-Man). & NBSP; Vào tháng 5 và tháng 6 năm 1989, Franklin, một bức ảnh của Cơ quan Magnum làm việc về nhiệm vụ & nbsp; cho Tạp chí Time, đã ở Bắc Kinh, nơi & nbsp; một phong trào phản đối của sinh viên lớn đang diễn ra. & NBSP; Anh ấy đã bao gồm các sự kiện & nbsp; các ngày và tuần dẫn đến chính phủ & nbsp; Crackdown bạo lực & nbsp; vào đêm ngày 4 tháng 6 và sau khi chụp ảnh vào đêm tàn bạo đó, anh ấy đã trở về khách sạn của anh ấy ngay bên ngoài Quảng trường Tiananmen vào sáng ngày 5 tháng 6. & nbsp; Từ ban công khách sạn của mình, Franklin là một trong số ít các nhiếp ảnh gia chụp ảnh người biểu tình đơn độc & NBSP; người đứng trước xe tăng Trung Quốc để ngăn họ tiến về phía trước. & NBSP; Bởi vì các quan chức chính phủ của Trung Quốc & nbsp; đã tịch thu tất cả các bộ phim từ các nhiếp ảnh gia nước ngoài, Franklin Hid & nbsp; bộ phim của anh ta trong một hộp trà và & nbsp; đã đưa nó cho một sinh viên người Pháp & NBSP; quay trở lại Paris, người đã mang hình ảnh đến Magnum. (1989) – Stuart Franklin In a June 2014 interview with The Guardian newspaper, British photographer Stuart Franklin recalled the circumstances of his famous Tank Man photograph (https://www.theguardian.com/artanddesign/photography-blog/2014/jun/03/stuart-franklin-tiananmen-square-tank-man). In May and June, 1989, Franklin, a Magnum agency photograph working on assignment for Time magazine, was in Beijing, where a large student protest movement was going on. He covered the events of the days and weeks leading up to the government’s violent crackdown on the night of June 4 and after photographing that brutal night, he returned to his hotel just outside Tiananmen Square on the morning of June 5. From his hotel balcony, Franklin was one of the few photographers to capture images of the lone protestor who stood in front of Chinese tanks to prevent them from moving forward. Because Chinese government officials were confiscating all film from foreign photographers, Franklin hid his film in a box of tea and gave it to a French student heading back to Paris, who brought the images to Magnum. Oil Well, Burhan, Kuwait (1991) - Sebastião Salgadoin 1991, khi các lực lượng Liên minh Hoa Kỳ và Liên minh đã loại bỏ quân đội Iraq xâm chiếm khỏi Kuwait, quân đội Iraq, trong một cử chỉ cuối cùng của sự thách thức, đã đốt cháy hàng trăm giếng dầu Kuwait. Nhiếp ảnh gia người Brazil Sebastião Salgado đã chụp ảnh các công nhân từ khắp nơi trên thế giới được gửi đến để chống lại những đám cháy đó và tóm tắt lại các giếng, những công việc đặt công nhân trong điều kiện kinh hoàng. & NBSP; & NBSP; Giống như những bức tượng nhờn ở đầu giếng trong khi dầu mưa từ bầu trời xung quanh chúng. & NBSP; Một hình ảnh khác của Salgado từ cùng một bài tập được hiển thị bên dưới. & NBSP; (1991) – Sebastião Salgado In 1991, when the US and Coalition forces removed the invading Iraqi army from Kuwait, Iraqi troops, in a last gesture of defiance, set fire to hundreds of Kuwait’s oil wells. Brazilian photographer Sebastião Salgado photographed the workers from all around the world sent to fight those fires and recap the wells, jobs that placed the workers in horrific conditions. The most highly-regarded of those photos depicts two oil-covered men standing like greasy statues at a well head while oil rains from the sky around them. Another of Salgado’s images from the same assignment is shown below. Một cơn gió bất ngờ (sau Hokusai) (1993) - Nghệ sĩ Jeff Wallcanadian Jeff Wall đã & NBSP; Khi nó nắm bắt được những khoảnh khắc quyết định tự phát. Thay vào đó, Wall sử dụng những ký ức hình ảnh của riêng mình cũng như các tác phẩm nghệ thuật khác để truyền cảm hứng cho anh ta để tạo lại các cảnh bằng cách sử dụng các diễn viên và tất cả các công cụ của công nghệ. & NBSP; Khi tái tạo những khách du lịch gỗ năm 1832 của Katsushika Hokusai bị cuốn vào một làn gió bất ngờ tại Ejiri (hiển thị bên dưới), tường đã ghép cảnh vào một cảnh quan hoang vắng gần Vancouver bản địa của anh ta và tạo ra một bản in riêng biệt để tạo ra sản phẩm cuối cùng, đó là một sản phẩm lớn (13,2 ft x 8.2 ft.) Độ trong suốt hiển thị trên một hộp đèn & nbsp; chiếu sáng nó từ phía sau. (1993) – Jeff Wall Canadian artist Jeff Wall has expanded the limits of photography as an art by embracing the technological possibilities of digital manipulation and by rejecting the street photographer’s dictum that the medium is at its best when it captures spontaneous “decisive moments.” Instead, Wall uses his own visual memories as well as other works of arts to inspire him to recreate scenes using actors and all the tools of technology. In recreating Katsushika Hokusai’s 1832 woodblock Travellers Caught in a Sudden Breeze at Ejiri (shown below), Wall transplanted the scene to a desolate landscape near his native Vancouver and created a collage of over 100 separate prints to create the final product, which is a huge (13.2 ft by 8.2 ft.) transparency displayed atop a light box that illuminates it from behind. Người đàn ông Hutu bị cắt xén bởi Hutu Interahamwe Dân quân vì nghi ngờ Tutsi Commipies (1994) - James Nachtweyamerican Photournalist James Nachtwey won & nbsp; & nbsp; Sự tàn sát của & nbsp; hơn 800.000 tutsis và Hutus & nbsp vừa phải; bởi Hutus được trang bị dao rựa và gậy & nbsp; đã gây ra & nbsp; vào tháng 4 năm 1994 bởi & nbsp; Hutu Interahamwe & nbsp; Militia đã giết người và bỏ đói người đàn ông trẻ tuổi này vì anh ta không ủng hộ vụ giết người. Khi Nachtwey gặp anh ta trong Bệnh viện Chữ thập đỏ ở Nyanza, Rwanda, người đàn ông không thể nói hoặc nuốt và không thể đi bộ. (1994) – James Nachtwey American photojournalist James Nachtwey won the 1995 World Press Photo for his photograph of a Hutu man who was mutilated with machetes because he did not support the genocide in Rwanda. The slaughter of over 800,000 Tutsis and moderate Hutus by Hutus armed with machetes and sticks was sparked in April 1994 by the death of Rwandan President Juvenal Habyarimana in a suspicious plane crash. The Hutu Interahamwe militia maimed and starved this young Hutu man because he did not support the killings. When Nachtwey encountered him in the Red Cross Hospital in Nyanza, Rwanda, the man was unable to speak or swallow and could barely walk. Oklahoma City firefighter holds infant (1995) – Charles Porter Charles Porter IV was not a professional photographer but an aspiring journalist who worked in a bank near the Alfred P. Murrah Federal Building in Oklahoma City, OK on April 19, 1995 when he heard an explosion, grabbed his camera and ran out to document the tragic scene caused by domestic terrorists Timothy McVeigh and Terry Nichols, who were motivated by anger over FBI actions at Ruby Ridge, Idaho in 1992 and the Branch Davidian complex in Waco, Texas in 1993. The massive blast killed 168 people, injured 680 others, and destroyed the federal building and 324 other buildings in a 16-block radius. Porter’s heart-wrenching photograph of Oklahoma City firefighter Christopher Fields holding the body of one-year-old Baylee Almon won the 1996 Pulitzer Prize for Spot News Reporting. Baylee Almon’s mother, Aren Almon-Kok, had put Baylee in the federal building’s nursery that day so she could obtain federal assistance in compelling the baby’s father to make child support payments. Ironically, in the aftermath of the bombing, some claimed that Porter’s photograph resulted in Baylee Almon’s family receiving more attention (and donations) than others who suffered equally tragic losses. According to an April 19, 2015 USA Today article (http://www.usatoday.com/story/news/2015/04/18/oklahoma-city-photo/25957831/), Porter is now a physical therapist living in Texas. Prada I (1996) – Andreas Gursky While German photographer Andreas Gursky usually adopts a bird’s eye perspective for his large-scale photographs of landscapes – many of them human-created – the view he gives us of a minimalist high-end shoe store display in Prada I (also known as Untitled IV (Prada I)) is straight-on, though we feel a distance from the products. Gursky’s gaze appears to be impartial, but some have noted a tinge of irony in the notion that shoes should be presented to consumers with the formality and dignity of exhibits in a museum. Gursky manipulated the photograph in ways that are not apparent to the casual viewer, thus upending the notion of photography as mirror of reality. He digitally widened the shelving to increase the sense of the horizontal, and he mixed shoes from different seasons so they sit together in ways they would never do in reality. Each of Gursky’s chromogenic prints of Prada I is 33.5 inches tall and 73 5/8 inches wide and are presented in a frame that measures 53.1 inches tall and 89 inches wide. In 1997, Gursky created a photograph of three empty Prada shelves, which acquired the name Prada II (see below). The Power of One (Israel) (2006) – Oded Bality Oded Bality is an AP photographer based in Tel Aviv, Israel. In February 2006, he photographed a lone Jewish girl fighting numerous Israeli security officers during the evacuation of settlers from the illegal Jewish settlement of Amona in the Palestinian West Bank. The 15-year-old girl pictured, known only as Nili, lived in one of the nine homes that was demolished that day pursuant to a court order. Bality’s image of one determined person defying overwhelming odds won the 2007 Pulitzer Prize for Breaking News photography. Baby Green Sea Turtle, French Polynesia (before 2009) – David Doubilet Photographer David Doubilet has been taking underwater photographs ever since he was 12 years old and wrapped a Brownie Hawkeye camer in a rubber anesthetist’s bag to keep it dry. Many years later, he has made a career out of creating stunning underwater photography, most of it for National Geographic. Several of Doubilet’s most highly-regarded photographs use a split-lens camera that he invented, which has separate focus points for each half of the lens and so allows him to capture images that are in focus in both the underwater and above-water portions. In order to overcome the light differential between the two worlds, Doubilet works with powerful strobe lights to brighten the underwater realm. The photograph here shows a newborn green sea turtle heading to the open ocean from the Nengonengo Atoll in French Polynesia. Like several other nature and wildlife photographers, Doubilet does not date his photographs, so the date here is only approximate. Southern Stingrays, Grand Cayman Island (2009) – David Doubilet Underwater photography is hard enough, but split-lens, or “over-under” photographs are even more difficult. David Doubilet has published many such photos (he prefers to call them ‘half and half’ images), many of them for National Geographic. This black and white image of stingrays, a fishing boat (far right) and a sunburst shows the surreal quality of such shots. Taking such a picture properly requires the right equipment, including a very wide angle lens, a dome, and strobe lights. Other Doubilet tips: make sure both above and underwater portions of the image are interesting, some of the best photos are taken in shallow water with a focal point underwater and few distractions, make sure the surface of the water itself is interesting, and most of all, make sure you have no water droplets on the above-water portion of the lens (http://www.divephotoguide.com/underwater-photography-techniques/article/over-unders/). For an equally impressive color photo in the same setting, see Southern Stingray and Sailboat, Grand Cayman Island (below). Bức ảnh nổi tiếng nhất mọi thời đại là gì?Bức ảnh người đàn ông trên mặt trăng của NASA được đặt tên là hình ảnh nổi tiếng nhất mọi thời đại, sau đó là bữa trưa trên đỉnh một tòa nhà chọc trời, cho thấy mười một người sắt ngồi trên một chùm thép cách mặt đất 260 mét ở Manhattan, thành phố New York năm 1932. was named the most famous image of all time, followed by “Lunch atop a Skyscraper,” which showed eleven ironworkers sitting on a steel beam 260 meters above the ground in Manhattan, New York City in 1932.
Ai là bức ảnh tuyệt vời nhất trên thế giới?James Nachtwey | Nạn đói ở Somalia | 1992 .. Alberto Korda | Guerillero Heroico | 1960 .. Philippe Halsman đã chụp bức ảnh nổi tiếng này Dalí Atomicus vào năm 1948 .. Dorothea Lange | Mẹ di cư | 1936 .. EADWEARD MUYBRIDGE | Con ngựa trong chuyển động | 1878 .. W. ... Robert Capa | Người lính ngã xuống | 1936 .. Harold Edgerton | Sữa thả coronet | 1957 .. Bức ảnh nổi tiếng nhất của thế kỷ 20 là gì?Dưới đây là danh sách 10 bức ảnh mang tính biểu tượng nhất của thế kỷ 20:.. Người đàn ông xe tăng của Stuart Franklin, 1989. .... Đằng sau Gare Saint-Lazare của Henri Cartier-Bresson, 1932. .... Chân dung Winston Churchill của Yousuf Karsh, 1941. .... Guerrillero Heroico của Alberto Korda, 1960. .... Nâng cờ trên Iwo Jima của Joe Rosenthal, 1945 .. Một số bức ảnh hoành tráng nhất từng được chụp là gì?Những bức ảnh hoành tráng nhất từng được chụp.. Người đàn ông rơi .. Napalm Girl .. Owens bất chấp Hitler .. Người xe tăng .. Thi hành Việt Nam .. Việc giương cờ trên iwo jima .. Đứng lên với Himmler .. Abu Ghraib tra tấn .. |
